En qué consiste la dirección estratégica de empresas o proyectos culturales

En qué consiste la dirección estratégica de empresas o proyectos culturales

La dirección estratégica es una disciplina básica a la hora de conseguir llevar a buen puerto todo tipo de proyectos. En este sentido, los proyectos culturales no son una excepción, necesitan de una buena gestión para poder cumplir los objetivos que se han marcado para los mismos.

En el ámbito cultural existe tanta competencia como en cualquier otro del mercado. Por tanto, artistas e instituciones dedicadas a la cultura necesitan contar con estrategias bien diseñadas e implantadas que les ayuden a conectar con el público.

Algo que no va a ser posible si no hay una dirección estratégica que se encargue de cuestiones tan importantes como la atribución de recursos o la implantación de planes de comunicación.

Qué es la dirección estratégica

Es un enfoque de gestión integral y a largo plazo que busca alinear los recursos y capacidades de una organización o institución con su entorno, a fin de permitirle alcanzar sus objetivos de una manera efectiva.

Dicho de otra manera, es el proceso mediante el cual se formulan, planean, ejecutan y controlan un conjunto de acciones, para asegurar el funcionamiento, desarrollo y crecimiento de la entidad. Su función principal es la de tomar decisiones que ayuden a asignar de forma eficiente los recursos, asegurando que estos son suficientes para alcanzar las metas propuestas.

¿Para qué sirve la dirección estratégica?

Las acciones que forman parte de la dirección estratégica de la empresa permiten conocer a fondo el entorno en el que la misma tiene que desenvolverse: la competencia que hay, el funcionamiento del mercado, la audiencia, los cambios en los gustos de los consumidores, etc.

Con base en ese conocimiento, se puede hacer una asignación de los recursos que permita seguir avanzando en la consecución de los objetivos. Objetivos que, a su vez, han sido predefinidos por los encargados de la dirección de la empresa o entidad.

Se trata, por tanto, de una función de carácter transversal, que es esencial para que la organización crezca y llegue allí donde se ha propuesto.

Beneficios de su aplicación en la gestión cultural

Aplicar este tipo de dirección genera una serie de beneficios que dirigen a las entidades culturales hacia el éxito.

Enfoque a largo plazo

La dirección estratégica fomenta una perspectiva a largo plazo. Porque permite a las entidades culturales afrontar y superar los desafíos más inmediatos y, a la vez, estar más preparadas para los retos que puedan llegar en el futuro.

Adaptación a los cambios

Como cualquier otra empresa que busca atraer al público, las entidades culturales tienen que ser capaces de ajustarse a las nuevas tendencias y los cambios de gustos y necesidades en su público. Contar con una buena dirección estratégica les aporta la flexibilidad necesaria para poder ajustarse a tiempo a los cambios.

Gestión eficiente de los recursos

La labor de dirección estratégica permite hacer una asignación más efectiva del presupuesto y otros recursos, con el fin de maximizar el impacto y optimizar la sostenibilidad financiera a largo plazo.

Fomento de la innovación y la creatividad

Las labores de gestión estratégica de las entidades culturales inciden también en la innovación y la creatividad a la hora de promocionar la cultura. Esto da lugar a nuevas formas de conectar con el público y de mantener la relevancia de la propia entidad.

Claves para una buena dirección estratégica cultural

Como hemos visto, una buena dirección estratégica aplicada al ámbito cultural resulta esencial para el desarrollo, preservación y la difusión efectiva del patrimonio y de las diferentes expresiones culturales. Para lograrlo, hay que seguir una serie de pautas básicas al llevar a cabo esta tarea:

Comprensión profunda de la cultura

Antes de empezar a formular estrategias, es fundamental conocer de manera profunda la cultura que la entidad busca preservar o promover. Hay que estar al tanto de los orígenes de esas expresiones culturales, de su evolución, sus principales manifestaciones, etc.

Visión a largo plazo

Difundir la cultura es una necesidad a largo plazo, para garantizar que las nuevas generaciones también tengan acceso a la misma. De ahí que las acciones planificadas tengan que partir de un enfoque sostenido a lo largo del tiempo.

Por ejemplo, destinando recursos a la conservación de las obras, o realizando acciones que permitan acercar la cultura a los más jóvenes.

Alianzas estratégicas

Las entidades encargadas de la gestión cultural no están solas en su labor. Existen otras instituciones que también tienen interés en promover la cultura y con las que se pueden alcanzar acuerdos de colaboración. Como instituciones educativas, el Ministerio de Cultura o empresas vinculadas al sector cultural.

Implementación de la tecnología

Incorporar la tecnología de manera estratégica es una buena forma para llegar a audiencias más amplias. Por ejemplo, mejorando y reforzando la presencia en redes sociales o haciendo eventos en streaming.

La dirección estratégica aplicada al mundo de la cultura tiene múltiples beneficios para el conjunto de la sociedad, pero requiere de profesionales con formación específica en esta materia para ser realmente exitosa. Si te interesa este campo, nuestro Máster en Gestión Cultural es la formación perfecta para ti. No dudes en preguntarnos sin compromiso.

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Qué son los derechos culturales y cómo protegerlos

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La diversidad cultural enriquece las sociedades, al dotarlas de una mayor variedad de perspectivas que ayudan a comprender el mundo y a empatizar con las personas. Precisamente por eso, los derechos culturales han adquirido tanta importancia.

Qué tipos de público reciben las instituciones culturales

Qué tipos de público reciben las instituciones culturales

Para cumplir sus metas, empresas y entidades deben tener muy claro los tipos de público a los que se dirigen sus productos o servicios, puesto que solo así es posible diseñar una oferta que resulte realmente atractiva.

La tipología de público afecta de manera significativa a muchas de las decisiones y a las estrategias que hay que poner en marcha: marketing, política de precios, diseño de nuevos productos o servicios, etc. En este sentido, las instituciones culturales no son una excepción. Si desean captar el interés del público, tienen que tener claro primero cómo es la audiencia cultural.

Aficionados 

Uno de los tipos de público más importantes de las instituciones culturales está compuesto por aquellas personas que aman el arte y la cultura, y desean sumergirse de lleno en las diferentes formas en las que la creatividad humana se manifiesta.

Son personas con curiosidad y, aunque pueden tener ciertas preferencias, no se cierran a disfrutar de otras manifestaciones culturales.

Buscan adentrarse en la subjetividad de la obra que tