Jesús Hernán: “Hay que poner buenos libros en manos de los lectores”

Jesús Hernán: “Hay que poner buenos libros en manos de los lectores”

Jesús Hernán ha vivido toda su experiencia laboral como emprendedor en diferentes proyectos. A pesar de haber estudiado Humanidades, pasó de la teoría a la práctica arriesgándose, como el mismo confiesa, sin ser demasiado consciente de lo que suponía emprender. En 2013 creó su proyecto cultural más especial, Yoleo Club (Legiland.club). Se trata de una plataforma para colegios e institutos que fomenta la lectura y comprensión lectora entre los más jóvenes.

Hemos hablado con Jesús para que nos cuente con detalle qué es Yoleo, cómo funciona y cómo ha sido el proceso emprendedor en este sector.

Antes de crear el actual proyecto en el que estás embarcado, Yoleo Club, ya habías creado otros como Disfrutalia, Bake250º o Smartech Ventures, ¿qué supone el emprendimiento en tu forma de entender la vida laboral?

Cuando no he emprendido es porque estaba entre una aventura y otra, ya que se necesitan tiempos de transición. Prácticamente toda mi vida profesional ha sido emprendimiento y quizá por eso lo vivo de manera bastante natural. Yo salí de la universidad y ya me puse a emprender porque lo que quería hacer solo lo podía hacer yo, estaba en mi cabeza. Para una persona que ha trabajado mucho tiempo en una empresa y de repente decide dar el salto al vacío, con una asunción de riesgo muy alto, puede ser complicado. En mi caso no tuve demasiada consciencia de ese riesgo porque siempre ha sido mi estado de vida natural.

Siendo las Humanidades algo eminentemente teórico, ¿cómo decides emprender?

Si te soy sincero cuando emprendí la primera vez no era muy consciente de lo que quería decir emprender. Yo quería hacer un proyecto que era lo que me apetecía y después intenté ganarme la vida con él. Una de las ventajas cuando uno está estudiando es que no tiene tanta necesidad económica, con lo justo vas pasando. En ese momento la parte económica es menos prioritaria que dedicar tiempo a algo que te satisface y que te llena y lo hice con esa intención, no con la mentalidad empresarial y, de nuevo, sin demasiada consciencia sobre el emprendimiento. Con el paso de los años fui viendo la parte más práctica de todo lo que envuelve a lo más empresarial, pero eso se aprende. Acabas sabiendo de recursos humanos, finanzas o impuestos y si no te rodeas de personas que lo saben hacer y poco a poco lo vas asumiendo.

Humanidades es cierto que es una carrera muy teórica y tiene cero enfoque en esa faceta más empresarial. Mi primer emprendimiento estuvo dirigido a una revista, estaba muy centrado en hacer contenidos y cursos para los mismos estudiantes de la universidad, era una cosa más de coordinación, contenidos y creación, después me di cuenta de que eso debía estar acompañado de ese envoltorio empresarial.

¿Qué es exactamente Yoleo Club? ¿Cómo surge la idea de crearlo?

A veces digo que Yoleo es una plataforma digital, pero es mucho más. Es un programa metodológico de motivación a la lectura. La idea es mejorar la comprensión lectora a partir de que los niños y los jóvenes encuentren el gusto por la lectura, que disfruten lo que están leyendo, que eso haga que lean más y que el hecho de que lo hagan de manera natural ayude a la comprensión lectora. El círculo virtuoso de la lectura es ese: cuanto más se lee mejor se lee y cuanto mejor se lee más se lee. No tiene más secreto. El gancho está en conseguir que realmente guste y sientan atracción por la lectura.

Esto es lo que hacemos en Yoleo, intentar que cualquier niño o joven, tenga el nivel, la edad o los gustos que sea, pueda encontrar alguna lectura que despierte su interés y a partir de ahí ir tirando del hilo, que adquieran un hábito saludable de lectura, que disfruten más con la lectura, que la compartan, entre otros. En torno al universo del gusto por la lectura es en el ámbito en que nos movemos como Yoleo.

El proyecto está enfocado en el mundo educativo, en primaria y secundaria. El producto principal de Yoleo es la plataforma en sí, Legiland.club. Nace de la experiencia personal, en primer lugar, de cómo se nos enseñó nosotros a querer la lectura y cómo se está enseñando hoy, que no es muy diferente a hace 30 años. Esto se basa principalmente en que se impone una lectura obligatoria en la que todos los niños leen lo mismo, no se da margen de maniobra para que decidan qué quieren leer e incluso dejándoles elegir aquello que quieran leer, no hay filtro ni criterio. Entre que lean todos lo mismo y que lean lo que quieran hay un punto intermedio que es en el que nosotros intentamos aportar valor.

¿Yoleo viene a ser un sustitutivo de las lecturas obligatorias de la primaria y la secundaria o es algo complementario?

Ciertamente se intenta sustituirlo o complementarlo, como mínimo, que no sea la única opción. Es verdad que la lectura obligatoria tiene su utilidad si se quiere trabajar en clase un autor, una época o una obra concreta. Hecho de cierta manera es útil que todo el mundo pueda leer un mismo libro. Hecho como la manera de trabajar por defecto la lectura es un error. Nosotros lo que queremos es que todos los niños tengan acceso a un universo de posibilidades amplio que ha sido filtrado por personas que conocen muy bien el ámbito literario infantil y juvenil, desde los clásicos hasta lo contemporáneo. La base de todo es que ellos puedan elegir o participar de esa elección.

Ahora mismo tenemos un abanico de unas 1.100 lecturas, que siguen siendo muchísimas para un niño que no sabe por dónde empezar. En función de su edad, sus gustos o gracias al profesor del centro en el que está se hacen selecciones que puede ser que interesen al alumno. A partir de aquí ya es que empiece a leer y ni siquiera hace falta que lea todo el libro, que es otro de los errores clásicos que se cometen al decir que cuando se empieza hay que acabar, el propio programa te dice que si quieres dejarlo puedes hacerlo e iniciar otra lectura.

Otra de las partes interesantes es que el profesor recibe una información a tiempo real de cómo está leyendo ese niño y si detecta que esa lectura no está siendo positiva para él, porque no la está entendiendo o le está aburriendo, le puede recomendar que coja otra, puede entablar una conversación y ver qué está pasando. Lo que tiene el profesor es información para gestionar ese aprovechamiento en cualquier tipo de lectura.

Legiland Club

¿Legiland.club se usa solo a nivel formativo en los colegios o se puede usar de forma individual por padres que quieran incentivar la lectura en sus hijos mediante esta plataforma?

Es solo a nivel de colegios. Tiene una justificación. Es cierto que nos lo estamos planeando, y llevamos un tiempo trabajando para adaptarlo a nivel particular, pero la metodología está muy centrada en una dinámica de clase, de aula, con un profesor en su papel de profesor y eso no es replicable en un entorno doméstico.

¿Qué impedimentos hubo a la hora de lanzar este proyecto de lectura?

Siempre que comienzas un proyecto te encuentras muchos impedimentos. Los principales suelen estar relacionados con el dinero, con los recursos que tienes para desarrollar la idea. Una vez que lo has desarrollado, también para promocionarlo. Puedo probarlo yo e ir a visitar colegios que tengo a mi alrededor, pero si ya quiero crecer, voy a necesitar contratar a personas que me ayuden en esa tarea, invertir en marketing o en adquisición y todo esto es dinero. El primer gran escollo que superar son los recursos económicos.

Entre desarrollar y hacer crecer el proyecto hay un gran reto que es probar que eso que ha salido de tu cabeza es algo con utilidad y cumple el propósito que te habías imaginado. En nuestro caso esto era ser capaces de motivar a los jóvenes para que lean. No es un propósito menor, sino algo que había que demostrar, una cosa es decirlo y otra hacerlo, y para eso nuestro planteamiento fue contactar con colegios con los que teníamos algún tipo de relación y seleccionamos algunos para que probaran Legiland.club durante el curso. Por nuestra parte hicimos un seguimiento para ver cómo funcionaba, cuáles eran los problemas y hacer una iteración para posibilitar todas las mejoras necesarias del siguiente curso, teniendo ya los fallos que mejorar y el feeback de los niños y los profesores. Esto sirve para mejorar la plataforma y para ir con la confianza de encontrar recursos para crecer. Seguramente esa fue la primera fase complicada.

La segunda es que hay una diferencia entre ir a un colegio y que pruebe Legiland.club gratis y otra convencerlos para que paguen por algo que has hecho tú. Ese también es un impedimento complicado que fue superado y después nos encontramos con que, de nuevo, no es lo mismo convencer a cuatro locos que paguen por la plataforma, aquellos que se emocionan y son muy innovadores, a que lo haga un gran volumen de colegios, cuando la mayoría de personas somos conservadoras, especialmente en lo relativo a temas de trabajo. Ahí debes tener una gran capacidad de selección y es el tercer gran escollo que hay que superar.

¿Cómo conseguisteis la financiación para ponerlo en marcha?

La financiación la pusimos nosotros principalmente a raíz de ahorros. Este proyecto nació mientras estaba trabajando en Bake y se basaba en desarrollo de tecnología, diseño y marketing. Aprovechando esos recursos, a nivel humano y económico, cumplimos el primer hito que fue desarrollar esta plataforma de trabajo para colegios y demostrar que, al menos a unos cuantos, les resultaba útil. A partir de que ya has demostrado eso, también necesitas buscar más dinero, pero ya vas con un proyecto más sólido.

A día de hoy tenemos diferentes fuentes de financiación. No nos hemos desarrollado mucho gracias a tener financiación privada, hemos tenido, pero no tenemos capital riesgo, por ejemplo. Nuestro tipo de inversor parte más de amigos, familia y gente interesada en el proyecto, socios, en la financiación inicial. Pero después tenemos financiación bancaria a través de créditos, subvenciones con el Ministerio de Cultura, la Generalitat de Cataluña, ENISA a nivel público nacional. Esta sería una combinación entre inversión privada, banca y pública. Después los clientes, que es el mejor tipo de fuente de financiación.

¿Cuánto se ha notado en los colegios en los que está Legiland el cambio en el hábito de lectura de los alumnos?

El primer año ya se nota un cambio importante, sobre todo, en cuanto a lo que sería la motivación hacia la lectura o la manera en la que se encara el momento de la lectura. En eso es bastante inmediato y si el colegio asume el proyecto con ilusión, que es lo que suele suceder, y hay implicación por parte del profesorado, es algo que enseguida notas. Para eso no hace falta tecnología, simplemente hay que poner buenos libros en manos de los lectores.

El segundo año o el tercero lo que se va viendo es una evolución en cuanto a la cantidad de lecturas que van haciendo los alumnos de ese mismo colegio. Generalmente el tercer año es en el que más crecimiento hay. Los tres primeros años es cuando más se nota la diferencia.

Legiland ayuda a hacer un seguimiento de la comprensión lectora de cómo el alumno está haciendo la lectura. La plataforma evalúa siguiendo criterios PISA, en los diferentes niveles y habilidades lectoras, desde la comprensión general del texto, extracción de información, análisis metanarrativo. Para cada lectura nosotros desarrollamos todo un contenido con cuestionarios y actividades, que el alumno, a medida que va leyendo, va completando. En función de los resultados va actuando de una forma o de otra y hace el seguimiento.

Estas actividades están relacionadas con una mecánica de gamificación, funciona con puntos, niveles, avatares, medallas, misiones, hay todo un conjunto de retos y logros que el alumno va consiguiendo a medida que avanza la lectura y en las actividades. La motivación principal se basa en la lectura, porque son libros adecuados para cada tipo de lector, el resto es la guinda del pastel. Es muy importante esta guinda, pero no marca la diferencia, lo difícil del proyecto es elegir las lecturas adecuadas y trabajarlas adecuadamente para que cada lector encuentre lo que le motive.

¿En qué consiste es el proceso de selección de los libros que se incluyen en la plataforma?

Al año se publican miles de nuevos libros en infantil y juvenil y nosotros tenemos una representación muy pequeña de todo lo que se publica. Lo hacemos escuchando a las diferentes partes. Por un lado, a los propios alumnos y profesores que constantemente nos dan feedback y recomendaciones de libros que han leído y les han gustado. Hay profesores que trabajan libros que no tenemos y nos comentan que han funcionado muy bien, por lo tanto, es información de primera mano que continuamente nos están dando, se lo preguntamos directamente y de ahí ya sacamos un listado bastante amplio.

Por otro lado, tenemos a las editoriales con las que trabajamos. Nos envían novedades, pero también tienen experiencias directas con colegios y nos orientan sobre las obras que funcionan bien o tienen mucha demanda. Luego también están las bibliotecas y los expertos en literatura infantil y juvenil. Hay grupos de trabajo a nivel universitario o de otras empresas que ofrecen servicios de prescripción lectora a los colegios y con los que también tenemos contacto o que hacen públicamente recomendaciones que tenemos en cuenta.

Con todo eso, que sigue siendo mucho más de lo que podemos abarcar, hacemos un listado y vamos priorizando en función de las lecturas que van saliendo y ganando peso. Es como un ranking del que vamos incorporando cosas a nuestro catálogo.

¿Cómo se plantea el futuro de Yoleo Club a corto plazo?

Hasta el año pasado estábamos bastante centrados en zona norte porque nacimos en Barcelona y de manera natural hicimos un crecimiento en círculo y en red, poco a poco se fueron agregando colegios de las Islas Baleares, donde tenemos mucha presencia, de Valencia y luego de País Vasco. Precisamente este año hemos hecho una inversión y desarrollo para crecer a nivel nacional y también internacionalmente. Igual que hicimos el proceso de probar Legiland en Cataluña, cuando vas a otro país tienes que pasar por lo mismo, empezar haciendo pilotos en colegios de fuera. Ahora estamos haciendo eso en Chile, México y Argentina, en función de como vaya creceremos más o menos en cada país, ya que cada uno tiene sus particularidades.

 


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Inicio: Octubre de 2021

Emily Suárez: “El formato del Máster hace que sea muy fácil compaginar las clases”

Emily Suárez: “El formato del Máster hace que sea muy fácil compaginar las clases”

Renovarse o morir: ese parece ser uno de los lemas imperantes en los últimos tiempos, donde una realidad laboral cambiante nos empuja a probar nuevas vías a medida que las necesidades del mercado marcan la pauta. O también puede deberse a un perfil profesional curioso, dispuesto a aprender cosas nuevas constantemente y con una mentalidad holística, que entiende que todos los tipos de conocimiento están interconectados, y que formarse en diferentes disciplinas nos permite ampliar habilidades y tener una visión más global de nuestro trabajo.

Ese es el caso de Emily Suárez Santiváñez, exalumna del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, quien se define en su perfil de LinkedIn como una persona curiosa, a la que le gusta aprender cosas nuevas, y que se atreve a explorar áreas como la publicidad, el diseño gráfico y web, la gestión de redes sociales y la comunicación de festivales.

Hablamos con Emily sobre cuestiones tan distintas como su experiencia durante el curso, los cambios de rumbo formativo, la evolución de los festivales de música y las oportunidades de empleo juvenil que suponen las industrias culturales y creativas.

¿Por qué te decidiste a cursar el Máster? 

Tenía claro que me quería orientar a las industrias culturales, aunque, en un primer momento, me llamaba la atención principalmente la industria musical y, en cierta medida, también el mundo del arte. Aun así no descartaba el poder explorar el total del conglomerado cultural, con el fin de tener una visión más global de lo que son las industrias culturales y creativas, además ver posibles relaciones entre industrias, que es lo que creo que demanda más el futuro.

Igualmente, este Máster muestra muchas facilidades a la hora de compaginar las clases, pudiendo verlas en directo o en diferido, sin quitar algo tan relevante como la posibilidad de hacer prácticas de forma presencial en reconocidas empresas e instituciones, lo que ayuda a completar con creces la formación. Ya conocía sobre IGECA y los cursos que ofertaba, ya que realicé con ellos un breve curso previamente, y fue a partir de ahí cuando, tras acabar la carrera, vi que ofertaban este posgrado oficial, así que decidí contactar con ellos, para poco después, estar empezando el Máster.

La opción clásica podría ser estudiar un máster o posgrado relacionado directamente con la carrera estudiada. ¿Por qué te decidiste a “cambiar de dirección” y probar una formación especializada en un nuevo terreno?

Digamos que tampoco lo veo un cambio de rumbo muy drástico, sino más bien una especialización en un sector que me llamaba más la atención. En sí, siempre tuve admiración por la cultura, pero no fue hasta que tuve una primera experiencia laboral en una promotora musical que vi la posibilidad de ser partícipe de ella, más allá de verme como una mera espectadora o consumidora de los productos culturales. Esto me motivó a seguir indagando y por qué no, especializarme en las industrias culturales a nivel profesional.

Ahora que ya has acabado, ¿en qué área o puesto dentro de las industrias culturales y creativas te gustaría trabajar próximamente?

La verdad que, dada mi formación, mi objetivo es ser una experta en comunicación cultural; sé que el término comunicación es muy amplio, pero dada la multitud de posibilidades que existen y que nunca descarto el aprender cosas nuevas, busco poder enfocarme en este área dentro de las ICC (Industrias Culturales y Creativas), pero sin un rumbo claro en cuanto a qué vertiente en especial de la comunicación quiero dedicarme, ya que nunca se sabe qué te depara la vida. Actualmente ya he hecho cosas variadas, como community manager o diseñando algún que otro cartel o web, principalmente en empresas o eventos con relación cultural. A pesar de haber acabado el Máster mi intención es seguir formándome y ampliar mis conocimientos para conseguir el objetivo que antes mencionaba.

¿Ha cambiado tu visión del sector tras haber realizado el Máster?

Más que haber cambiado mi visión, puedo decir que se ha ampliado, ahora tengo una visión mucho más completa de las industrias culturales y creativas en su totalidad y del conglomerado que hay detrás. Muchas de las clases del Máster han resultado ser muy motivadoras, donde nos alentaban a desarrollar cualquier proyecto o negocio cultural que tuviésemos en mente, cosa que creo muy necesaria para mantener activas las ICC, y que despierta en más de uno/a la mentalidad emprendedora que a veces no se fomenta del todo a nivel académico.

Hablemos si quieres de tu Trabajo de Fin de Máster, titulado «Portal online para potenciar la empleabilidad juvenil en España a través de las Industrias Culturales y Creativas”. ¿Por qué te decidiste a explorar esta temática?

La temática surgió a raíz de una necesidad propia, básicamente, porque en mi proceso de búsqueda de empleo durante la pandemia, veía que los principales portales existentes en España apenas hacían mención de las industrias culturales, cosa que, si te enfocas directamente a este sector, puede dificultar algo más la búsqueda, o apenas encontrar el total de las ofertas que realmente existen. Cierto es, que muchas de las ofertas de empleo en cultura suelen cubrirse a partir de contactos, sin apenas llegar a publicarse o en un círculo muy limitado. Este cierto hermetismo en la cultura me motivó a querer hacer un portal de empleo pero únicamente enfocado a las ICC, donde se publicasen las vacantes existentes y además se pudiesen conocer los perfiles más demandados en el mercado cultural. En un principio, el proyecto partía de ser un portal de empleo y prácticas al uso, pero a partir de investigar otras web existentes en el extranjero y ver las principales problemáticas de las empresas culturales, vi que se podía sacar mucho más partido al portal. Finalmente, el tema de centrarme en los jóvenes surge por cuestión propia pero también tras hablar con ciertos conocidos y amigos, quienes me trasladaban sus preocupaciones o comentarios relacionados con la búsqueda de empleo, y más tras la llegada de la pandemia.

El Trabajo de Fin de Máster es, entre los estudiantes, una “prueba de fuego” en la que deben aplicar los conocimientos adquiridos durante el curso y aportar una tesis propia. Ahora que ya lo has presentado con éxito, ¿qué consejo le darías a aquellos que se enfrentan a este último reto académico?

Como consejo diría que elijan un tema que realmente les concierna, ya que así no les faltará motivación para ponerse a realizarlo. A la hora de la verdad, el realizar el TFM parece algo abismal, pero una vez tienes clara la temática, que, personalmente, me resulta lo más complicado del proceso, todo lo demás va rodado. Así que mucho ánimo con este final de etapa a todas aquellas personas que se encuentren en ella, que al final no es tan difícil como parece.

Emily Suárez Santiváñez, alumna del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

Emily Suárez Santiváñez, alumna del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

 

Por desgracia, el paro juvenil alcanza actualmente cifras bastante altas. ¿Cómo crees que pueden ayudar las industrias culturales y creativas a mejorar el empleo entre los jóvenes?

Aunque se ha percibido una cierta mejora a causa del empleo estacional propio de la época de verano, es cierto que continúa habiendo unas cifras bastante altas de paro juvenil. Gracias a lo investigado durante la realización del TFM, pude ver cómo las industrias culturales y creativas resultan de los sectores más predispuestos a la hora de emplear a los jóvenes, en comparación con otros sectores de actividad. Asimismo, pude observar cómo existen ciertas necesidades dentro de las ICC, como es la adaptación tecnológica, que aportan nuevas oportunidades para los jóvenes, quienes, con una formación más especializada en el mundo digital, podrían abarcar estos nuevos puestos que van siendo cada vez más requeridos en las empresas culturales y creativas.

En tu CV figura el haber participado en los departamentos de comunicación y marketing de festivales de música como Mad Cool y la productora de eventos musicales en vivo Live Nation España. ¿Qué nos puedes contar de estas experiencias?

Ambas experiencias han sido bastante enriquecedoras. En un primer lugar estuve en Live Nation, mientras me encontraba realizando el grado en Publicidad, lo que me sirvió como primera toma de contacto con las industrias culturales y creativas, más específicamente, dentro de la industria musical. Agradezco mucho el haber tenido esta oportunidad en el departamento de marketing, ya que me permitió ver y descubrir desde dentro lo que es la promoción de artistas y la organización de conciertos y festivales de gran calibre, conociendo también los diversos perfiles profesionales que se requieren y las cuestiones a tener en cuenta. 

La verdad que todo eso fue lo que me motivó a continuar por este camino, y decidir especializarme en las Industrias Culturales y Creativas una vez acabada la carrera. Así terminé en este Máster en Gestión Cultural y, mientras me encontraba realizándolo, se me presentó la oportunidad de colaborar en Mad Cool, a través de las prácticas externas del máster. Esta última experiencia, lamentablemente no pudo ser del todo completa, debido a la llegada del Covid-19, pero el tiempo que estuve ahí me brindó cierta experiencia y conocimientos del entorno que nunca están de más. Esperando que en un futuro no muy lejano pueda poder volver a toparme con la gente tan maravillosa de la que he aprendido y he compartido oficina en algún momento tras estas dos experiencias.

En los últimos años ha habido un boom de festivales de música; ¿qué crees que deben aportar ahora mismo los festivales para seguir atrayendo y sorprendiendo al público?

Partiendo de que la situación a la que nos enfrentamos actualmente ha provocado la reinvención de algunos festivales de música, se podría decir que, en la actualidad, deben poder adaptarse a las nuevas medidas existentes, por mucho que conlleve un cambio en las formas en las que se concebían los festivales musicales. Aun así, en el momento en que la actividad se retome con cierta normalidad y vuelva a verse el despliegue de festivales que se veía a nivel nacional e internacional, entonces deberán producirse nuevas experiencias para atraer a los públicos, ya que existirá una gran oferta para casi la misma demanda. Creo que los festivales de música se deben retroalimentar de otras artes o actividades para hacer de su evento una experiencia mucho más inmersiva y completa para los asistentes, cosa que ya se había comenzado a hacer en algunos festivales a nivel nacional como sucedía en cierta medida con Mad Cool.

Estudiaste Publicidad y RRPP. ¿Cómo crees que se compaginan los conocimientos sobre publicidad “clásica” con aquellos relacionados con la industria cultural? 

Los conocimientos adquiridos en el grado de Publicidad y RRPP me han hecho interiorizar ciertas formas de comunicar con las que no partía de base, conocer cómo hay que transmitir una información para que el mensaje llegue de la forma adecuada al público de nuestro interés. Al fin y al cabo creo que todo necesita de la comunicación, por lo que las industrias culturales no iban a ser menos. Combinar ambos conocimientos me ha facilitado el comprender cómo hay que vender o comunicar cualquier evento, proyecto o empresa cultural, teniendo en cuenta las diversas particularidades que disponen las ICC.

¿Cómo ha sido tu experiencia general durante el Máster?

A nivel general, el Máster ha sido muy ameno, ha sido un año que se me ha pasado muy rápido, las variedad de las asignaturas me permitían conocer mucho más de las industrias culturales pero a la vez resultaban de gran utilidad. Además, el profesorado era muy profesional y contaba con un gran recorrido que sirve de inspiración, ya que cuando te enfrentas a algo relativamente nuevo, a veces no se sabe muy bien por dónde empezar. Igualmente, los compañeros contaban con perfiles muy diferentes, lo que enriquecía aún más la experiencia. No me arrepiento para nada de haber acabado en este Máster y creo que es de gran utilidad para iniciarse en el bonito mundo de las industrias culturales o incluso poder asentar los conocimientos de ciertos profesionales, ver puntos de vista y, por supuesto, aprender.

Ya en una nota cultural más personal: ¿hay algún libro, serie, película o artista que hayas descubierto recientemente y que quieras compartir con nosotros?

Mmmm, pues podría hablar del último libro que he estado leyendo, un ensayo del filósofo Bertrand Russell, llamado La conquista de la felicidad. Se trata de una lectura rápida, que más allá de poder sonar a libro de autoayuda, creo que sirve para dar otro enfoque a ciertos pensamientos que pueden atravesar la cabeza de vez en cuando. Se trataba de un regalo que me hicieron hace años, pero no lo había dejado caer en mis manos hasta hace relativamente poco por casualidades de la vida. Creo que es un libro de fácil lectura que puede servir a cualquier persona en esos momentos en los que es necesario darles perspectiva a ciertos pensamientos.

Muchas gracias a Emily Suárez Santiváñez por haber dedicado parte de su tiempo a hablar con nosotros.


Entrevista realizada por Beatriz Pérez para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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El Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creatias, recibe una valoración global en los indicadores de calidad de 4,8 puntos sobre 5, siendo el mejor valorado de la Universidad Europea Miguel de Cervantes. 

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Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

Inicio: Octubre de 2021

Débora Álvarez Moldes: “Estamos en uno de los mejores momentos de la historia de la literatura gallega”

Débora Álvarez Moldes: “Estamos en uno de los mejores momentos de la historia de la literatura gallega”

Todos los años la Real Academia Galega dedica su Día das Letras Galegas a una figura importante dentro de la cultura de esta comunidad autónoma relacionada con la escritura, la edición y la literatura en general. Débora Álvarez Moldes (O Barco de Valdeorras, 1980) dirige el proyecto cultural As Letras de Florencio, con el que ha conseguido que el próximo 2022, el poeta de la comarca de Valdeorras, Florencio Delgado, sea reconocido y homenajeado en el Día das Letras Galegas (que dura un año) en 2022.

Débora estudió filología gallega, pero su camino se encaminó cada vez más hacia la gestión cultural, hasta que terminó haciendo el Máster, algo que le ha permitido testar su proyecto iniciado en 2016, asegurarse de que iba por buen camino y crear una fundación bajo la cual amparar los objetivos del proyecto con el que ha conseguido que se pongan en valor la comarca y el trabajo de este poeta gallego.

¿Qué te llevó a trabajar como dinamizadora sociocultural?

Las salidas de una filología, la más común es la docencia, y no era una cosa que me gustase. Disfruto con la docencia para adultos o dando clases particulares, pero meterme en la dinámica de un instituto no me atraía. En la carrera empecé a conocer todo el tema de la planificación sociolingüística y los idiomas, hacer programas que dignifiquen una cultura y demás. Todo enlaza al final con la gestión cultural, por un lado la normalización lingüística de la lengua gallega, pero por otro lado, eso va a aparejado con la creación de proyectos culturales.

Tras haber finalizado tus estudios años atrás, ¿por qué decidiste formarte con el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas?

Estuve trabajando en la Facultad de Letras de Vitoria y se me dio la oportunidad de coordinar el grupo de actividades de profesores lectores, hacíamos actividades culturales. Adquirí bastante experiencia laboral. Al trabajar, también, de dinamizadora en la biblioteca de El Barco de Valdeorras, llevaba un poco ese tipo de actividades. Tenía bastante experiencia en el currículum, pero no tenía formación y por eso me decidí a hacer el máster.

¿Cuál era el objetivo de tu TFM al plantear una fundación?

En 2016 puse en marcha, con varios ayuntamientos de la provincia de Orense, un proyecto cultural que intentaba revitalizar la figura de un poeta de la comarca de Valdeorras. La Xunta de Galicia hace un homenaje institucional, Día das Letras Galegas, en el que se dedica un año entero a un poeta o a un escritor por su calidad literaria o por su peso en el mundo intelectual gallego. Nuestra meta era diseñar un programa de actividades que consiguiera el Día das Letras Galegas para Florencio Delgado Gurriarán. Cuando empecé el máster ese proyecto ya estaba funcionando y utilicé varias de las actividades del máster para que alguien profesional validase el proyecto que estábamos haciendo y cuando nos acercamos al tema de las fundaciones vi que realmente era la mejor salida para este proyecto al ser de varios ayuntamientos e instituciones. Eso me llevó a preparar el TFM con Santiago Arroyo sobre la fundación Florencio Delgado Gurriarán.

En un primer momento, ¿cómo te metiste en este proyecto cultural?

Estaba trabajando en la biblioteca como dinamizadora y la persona del departamento de cultura del ayuntamiento que me contrató me propuso presentar un diseño para revitalizar la figura de este poeta. Preparé un proyecto de cinco años de actividades y aquí estamos. Al final en lugar de que hubiera un solo ayuntamiento hay nueve detrás del proyecto y lo más impresionante es que este año ha sido la votación de la Real Academia Gallega y el año que viene será el año de Florencio Delgado Gurriarán. Ahora estamos con el proceso administrativo y espero que a finales de año esté todo en marcha.

Florencio Letras galegas 2022

¿Qué supone que Florencio Delgado haya sido elegido representante de las letras gallegas?

Supone que la Xunta hace una serie de actividades en Galicia, en las ciudades y centros comunicativos, a nivel comunicación y eventos culturales tiene un año entero de respaldo institucional y económico para darle visibilidad. Pondremos en marcha de nuevo su obra en el mercado, se harán actividades en colegios e institutos y habrá actividades como exposiciones al aire libre en las ciudades más grandes de Galicia, como vivió gran parte de su vida en el exilio mexicano será una forma de reconocer la labor de todos los exiliados gallegos en México y nos va a permitir hacer algo de programación en el extranjero. La Real Academia, cuando hizo público el dictamen, además de por su valía literaria, dijo que la decisión se tomaba con base en el importante papel del autor en México. Ahí queremos poner sobre la mesa el trabajo de toda esa gente.

¿Por qué se ha querido reconocer la labor del poeta Gallego Florencio Delgado?

Hay otros poetas en la historia de la literatura de la comarca, por ejemplo, Lauro Olmo, con una obra literaria muy importante en teatro, pero su actividad se desarrolló en castellano. En lengua gallega, quizá Florencio Delgado, es el más representativo de nuestra comarca. Aunque ahora tenemos otros poetas que llegarán mucho más lejos, ojalá. Pero de momento de nuestra historia es el gran poeta de la comarca.

¿Cómo se ha conseguido que se conceda el homenaje del día de las letras gallegas a este poeta?

La Real Academia Galega escoge entre una serie de candidatos. Pueden ser externos a la academia, como nuestra propuesta, que estuvo respaldada por el profesor Don Xesús Alonso Montero, y hay otras en las que los miembros de la Real Academia tienen sus propuestas y se votan.

No sabemos cómo lo hemos conseguido. Hemos tenido suerte. Había un respaldo social importante por parte de los vecinos de la comarca, pero al final creo que esto nos ha tocado, no por tocarnos quiere decir que nuestro homenajeado fuese mejor que otros de los candidatos de este año. Había una candidatura que llevaba a Fiz de Vergara, un poeta de Lugo, otra que llevaba a un editor importante en el mundo cultural gallego, Casares, que era una candidatura conjunta con García Lorca porque tiene unos poemas en gallego. No quiere decir que Florencio Delgado sea mejor o peor. Imagino que en estas decisiones se valoran muchas cosas, pero son cosas que no sabemos.

Cuando acabe este homenaje al poeta en 2022, ¿seguirá la fundación trabajando tan ligada a su figura o diversificará?

La idea es que siga siendo la Fundación Florencio Delgado Gurriarán, seguirá encargándose de poner en valor la figura y obra del poeta, queremos que el trabajo de la fundación vaya mucho más allá del homenaje de las letras gallegas, eso nos va a garantizar que sigamos trabajando durante más años, pero entendemos que para ser efectiva la fundación y poder tener una trayectoria más amplia y eficaz, no solo se centrará en la literatura. Queremos hacer actividades para toda la sociedad, de pequeños a mayores. Estamos en una comarca que realmente tiene varias aldeas en riesgo de despoblación, queremos poner en valor lo rural, nuestro medio ambiente, queremos que el trabajo sea siempre algo enlazado con la tierra y, por supuesto, con este poeta.

A nivel nacional, ¿tiene la fundación el objetivo de actuar también o la idea es centrarse en Galicia?

Nosotros como proyecto ya hemos llevado actividades al País Vasco, como exposiciones o conciertos en Vitoria o San Sebastián. Galicia tiene una red de cátedras dentro de algunas universidades en las que se imparte lengua y literatura gallega. Además, también hay por toda Galicia centros gallegos sociales donde se hacen actividades. Lo que nos gustaría es seguir llevando este tipo de actividades a esos centros y a las universidades. Creo que son actividades que se podrían llevar a cualquier ayuntamiento y dar a conocer la figura de este poeta aunque pertenezca a la cultura gallega.

Débora Álvartez Moldes Máster Gestión Cultural

¿Cómo se plantearía llevar una actividad relacionada con este poeta fuera de Galicia, teniendo en cuenta que Florencio Delgado escribió eminentemente en gallego?

Por un lado, tenemos mucha suerte. El gallego es un idioma hermano del castellano y como tal es muy fácil de entender. Si esta entrevista la estuviéramos haciendo tú hablando castellano y yo gallego, te puedo asegurar que entenderías perfectamente el discurso, aunque no entendieses una palabra. Comprender otro idioma depende más de la voluntad de quien te escucha que de sus conocimientos.

Por otro lado, no descartamos que se use su obra para hacer traducciones. Parte de su obra, de hecho, está relacionada con la traducción de grandes obras de la literatura inglesa y francesa al gallego. Él entendía que todo el conocimiento de otras literaturas debe ofrecérsele al pueblo en su idioma. Creo que estaría orgulloso de que se tradujese su obra para que estuviese al alcance tanto del público español como del público mexicano.

¿Crees que hay en Galicia buenos herederos de Florencio Delgado a día de hoy?

En la actualidad, la poesía gallega está a un nivel impresionante. Tenemos unos representantes de poesía en Galicia que creo que hacía siglos que no teníamos. Los dos últimos Premios Nacionales de Poesía han sido para poetas gallegas, Pilar Pallarés y Olga Novo. Todos los poetas que hoy están publicando en Galicia están recibiendo reconocimiento de toda España, incluso a nivel europeo. Estamos en un momento de producción poética que supone uno de los mejores de la historia de la literatura gallega.

En nuestro proyecto estamos intentando potenciar eso. Tenemos ahora abierto el plazo para un premio de poesía con 3.000 euros. Creo que es un momento muy bueno. Gracias a esto me he relacionado con diferentes poetas de Galicia y después muchas veces los sigues en redes y ves los congresos a los que asisten, las invitaciones que reciben, y te das cuenta de que están todos a un nivel impresionante.

 


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Curso 2021/2022 ¡Plazo de matrícula abierto!

Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

Inicio: Octubre de 2021

Nicole Martín Medina: “Gracias al máster he podido poner cosas en práctica que antes no sabía”

Nicole Martín Medina: “Gracias al máster he podido poner cosas en práctica que antes no sabía”

Nicole Martín Medina se mudó a las Islas Canarias hace 21 años y su viaje acabó dándole la oportunidad de dedicarse profesionalmente a la gestión cultural. La formación de Nicole es apabullante, ya que estudió derecho -no solamente en España- sino también en su país natal, Alemania, en el que también comenzó a desarrollarse como gestora cultural y cantante lírica. Pero no se quedó ahí, su inquietud y curiosidad la llevaron a seguir formándose en MBA, turismo, community management y, por supuesto, gestión cultural.

En el curso 2020/2021, Nicole Martín Medina ha sido alumna del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas de la Universidad Europea Miguel de Cervantes. Hablamos con ella sobre su experiencia profesional en la gestión cultural, en el máster y cómo la vida la ha llevado a desarrollarse en este ámbito. 

¿Qué es lo que te ha llevado a especializarte en diversas áreas como música, idiomas, derecho o gestión cultural y tener ese perfil multidisciplinar?

La vida misma, con las sorpresas que te tiene preparadas. Si miro atrás, a la niña que fui con ocho o diez años, las semillas estaban ahí, pero no lo supe ver. El interés por la música es igual de antiguo en mi caso que mi interés por el derecho, pero por motivos familiares fui empujada al derecho. Se tenía esa concepción de que los músicos, los artistas, son unos ‘muertos de hambre’. No tuve otra elección, pero siempre estuve metida en cosas relacionadas con la música, también he hecho algo de teatro. Participé desde muy pequeña en coros o en grupos vocales. Ya en la edad adulta me acuerdo de momentos en los que la vida quería decirme algo, pero, aparentemente, no lo entendía. Conocí a profesionales de la gestión cultural, ya en Alemania, pero la educación que recibí fue tan cuadrada que no me lo planteé, ni tampoco entendí las señales de la vida. En los años noventa estaba dirigiendo un pequeño grupo vocal, pero jamás se me ocurrió que esto podría ser mi profesión.

Cuando me mudé a España fue un salto importante y me llegó el regalo más grande que las islas me han hecho: la posibilidad de cantar con coros de orquestas profesionales. Tengo mucha formación musical, pero no tengo nada de eso titulado, llevo casi toda mi vida haciendo música, pero formalmente solo tengo dos años de conservatorio y nada más. Cuando llegas a las islas te encuentras con que puedes cantar con una orquesta profesional a pesar de este hecho, porque en las islas no hay coros profesionales, pero los que hay son muy buenos. Todo cambió ahí.

Nicole Martin Medina Geb Klipper, alumna del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

En la foto se ve a Nicole Martín Medina en febrero 2020 en el Parque Doramas en Las Palmas de Gran Canaria. La foto fue realizada por Bernhard Doughty, trombón principal de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria.

En Alemania te dedicabas al derecho, pero hacías cosas de gestión cultural sin tener consciencia de ello.

Sí, pensé que era mi hobbie. Pertenecía a un coro clásico que tocaba con orquestas de Stuttgart y pertenecía a la junta general. Como tengo inquietudes y siendo la representante de los jóvenes (vocal de la junta) dentro del coro empecé organizando eventos. Hoy día he vuelto a contactar con ese coro, pero no me pueden certificar esa actividad por temas formales a pesar de que todos se acuerdan de mí. Empecé ahí realmente como gestora cultural sin darle ese nombre.

¿Es en las Islas Canarias dónde te has desarrollado de forma más consciente como gestora cultural?

El motivo por el que vine a Canarias fue el amor. En los primeros años seguí con lo que había aprendido: lo que me da de comer era el derecho. Al mismo tiempo me matriculé en el Conservatorio, por no tener formación vocal ni musical formal y terminé dos años. No obstante, tenía que ganar dinero, por lo que me centré en el derecho. Empecé a ejercer la abogacía aquí, más tarde la vida me empujó a salir de la abogacía procesal y me trasladó al ámbito empresarial. En la empresa, para la que trabajaba, me dijeron que no solo iba a ser asesora jurídica, sino gerente de una de las sociedades del grupo, algo que en un primer momento no quería. Me pareció de locos, porque fue un sector en el que no tenía ni la más mínima idea (gestión de acciones y temas bursátiles). Pero exactamente ahí está el punto que me da años después la fuerza para decidir saltar a la gestión cultural, el hecho que en esta empresa me habían convertido en gerente, la posibilidad de mostrarme que, en unos meses, con algo de ayuda, fui capaz de gestionar con éxito una empresa en un sector que, al empezar, tenía conocimiento cero. Fue un gran aprendizaje. Tengo que mencionar que todo ese tiempo estuve en el coro la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria también.

Llegó un momento en la vida en el que decidí que quería un cambio. Fue un proceso y tardó un tiempo en materializarse, pero cuando entendí, lo que me estaba pasando, lo primero que pensé fue que tenía que formarme porque no me iban a aceptar en el sector si yo decía que tenía unas habilidades de gestión, pero en otro ámbito distinto al cultural. Empecé de cero y me fueron surgiendo relativamente rápido cosas que gestionar, el Festival Internacional de Música de Canarias, una escuela de música, trabajé en un museo, entre otros. En gestión cultural fui de abajo arriba, comencé con cursos formativos viendo al mismo tiempo la abogacía y mis habilidades de gerente integrada en mi idea de la gestión cultural.

Observo que, en el sector de la gestión cultural, la gran masa de profesionales viene de una disciplina artística, muy variado, y después hacen un máster en gestión. No obstante, a partir de cierto volumen de producción o a partir de una determinada cantidad de empleados, cuando ya no hablamos de un pequeño chiringuito en el que se hacen contratos sino una empresa en toda regla, creo que los conocimientos de una formación artística solo con un máster en gestión se quedan cortos. En el sector privado nadie se cree dominar todas las disciplinas y los profesionales están más orientado a buscar gente especializada, me refiero con la carrera y experiencia correspondiente, cuando no se sabe hacer algo. Los perfiles transversales como el derecho, la administración de empresas y la economía son normales dentro de la estructura empresarial. Y ciertamente, echo de menos a más perfiles trasversales en la gestión cultural, en los puestos de trabajo técnicos.

¿Cuál es tu situación actual?

Hoy combino el tema legal, la gestión económico-financiera, con la gestión cultural, a lo que espero poder dedicarme en exclusiva.

¿Por qué estas centrada en la gestión de orquestas musicales?

Diría que fue otra casualidad de la vida. Acabé en el mundo clásico por el coro que te mencioné en Alemania. Mis orígenes eran, para decir la verdad, folclóricos. Cuando llegué a un pueblo, donde tenía que hacer prácticas de mi carrera de derecho en Alemania, no había coros de música popular o de góspel. Era un pueblo bastante elitista y barroco y lo que había era un Oratorien-Chor. Ahí me enganché en lo clásico, sin saber siquiera lo que era un oratorio. En este coro aprendí que lo mío era el canto lírico, algo que se reafirmó cuando llegué a Canarias donde me catalogaron como soprano lírica. Hice una prueba de acceso al Coro de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y me aceptaron. Hoy en día prefiero cantar un oratorio, un réquiem o algo sinfónico, a una zarzuela u ópera. Y claro, de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria me enamoré, de ahí mi especialización.

¿Crees que las orquestas deberían modernizarse un poco?

Quisiera limitarme al mercado canario. Gracias a las prácticas del máster estuve estudiando y analizando unas 70 orquestas y diferencias entre lo que se hace en España, concretamente en Canarias, y a nivel internacional.

Y sí, hay muchas cuestiones técnicas que no se atiende como es debido en la actualidad. Si, además, la orquesta se financia con dinero público y, por ende, debería crear un impacto en la sociedad, aumenta la responsabilidad de los gestores de aplicar una gestión eficaz y eficiente.

Estas cuestiones a las que no se suele atender son muchas de las que hemos estudiado en el máster, por ejemplo, el tema del análisis de audiencias.

Cuando comencé a hacer cursos en IGECA sobre gestión cultural, uno de los temas por los que empecé era justo el desarrollo de audiencias. Me parece sumamente importante y, hablando de forma genérica, en las orquestas no se le da la importancia que se merece. Además, por regla general el público de orquestas es bastante mayor. Especialmente en el mundo clásico, la mayor parte de jóvenes que aparecen es porque son futuros músicos y este hecho, creo, es insostenible, si no empezamos a trabajar. El desarrollo de audiencias puede aportar mucho en este aspecto.

En la Orquesta Sinfónica de Las Palmas, en la que hice las prácticas de mi máster y sobre la que escribí mi TFM, sí están trabajando sobre líneas un poco más modernizadas, al menos artísticamente hablado. No quieren ser una orquesta filarmónica clásica al uso, sino que combinan en su programación lo clásico con lo más moderno. Pueden perfectamente representar una gala lírica de zarzuela o una sinfonía, pero también ofrecen programas como el ‘México sinfónico’, que es música tradicional mexicana, pero en formato sinfónico. Ofrecen un gran abanico de variedad en su programación.

En la foto se ve el Coro de la Orquesta Sinfónica de Las Palmas y, como reflejo en el ventanal, la orquesta (en su concierto VIII. Popular Año Nuevo en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria). La foto fue realizada por Nacho González Oramas, fotógrafo oficial del Auditorio Alfredo Kraus. Se puede ubicar Nicole Martín Medina con un fular amarillo, en la segunda fila, justo en el centro del coro.

Hablando ya de tu experiencia en IGECA, ¿qué es lo que te llevó a dar el paso de hacer el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales?

En principio yo no quería hacer un máster en gestión cultural porque pensé que no me aportaría nada nuevo teniendo ya dos másteres y una gran experiencia en gestión empresarial. Por eso opté por los cursos de IGECA. Hace tres o cuatro años, para ser sincera, no había oferta de calidad en formación en gestión cultural. Por ello miré los cursos y me gustaron. El material de los tres cursos que hice es fantástico.

Suelo, además, participar en concursos relacionados con la gestión musical para intentar trabajar de ello a tiempo completo en algún momento. En las bases de muchos de esos concursos es necesario tener un máster oficial español (requisitos que mis otros dos másteres no siempre cumplían, por extranjero o no oficial). Y me acabé decidiendo por este concreto por el formato. Vi que el máster está bastante modernizado, ya que hay asignaturas de mecenazgo, de marketing digital, desarrollo de audiencias e internacionalización que son las que más me aportaron.

¿Qué opinión te merecen las asignaturas? ¿Crees que dan una visión completa para saber cómo moverse en el ámbito de la gestión cultural?

Creo que sí. Para ser exacta, dan una buena visión global, pero es algo que pienso en general de los másteres. Aun así, si se quiere dirigir una empresa con un volumen alto de capital y empleados, yo no me atrevería sin tener una formación profunda a través de una licenciatura y la correspondiente experiencia profesional. Lo que el máster te da, honestamente, es la capacidad de saber hablar con los expertos, ver hasta donde llegar solo, y aprender a delegar y consultar con gente especializada en las cosas en las que no eres experto. Y eso, sin que sean estos expertos externos los que dominen tu negocio por tu no disponer de la más mínimo de información. El máster te da el lenguaje para poder moverte con soltura. Algo que me gustó mucho fueron las clases magistrales, creo que aportan mucho y te enseña cómo funciona la gestión a nivel práctico. También me ha dado muchas ideas este año posterior al estudio.

¿Cómo ha sido para ti compaginar el máster con tu actividad profesional?

En un inicio estuve un poco asustada, pero resultó superfácil. Casi todas las clases las vi en diferido dado que no podía verlas en el horario en directo. Tenía dudas si ver las clases en diferido podría funcionar, me refiero sin poder intervenir con preguntas etc. pero sí funcionan. Se complementan, además, con los apuntes y temarios que creo que están muy bien redactados.

Algo que me preocupaba mucho al principio eran los trabajos grupales, que quizá es una de las cosas más complejas si hay personas de Sudamérica, de Alemania, de España que tienen que colaborar teniendo un horario local diferente. Al final lo llevamos bien porque los plazos de entrega de los trabajos fueron razonables y si, debido a la situación (pandémica), algo no funcionaba, nos ampliaron los plazos y nos pusimos a organizarnos con los compañeros.

¿Qué piensas del formato totalmente online del máster?

En mi caso no es el primer máster que hago online o a distancia. Estoy bastante familiarizada con esto. Lo que me pareció más futurista fue la plataforma que se usa para monitorizar los exámenes y que recoge todas las acciones que se hacen en el ordenador para evitar que la gente copie. La primera vez fue muy curiosa, pero una vez que te acostumbras es todo muy fluido.

¿Cómo ha sido el trato con el profesorado?

El equipo docente ha sido muy variado y he sacado unos cuantos highlights de ellos. Creo que el máster vive y muere con el Coordinador Académico, Santiago Arroyo, es el alma del máster y siempre está dispuesto a ayudar, mucho más allá de su materia o competencias.

¿Cómo ha sido tu experiencia general durante el máster?

Estoy muy agradecida y contenta de haberlo hecho. Muchas cosas fueron más para actualizarme que otra cosa. Pero me ha hecho seguir pensando en mis próximos pasos, me ha inspirado, que espero que me lleven a más cosas. He podido poner cosas en práctica que antes del máster no podía.


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Curso 2021/2022 ¡Plazo de matrícula abierto!

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Inicio: Octubre de 2021

Sesión informativa en directo el 30 de agosto. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo el 30 de agosto. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo con el Coordinador Académico del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

El plazo de matrícula para el curso 2021-2022, está abierto. Para la resolución de cualquier duda sobre el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, se desarrollará sesión en directo mediante videoconferencia, donde se explicará la metodología y el modelo de educación online, procedimientos de evaluación, prácticas, etc.

La inscripción es libre y gratuita. Cualquier persona interesada en el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas puede inscribirse y participar de esta sesión informativa en directo, simplemente cumplimentando el formulario de inscripción que se encuentra en esta misma página. Si te interesa, no dudes en inscribirte, podrás resolver todas las dudas sobre el Máster.

 
La sesión se desarrollará el lunes 30 de agosto de 2021 a las 19:00 horas.
Horario peninsular de España (Madrid).
Sesión Informativa Máster Gestión Cultural

Sesión informativa

30 de agosto  19:00 horas

Inscríbete cumplimentando este formulario

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Curso 2021/2022 ¡Plazo de matrícula abierto!

Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

Inicio: Octubre de 2021

El Festival de Granada finaliza su 70º edición con gran éxito

El Festival de Granada finaliza su 70º edición con gran éxito

¿Celebrar un festival en plena crisis por la pandemia del Covid-19? Podría parecer una mala idea arriesgarse a congregar a un gran número de personas para la celebración de un evento cultural en estos momentos; sin embargo, estamos siendo testigos de muchos ejemplos de festivales llevados a cabo con éxito y seguridad a pesar de las excepcionales (y extrañas) circunstancias a las que nos enfrentamos como sociedad.

Este es el caso del Festival de Música y Danza de Granada, un festival con amplia trayectoria que este año celebró su 70º aniversario con el mejor de los regalos: una cálida acogida por parte de un público que deseaba volver a disfrutar del arte y la cultura después de un año de restricciones.

Una de las alumnas del Máster, María del Carmen Donaire, ha realizado sus prácticas externas en el festival de este año, por lo que ha tenido la oportunidad de adquirir conocimientos y experiencia sobre la gestión de eventos culturales en uno de los festivales más veteranos de España.

Festival de Música y Danza de Granada

Datos de participación del Festival de Granada

El 70º Festival de Música y Danza de Granada ha alcanzado una tasa de ocupación del 94.37% del total del aforo disponible, reducido este año a 22.634 butacas, de las que se han ocupado 22.305. Se han celebrado 46 espectáculos, veintisiete de ellos con un 100% de ocupación; 5 por encima del 90% y otros por encima del 80%. El total ingresado por taquilla ha sido de 652.620 euros. La asistencia a los conciertos gratuitos del Festival ha sido de 1.980 personas (4 conciertos matinales, 4 de órgano y 6 conciertos del Crumb-Lorca Project).

Espectáculos y formación

El festival es conocido también por romper el formato clásico de ofrecer únicamente espectáculos para abrirse paso también en el terreno de la formación musical y artística con el programa de cursos Manuel de Falla (FEX), en el que participa la Fundación Iberoamericana de las Industrias Culturales y Creativas ofreciendo varias becas para diferentes cursos y masterclasses.

En total, se han celebrado 13 actividades en la 51 edición de los Cursos Manuel de Falla: dos talleres, 3 clases magistrales, 7 cursos, y la Academia Barroca que lidera Aarón Zapico, una edición más con grandes resultados: la celebración de la ópera The Fairy Queen (dos funciones), y dos conciertos dentro del FEX. El total de alumnos matriculados ha sido de 140.

Por otro lado, se han celebrado tres interesantes exposiciones: 70 años Festival Internacional de Música y Danza de Granada, un mosaico de lenguajes, organizada por el Festival de Granada, en colaboración con el Legado Andalusí y el Patronato de la Alhambra y Generalife; Una mirada al Festival, del Taller de Fotografía de los Cursos Manuel de Falla 2020, y la Exposición Gaudeamus Igitur. La Universidad de Granada y la música, en colaboración con la Universidad.

Festival de Música y Danza de Granada

Retransmisiones en directo

El Festival de Granada no ha descuidado la difusión en directo de sus conciertos, una opción que se antoja más que relevante en una época en la que las restricciones sanitarias han popularizado las distintas opciones de retransmisión en directo de eventos, como el streaming.

Según recoge el informe de prensa, Radio Clásica-RNE ha realizado 20 grabaciones durante el festival: 11 conciertos se han emitido en directo y 9 en diferido. 11 de ellos han sido emitidos además a través del satélite de la Unión Europea de Radiodifusión (UER), a los siguientes países: Alemania (ARD, BR), Bélgica, Dinamarca, Francia, Grecia, Italia, Islandia, Letonia, Países bajos, Polonia, Portugal, República Serbia, Suecia y Suiza.

Festival de Música y Danza de Granada

Balance de la edición 2021 del Festival de Granada

El director del festival, Antonio Moral, resumía así el balance de la edición de 2021 en la newsletter: “ha sido un año marcado por la pandemia de Covid-19, que obligó a adaptar la celebración del festival a las medidas sanitarias y supuso una seria dificultad para la organización previa. El día antes del inicio del festival –el 17 de junio– el cambio en el nivel de alerta en el distrito sanitario de Granada conllevó un relajamiento de las medidas sanitarias y propició que se aumentara el aforo en los espectáculos. En el inicio de la campaña de venta de entradas se ofertaron 21.002 localidades, que representaron el 50% del aforo de cada espectáculo. El 16 de junio se permitió incrementar ese porcentaje al 60%”.

En un contexto en el que las condiciones exigidas para celebrar eventos culturales cambian constantemente dependiendo de la situación sanitaria, resulta más complicado de lo habitual el poder organizar un festival con toda la complejidad que ello conlleva. Sin embargo, y tal y como hemos podido comprobar con el Festival de Granada, es posible.

Más información en la sección de noticias del festival: https://granadafestival.org/noticias


Fotografías cedidas por el Festival de Granada.

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Inicio: Octubre de 2021

Elena Rosillo: “La gente sí confía en la cultura, sí quiere ir a conciertos y es capaz de comportarse de manera responsable”

Elena Rosillo: “La gente sí confía en la cultura, sí quiere ir a conciertos y es capaz de comportarse de manera responsable”

Elena Rosillo es una profesional que ha desarrollado su carrera en tres vertientes diferentes, pero todas relacionadas con la música: periodista, docente e investigadora. Ha trabajado en radio con un programa propio llamado The Rosillo’s Rover Radio Show y ha colaborado con medios como SON Estrella Galicia, Ruta66, Port Magazine, Jenesaispop, La Marea y El País.

Como docente ha impartido clase en el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas y forma parte del claustro de la Universidad Europea. También es programadora de conciertos en salas, concretamente lo ha sido en el Café La Palma y, actualmente, desde julio de 2020 en la Sala Vesta, en el centro de Madrid, que ha tenido que sortear todas las trabas impuestas por la pandemia de la Covid-19. 

¿Por qué decidiste especializarte en música?.

Siempre me gustó la música, pero nunca me había especializado en ello. Empecé trabajando en un banco, en el área de comunicación. A los 22 años tenía la sensación de que estaba encerrada y me preguntaba: “¿Es esto la vida? ¿Levantarme para ir a una oficina, ganar poco, comerme tres horas de transporte público y ya está?”

En esa época le diagnosticaron cáncer a mi madre y a los nueve meses murió. Eso fue el desencadenante para darme cuenta de que yo no quería hacer eso y en cambio quería hacer algo que me gustara, me llenara y me hiciera sentir viva. Durante esos meses de duelo lo único que me consolaba era ir a conciertos pequeños en salas, algo que no había hecho habitualmente. Empecé a meterme cada vez más en el mundo de los conciertos hasta que me hice un blog, me lo abrí de la nada, porque no tenía experiencia en periodismo cultural. El blog tuvo, por suerte, bastante buena acogida y me llevó a tener un programa de radio, a raíz del cual me cogieron en otra emisora y fue una época bastante bonita. Ahí fue cuando comencé a especializarme en música.

Más adelante di el salto a programar una sala de conciertos, cuando ya tenía unos 27 años, y me quedé ahí. Estoy muy contenta porque, si lo pienso, es lo que quería hacer. No lo habría articulado de esta forma, pero es lo que quería hacer.

Elena Rosillo

¿Cómo combinas tus facetas como investigadora, periodista y gestora cultural?.

Para mí son lenguajes distintos. Hay gente que habla inglés, francés y japonés y yo hablo lenguaje académico, divulgativo y especializado, por así decirlo, pero al fin y al cabo es lo mismo. Es escribir sobre una escena muy concreta que es la música underground, sobre todo en Madrid, y para mí todo parte de lo mismo, que es la investigación.

Cuando cierro un bolo en la sala tengo que hacer un trabajo de investigación para ver quién es el artista o grupo, si va a poder llenar la sala, si concuerda con la personalidad de la Sala Vesta. Todo parte de un trabajo de investigación. Es verdad que en el ámbito académico el público que va a leer esa investigación es distinto, pero no del todo, porque al final los académicos también son personas y si les gusta la música se van a leer el Ruta 66 o una recomendación de música que pueda escribir en La Marea. Para mí todo tiene que ver con lo mismo.

La gente me dice que debería especializarme, pero me parece que ya no puedo estar más especializada. Al final yo escribo sobre música underground en Madrid. En mi sala, Vesta, programamos casi todo mujeres porque somos un equipo formado en un 99% por mujeres y queremos que eso se refleje en la programación. No es imposible, pero es muy difícil llegar a ese 90% de artistas femeninas, porque es complicado hacer una programación de miércoles a domingo solo con mujeres y tener la sala llena, pero también estoy muy especializada en eso. Me parece que todo parte del área de la investigación y la divulgación.

¿Cuándo abrió la sala de conciertos Vesta?. ¿Cómo valoras este año pandémico en la gestión de la sala?.

La sala abrió en julio de 2020, justo hace un año. Ha sido muy agridulce. Yo estoy muy contenta porque una de las cosas que más me perturbó durante el confinamiento era ver cómo el ocio nocturno era demonizado, cómo se decía que la cultura no era segura, que no se podían abrir las salas de conciertos porque iba a ocurrir lo peor. Incluso ahora se está empezando a demonizar a los jóvenes por hacer lo propio que hacen los jóvenes después de un año sin poder ver a sus amigos y demás. Esto era algo que me frustraba y me ponía muy nerviosa. Una de las cosas que he descubierto de este año de programación es que la gente sí confía en la cultura, sí quiere ir a conciertos y es capaz de comportarse de manera responsable en un evento cultural y musical, que era algo de lo que se dudaba. Pues sí, te puedes tomar una caña y no liarla parda y, además, ver un concierto y no contagiar a nadie. De hecho, ahora, en festivales como Cruïlla se está haciendo el experimento de hacer pruebas de antígenos a la entrada para que la gente esté con mascarilla, pero sin distancia de seguridad y eso me parece un avance. El virus se va a quedar entre nosotros y espero que sea algo que se pueda traducir a las salas de conciertos si esto no mejora mucho o a corto / medio plazo.

En ese sentido me siento muy satisfecha de ver que existe una respuesta pública al trabajo que hacemos en la sala y a la vez es muy triste tener que ver conciertos con las restricciones tan surrealistas que nos imponen. No me cabe en la cabeza que yo para ir a mi sala tenga que meterme en un vagón de metro sin distancia de seguridad, con gente hacinada en un espacio sin ventilación y eso sea correcto y no se persiga, pero en mi sala, como hay música en directo, no puedo estar cerca de gente que conozco y que son mi núcleo de convivencia, los amigos que veo a diario, y se me trate como fuera a liarla en cualquier momento. Esta incongruencia me pone muy triste y, aparte, es muy jodido realizar conciertos de esta manera, para los artistas también, no es lo mismo subirse a un escenario viendo a la gente con mascarilla, sentada y sin poder moverse. Creo que se echan mucho de menos los conciertos de antes.

¿Dentro de la sala que restricciones hay?.

Deben llevar mascarilla y debe haber un metro y medio de distancia entre grupo y grupo, entre unidad de convivencia y unidad de convivencia, por así decirlo.

Nosotros vendemos lotes de entradas, reservados, una mesa de cuatro, una mesa de dos, una mesa de tres, para quien vaya con sus amigos, su familia o su pareja, que puedan sentarse juntos, pero que tengan que estar a un metro y medio de distancia del resto.

Mi sala normalmente tendría un aforo de 120 personas y estamos programando con 46, menos de la mitad. El rédito económico que pueda tener un evento no es ni remotamente el mismo que podría tener si tuviéramos el aforo completo. Para programar conciertos lo que más importa es el aforo, cuántas entradas puedes vender, si nos limitan de esta forma, no es solo que el grupo no vaya a tener todo el beneficio que podría sacar, sino que nosotros con la barra, que es realmente lo que le da el rédito económico al local, estamos haciendo menos de la mitad.

¿Cómo ha ido el año para la sala, a pesar de esto que me cuentas, en cuanto a la acogida del barrio en el que está?.

Estoy bastante contenta porque hay movimiento y gente que no conocía la sala ahora la conoce. Hemos tenido unas limitaciones bastante terribles porque nos hemos tenido que bajar el sueldo, prescindir de personal, de muchos servicios que queríamos dar el primer año de vida para poder nacer a bombo y platillo.

Aun así, con todo, el boca-oído dentro de la propia ciudad, y haber sabido programar cosas que a la gente le gustan, ha hecho que crezca, que estemos recibiendo propuestas de grupos que se quieren dar a conocer, que haya venido gente motu proprio a verla… creo que nos podemos dar con un canto en los dientes y sentirnos orgullosas de que en nuestro primer año de vida hayamos conseguido una posición dentro de Madrid, con toda la oferta musical y cultural que tiene, y además tengamos la sala llena.

Me parece un éxito, pero a nivel económico solo hemos llegado a cubrir gastos, que ya es una victoria, pero evidentemente un negocio no se puede mantener quedándose a cero, dependemos totalmente de lo que ocurra en los próximos meses, de que sigan llegando subvenciones y patrocinios porque de eso es de lo que estamos viviendo.

¿Cuáles son los pasos que se siguen a la hora de organizar un evento musical?.

Elena RosilloPuede iniciarse el proceso por dos cauces. Uno es que yo encuentre por redes, o me hablen de un grupo, o me encuentro con una música en la radio que me gusta y contacto. El otro es que un grupo que quiere tocar en la sala y dar su primer concierto contacte por redes sociales o por el correo de la sala, y pregunte mandando un correo bien redactado, con un dosier adjunto para que yo tenga más fácil la investigación y pueda ver si encaja con la propuesta de la sala o no. Por ejemplo, miro el perfil de un grupo en redes sociales y veo que con base en el número de seguidores que tienen quizá se pueda llenar la sala y sea conveniente, también es importante el estilo de música, que suele ser indie-pop o indie-rock, además si toca una mujer con letras de índole feminista encaja perfectamente.

Lo siguiente es hablar con el grupo o artista, comentarle las condiciones y adecuarlas al proyecto, esto último porque igual le viene mejor una cosa que otra, mandarle el rider para que vea si lo que tenemos en la sala le puede interesar. Una vez concretada la fecha entra en juego el técnico de sonido, que es el que va a llamar al artista para ver qué necesita, cuánto tiempo necesita de prueba de sonido, entre otras cosas, eso sería la preproducción. En la producción ya estaría el grupo con la prueba de sonido, la encargada de sala, la taquillera, estoy yo o a veces no, y esta el técnico de sonido. Eso es solo para un evento, nosotros hacemos cuatro a la semana. Lo que parece fácil y sencillo cuando lo cuentas así cuando se multiplica por cuatro es más complicado.

Lo último es ya la venta de entradas y promoción, que es algo que recae más en los artistas. La sala ayuda a la promoción, pero no es lo mismo publicitar un concierto que cuatro a la semana, que son veinte al mes. Al final el propio músico tiene que aprender a mover las redes, su público, generar expectación por el evento y llenar la sala. Tocar en una sala no deja de ser un paso más en el desarrollo de la carrera musical de un proyecto. Te tienes que enfrentar a ir a riesgo y tienes que enfrentarte a que recae sobre ti la responsabilidad de llenar la sala, a menos que sean salas con público propio, pero eso suele ocurrir cuando el público va a escuchar o ver determinado género. Por ejemplo, en el Café Comercial hay público propio, pero le da igual quién esté tocando porque ellos van a escuchar jazz. Si quieres generar un público propio que venga a verte a ti te tienes que enfrentar a llenar tú la sala.

¿Cómo ves, en general, el futuro de la gestión cultural?.

Tengo una sección de opinión en El País que la escribo desde el futuro. Escribo desde el futuro sobre el pasado para crear un poco de distancia. Lo que creo es que ya no podemos salir del sistema, nos ha engullido y hay una frase que se repite mucho y que dice que es más fácil pensar en el fin del mundo que en el fin del sistema capitalista, eso es verdad. La única forma de salir del sistema es jaqueándolo desde dentro, algo que las redes sociales hacen y no hacen a la vez, porque son una herramienta del sistema, al tiempo que se pueden encontrar muchas disidencias. Al final la cultura underground se define por ser el caldo de cultivo de lo que estará de moda mañana. El mainstream fagocita las tendencias que surgen en este caldo primigenio. Si el underground deja de serlo porque no hay posibilidad de desviación, se convierte en una burbuja aparte de la que es poco probable salir y a la vez el mainstream se convierte en una burbuja independiente en la que es imposible entrar, salvo excepciones.

Veo que la combinación de las redes sociales, que son buenas y malas a la vez, son las redes de Schrödinger, y la gestión cultural que se ha dado a raíz del coronavirus, ha hecho que se esté creando un mainstream en el que es imposible entrar y en el que las discográficas tienen mucho peso. Se crean productos culturales totalmente artificiales para consumo generalista y luego está el underground haciendo sus cosas que cada vez son más constreñidas. Y que esas dos burbujas estén totalmente separadas me parece un riesgo a largo plazo. Si vas a una sala es porque tienes un proyecto a largo plazo de querer entrar, aunque sea marginalmente en el mainstream, que te escuche la máxima gente posible. Si no quieres que te escuche nadie realmente se acaba con una industria, se acaba con el underground. Si no hay puerta de entrada a la industria mainstream, la única puerta de entrada va a ser Operación Triunfo y similares, totalmente constreñido al sistema y lo que este quiere de ti.

Es peligroso que la disidencia se convierta en un disfraz. La música es un arma poderosa porque es trasversal a toda nuestra historia, naces con música, creces con música y te mueres con música. Cuando una da a luz se le recomienda escuchar música relajante y cuando uno se muere se pone su canción favorita y partiendo de ahí… te enamoras con música, la música te enseña cómo enamorarte, la música va a ser la canción que compartes con tu pareja, etc. Es imposible huir de la música y el hecho de saber lo que estamos escuchando es muy importante.

¿Cómo ha sido tu experiencia como docente en este máster en gestión cultural?.

Estas han sido de mis primeras experiencias docentes porque yo me saqué la tesis hace relativamente poco y, como buscaba profesionalizarme en el sector más que hacer carrera en la universidad, me ha costado un poco más empezar a dar clase. Dentro del máster me ha hecho mucha ilusión ver que los estudiantes ya venían muy preparados de antes. Yo hago algo muy específico que es cultura de salas, cultura underground, cómo programar una sala, gestión de grupos emergentes. Me parece muy importante aprender desde el principio cómo funciona todo, al ser algo minoritario, me esperaba que hubiera mucho más desconocimiento del sector que el que luego vi.

Pensaba que al ser online sería todo mucho más encorsetado, los típicos estereotipos que tenemos con la formación online, que pensamos que es poco personal y no se puede participar, pero esto es mentira. Dependiendo de a los grupos a los que das clase te das cuenta de que cambia todo el discurso. En mi caso, al ser una masterclass, quería que fuera cercana y que se resolvieran dudas de los alumnos, llevar la clase por donde más les interesa a ellos. En general, me da la sensación de que los chavales tenían mucho conocimiento de lo que es la cultura underground, lo que significa y lo importante que es saber gestionar algo desde la base. Me parece que es gente que tiene mucha curiosidad, que ha estado muy atenta, y que las clases han sido muy enriquecedoras incluso para mí porque me he llevado hasta nombres de grupos que no conocía.


Artículo redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Profundizamos en la plataforma de contenido audiovisual en streaming Filmin, para desgranar qué innovaciones ha introducido en el mercado y por qué su modelo de negocio funciona a pesar de la gran competencia que existe en este sector.

Introducción: qué es Filmin

Filmin es una plataforma de contenido audiovisual en streaming. A diferencia de otras empresas similares como HBO, Netflix o Amazon Prime, Filmin es una organización española. Pero no solo eso, sino que fue la primera compañía en ofrecer un servicio de tarifa plana en España.

Comenzó a operar en el año 2008 en nuestro país y en 2016 se extendió a Portugal. Desde hace poco está disponible en México a través de FilminLatino.

En su propia presentación del proyecto, Filmin habla de las empresas accionistas de la plataforma, destacando que son instituciones que apuestan por la calidad, el riesgo y la innovación. Entre ellas sobresalen: El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo o Avalon Distribución, entre otras.

Plataforma pionera en innovaciones

La primera innovación clara de este proyecto audiovisual es el propio proyecto, la propia plataforma, pues en 2008 no existían servicios similares en España, o no al menos, con la propuesta que ponía sobre la mesa Filmin.

Esto es porque su segunda innovación tiene que ver con su catálogo. Desde 2015 las plataformas de streaming internacionales (o más bien estadounidenses) comenzaron a desembarcar en España, empezando por Netflix en ese año y acabando por Disney + en 2020.

El catálogo de estas empresas suele ser muy extenso y lleno de grandes nombres, de blockbuster, de estrenos de última hora, etc. Filmin es la única que se desmarca un poco aquí, ya que su catálogo está compuesto especialmente de clásicos y de cine español (aunque en este apartado tiene como principal competidora a FlixOlé).

En su web, Filmin aclara a quién va dirigido, destacando ese punto diferenciador que se ha comentado: “a los que buscan un complemento a la actualidad, los mejores clásicos, documentales y los grandes estrenos”.

Como ejemplo, por mucho que se rebusque, es complicado (si no imposible) encontrar una película del cineasta francés Éric Rohmer en Netflix, HBO o Amazon Prime. En Filmin hay 16 de sus películas dispuestas en un ciclo especial y que se complementan con otras recopilaciones de filmes que se inspiran en el cine rohmeriano.

Esta es la principal baza de Filmin, los usuarios ven el cine también como arte y no solo como entretenimiento y eso hace que su catálogo sea diferenciador con respecto a los demás. Pero no es solo esto lo que desmarca a Filmin del resto.

Según cuentan en su web, en la plataforma hay unos 10.000 títulos disponibles. Ahora bien, en las competidoras se paga una suma de dinero mensual y puedes acceder a todo el catálogo que haya disponible en tu país. No obstante, en Filmin se paga también una pequeña cantidad al mes, pero no se tiene acceso a todo el catálogo.

La plataforma deja que el usuario vea la mayoría de las películas, pero hay algunas, quizá estrenos recientes, películas de los Oscar, premiadas o que van a estar disponibles por tiempo limitado, a las que no se puede acceder con una suscripción normal (la más barata). Para ver estas habrá que tener una suscripción más cara que las incluya o pagarlas aparte. Es decir, al final también funciona como un videoclub online en el que tú compras una película y puedes verla durante las 72 horas siguientes.

Por tanto, si tienes una suscripción normal, podrás alquilar la película o comprar packs de vales para ir usándolos con las películas más premium. Por otro lado, las series sí son de libre acceso para todos los suscritos y, aunque no estés suscrito a Filmin, en el caso del cine, podrás hacer una cuenta en la plataforma y alquilar una película sin necesidad de comprometerte para pagar una vez al mes por el servicio.

Recursos esenciales con los que cuenta FILMIN

Los recursos más valiosos con los que cuenta Filmin son, en esencia, su catálogo. En un sistema de producción que ahora mismo está muy saturado, como es el contenido audiovisual, la plataforma ha sabido diferenciarse a través de su catálogo.

Este, como ya se ha mencionado, incluye unos 10.000 títulos que probablemente no se encuentren en ninguna otra plataforma de streaming. Filmin estrena películas y series de hace años como novedades, no está sujeta a la actualidad, como sí lo están el resto de sus competidores.

De hecho, anunciaron en 2020 que iban a empezar a producir su propio contenido, como hacen Netflix o HBO. La cosa está en que lo van a hacer 14 años después de haberse lanzado al mercado, cuando su modelo de negocio ya está muy consolidado y, además, funciona.

Por tanto, su recurso de más valor, y lo que hace que la gente se suscriba a Filmin, es que no se van a encontrar ciertos contenidos en otras plataformas. El mencionado ciclo de Éric Rohmer viene a ilustrar esto muy bien. Se puede hablar de su colección de películas de Rohmer, las de Truffaut o las de Fassbinder, sea como sea, estos filmes no van a estar en Netflix, porque el target de esta plataforma no los consumiría.

Filmin es un caso muy parecido a Jot Down en el ámbito del periodismo y la comunicación. Ambas empresas han sabido crear un nicho de mercado sólido, apoyándose mucho en las redes sociales, y fidelizar al espectador/lector dándole un contenido que no se puede encontrar en otro sitio y tratándole de tú a tú mediante la comunicación que se establece en las redes sociales.

Este sería el segundo recurso más importante de Filmin: fidelizar a la audiencia mediante la comunicación e interacción que se establece con ella en las redes sociales.

Si Filmin dejase de existir mañana, su contenido no se podría encontrar en ninguna otra plataforma similar a esta (quizá alguna película sí, por supuesto, pero solo un porcentaje muy pequeño de su catálogo) y ahí está su fortaleza.

También se hace necesario destacar algún aspecto negativo. En este sentido, volviendo a recalcar la saturación de este mercado, hay que decir que algo que se vuelve esencial en ese contexto es que la plataforma funcione bien a nivel técnico, especialmente el reproductor.

Aquí Netflix gana a cualquier servicio de streaming. Su reproductor es que el mejor funciona desde el minuto uno. Supera a Disney +, Amazon Prime, HBO y Filmin. Esto, que pudiera parecer una nadería, no lo es, ya que puede ser determinante a la hora de que el consumidor escoja dónde ver según qué contenido. El qué pasa a un segundo plano para dar fuerza al cómo.

La paciencia brilla por su ausencia ahora que la sociedad se ha acostumbrado a la velocidad de internet. Todo se ha acelerado. Por ello, si un espectador impaciente quiere ver algo, sin dar mucha importancia a qué porque solo busca entretenerse, seguramente al primer sitio que vaya sea a Netflix, porque es mucho más fácil navegar por su catálogo, es muy fluido. En cambio, en Filmin esto es un punto flaco, aunque es cierto que en los últimos años han mejorado mucho su reproductor y catálogo.


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Los agentes culturales como garantes de la cultura

Los agentes culturales como garantes de la cultura

El papel de los agentes culturales está estrechamente relacionado con las políticas culturales. Estas últimas se hacen para mejorar el acceso a la cultura de la población, como base para remodelar ciudades, como necesidad para mejorar la educación, entre otras cosas.

En este sentido, el agente cultural puede intervenir en las políticas culturales y tener un papel diferente dependiendo del momento social, político o económico. Son intermediarios entre los ciudadanos y las políticas culturales (públicas o privadas). Se puede decir que los agentes culturales tienen un pie en temas de gobierno y legislación y el otro en la ciudadanía. Su tarea es detectar necesidades culturales en el territorio que sea su objeto de trabajo o mejora e implementarlas a partir de las políticas públicas.

Una sociedad que tenga un tejido potente de estos intermediarios contará con:

  • Un mapa de agentes repartidos por el territorio y a diferentes niveles (pueblo, ciudad, barrio, país).
  • Grado de consolidación según su nivel de tradición, historia o trayectoria, entre otros.
  • Capacidad crítica e intelectual, además de competencia para dar respuesta a las necesidades del entorno.
  • Capacidad de relación con los órganos de decisión.

Funciones de los agentes culturales

Algunas de las funciones o finalidades que los agentes culturales pueden cumplir son:

  • Analizar e interpretar la realidad social, dando respuesta a problemas o necesidades y organizando servicios para alcanzar sus objetivos.
  • Posibilitar y canalizar la participación e inclusión de grupos e individuos en su comunidad.
  • Aglutinar y crear estados de opinión sobre temas que preocupan con el fin de que se tenga en cuenta un tema determinado.
  • Ayudar a estructurar y construir demandas sociales, culturales o educativas, individuales o grupales, para trasladarlas a las organizaciones estatales y que estas puedan actuar en consecuencia.
  • Fomentar la autoorganización de servicios y asunción de responsabilidades públicas.
  • Ejercer una función prospectiva, descubriendo y evidenciando nuevas necesidades o problemas sociales.
  • Organizar plataformas con iniciativas privadas y mercantiles.
  • Dinamizar y garantizar el derecho de la ciudadanía a participar en la vida cultural.

Tipos de agentes culturales

En general, se puede decir que existen tres grandes grupos de agentes culturales.

Por un lado, están los de la administración pública, que se fundamenta en el interés. En estos podemos encontrar agentes como el propio Estado o Gobierno central, las comunidades autónomas, las diputaciones, comarcas o ayuntamientos.

Por otro lado, está el tercer sector o las organizaciones sin ánimo de lucro que, a su vez, se subdividen en fundaciones, asociaciones, organizaciones no gubernamentales, organizaciones comunitarias u otras agrupaciones.

Por último, están las organizaciones privadas, que normalmente persiguen su interés económico, pero que también tienen una filosofía propia. Entre estas destacan las empresas, profesionales autónomos, industrias, artistas o servicios variados.

A pesar de que estos podrían ser los agentes culturales ‘clásicos’, por llamarlos de algún modo, en los últimos tiempos han surgido más tipos diversos debidos a las nuevas necesidades sociales y culturales planteadas, especialmente, en barrios de las grandes ciudades. Como características comunes estos nuevos agentes comparten:

  • No se identifican como agentes culturales.
  • Muchos están fuera de la acción de las políticas culturales tradicionales.
  • No existe mucha relación con los anterior tipos de agentes culturales.
  • Algunos no reconocen la legitimidad del poder local por ser este motivo de conflicto en la comunidad.
  • Realizan sus actividades fuera del circuito clásico.
  • Intervienen en momentos muy determinados.
  • Al dominar más de una disciplina, interactúan entre diversos agentes.
  • No disponen de la estructura formal y legal.

Los agentes culturales deben interrelacionarse y suelen crear un tejido social con redes de gran potencial para una sociedad o territorio concretos, pero también deben hacer frente a algunas dificultades que es preciso enumerar para tener en cuenta. Entre estos obstáculos destacan falta de conocimiento o reconocimiento mutuo, falta de definición en la intención, niveles de relación poco desarrollados, falta de marco legislativo que se adecúe a la realidad, ausencia de instrumentos de relación, falta de habilidad en cuanto a la negociación, organizaciones diversas y con bajo índice de profesionalidad, dificultad para entenderse en la comunicación.

Los agentes culturales y la sociedad de la información

Es importante considerar el papel de los agentes culturales en una sociedad de la información que abre camino hacia muchas cosas y en la que es necesario combinar los formatos o medios de comunicación tradicionales con los nuevos medios de internet y las redes sociales. El auge de la información online ha hecho que se creen nuevas formas de interacción con la cultura y, por tanto, nuevas variables que los agentes culturales deben considerar a la hora de realizar su trabajo:

  • Rapidez de comunicación.
  • Otras formas de participación.
  • Crisis de los agentes culturales clásicos.
  • Cambio de estructura de las organizaciones culturales.
  • Cambio en los procesos de consumo cultural.
  • Aumento de la virtualidad en las interacciones culturales.
  • Valores y apreciación nuevos en cuanto a la cultura presencial o en vivo.

Este cambio en el consumo cultural ha motivado, en parte, que surjan otro tipo de agentes culturales que están alejados de la burocracia e instituciones y que interceden por aquellos que tienen menos acceso a la cultura o por formas alternativas de crear y distribuir los productos culturales.


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Inicio: Octubre de 2021

La Comisión Europea publica un informe sobre cómo acabar con la brecha de género en los sectores culturales y creativos

La Comisión Europea publica un informe sobre cómo acabar con la brecha de género en los sectores culturales y creativos

La Comisión Europea publica un informe sobre cómo acabar con la brecha de género en los sectores culturales y creativos

El informe “Hacia la igualdad de género en los sectores culturales y creativos”, publicado recientemente por la Comisión Europea, proporciona una serie de 250 breves recomendaciones y buenas prácticas extraídas de toda la Unión Europea para mejorar las condiciones laborales de las mujeres.

Tal y como afirma la Comisión en su página web, la situación general de las mujeres en los sectores culturales y creativos ha mejorado, pero el progreso es lento. Esta es la conclusión principal del informe de igualdad de género, también realizado por la Comisión Europea.

Los estados miembro de la UE identificaron la igualdad de género como una prioridad de acción por primera vez en el Plan de Trabajo para la Cultura 2019-2022. De hecho, hay muchas razones por las que este tema debería obtener la atención que merece. La igualdad de género es un valor esencial dentro de los derechos fundamentales de la UE y un principio clave del Pilar Europeo de Derechos Sociales. También es una condición previa para la diversidad cultural. El fomento de la igualdad de género y la lucha contra la discriminación por cuestiones de género es un doble objetivo de la UE, también en cultura.

Este documento es útil para los profesionales y estudiantes de los sectores culturales y creativos, ya que proporciona una visión completa de la situación de las mujeres en el sector, y de cómo los profesionales dedicados a este ámbito pueden mejorar sus proyectos para que estos sean más inclusivos e igualitarios con el conjunto de la sociedad.

Fuentes de desigualdad en los sectores culturales y creativos

Según el informe, acceder a los recursos necesarios y reafirmarse en el mercado laboral cultural y creativo supone un desafío para las mujeres debido al carácter inestable, freelance y basado en proyectos propio de este sector. La necesidad de autopromoción y de viajar con frecuencia suponen dos dificultades añadidas para las mujeres del sector.

Debido a estereotipos perjudiciales, exclusión de redes de trabajo, acceso desigual a los recursos, relaciones de poder ocultas y la carga del trabajo doméstico, estas condiciones son más difíciles para las mujeres. Se da aún más el caso cuando se tienen en cuenta factores interseccionales.

Infografía extraída del informe sobre el porcentaje de mujeres en distintas profesiones culturales y creativas. Resulta llamativo que ninguna de ellas alcanza el 50%.

Infografía extraída del informe sobre el porcentaje de mujeres en distintas profesiones culturales y creativas. Resulta llamativo que ninguna de ellas alcanza el 50%.

Desafíos clave para la igualdad de género

El informe proporciona una visión general de las brechas de género en los sectores culturales y creativos, incluyendo el impacto de la pandemia del covid-19. Se centra en los siguientes desafíos clave:

  • Estereotipos de género
  • Acoso sexual
  • Acceso al mercado laboral y la brecha salarial
  • Acceso a recursos
  • Acceso a posiciones de liderazgo y emprendimiento femenino

Un informe dirigido a personas en situación de responsabilidad

El informe está dirigido a responsables políticos y a personas en cargos de responsabilidad, así como a los sectores culturales y creativos, los medios de comunicación, y el sector educativo. En él se detallan recomendaciones extensas y buenas prácticas sobre cómo implementarlas.

Además de las directrices que abordan los problemas descritos anteriormente, el informe aporta recomendaciones generales como las siguientes:

  • Una recopilación mejorada de datos fiables y comparativos sobre brechas de género a lo largo de la UE.
  • La necesidad de llevar a cabo medidas de recuperación de la pandemia con sensibilidad de género.
  • La importancia de utilizar un lenguaje con sensibilidad de género, de implementar la igualdad de género en el lugar de trabajo y de implantar metodologías de divulgación cultural y creación de presupuestos que tengan en cuenta también a las mujeres.

Conviene señalar que la implantación de algunas recomendaciones específicas ya ha comenzado en el nuevo programa de Europa Creativa (2021 – 2027).

Algunos puntos clave del informe

El documento, de más de 100 páginas, ofrece una revisión histórica del papel de las mujeres en las industrias culturales y creativas, así como una serie de gráficos muy reveladores sobre las diferentes desigualdades por países entre hombres y mujeres en temas tan diversos como la presencia de artistas mujeres en museos de Europa, las profesiones que ocupan las mujeres en el sector creativo, o las diferencias salariales en el sector.

Infografía sobre la presencia de exposiciones de mujeres en distintos museos de referencia europeos. Imagen extraída del informe.

Infografía sobre la presencia de exposiciones de mujeres en distintos museos de referencia europeos. Imagen extraída del informe.

Detrás del documento

“Hacia la igualdad de género en los sectores culturales y creativos” ha sido elaborado por expertos de 22 estados miembro. El proceso ha sido coordinado por la Comisión Europea.


Descarga el documento aquí.

Este artículo ha sido traducido y ampliado a partir de la siguiente página web:

https://ec.europa.eu/culture/news/new-report-recommends-how-close-gender-gaps-cultural-and-creative-sectors

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Inicio: Octubre de 2021

La FIL de Guadalajara como ejemplo de gestión de eventos

La FIL de Guadalajara como ejemplo de gestión de eventos

En la era de la información, las Industrias Culturales y Creativas (ICC) se están consolidando como un potente motor económico.

Poco a poco, la economía de servicios va ganando más peso. En ese contexto, las industrias culturales y creatiuvas se convierten en perfectas aliadas; el sector de la cultura tiene una gran capacidad para generar bienes, tanto tangibles como intangibles, de valor. (más…)

Sesión informativa en directo el 30 de agosto. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo el 10 de junio. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo con el Coordinador Académico del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Con motivo de la apertura de matrícula para el curso 2021-2022 de este máster en gestión cultural, se desarrollará sesión en directo mediante videoconferencia, donde se explicará la metodología y el modelo de educación semipresencial, procedimientos de evaluación, prácticas, etc.

La inscripción es libre y gratuita. Cualquier persona interesada en el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas puede inscribirse y participar de esta sesión informativa en directo, simplemente cumplimentando el formulario de inscripción que se encuentra en esta misma página. Si te interesa, no dudes en inscribirte, podrás resolver todas las dudas sobre el Máster.

 
La sesión se desarrollará el jueves 10 de junio de 2021 a las 19:00 horas.
Horario peninsular de España (Madrid).
Sesión Informativa Máster Gestión Cultural

Sesión informativa

10 de junio  19:00 horas

Inscríbete cumplimentando este formulario

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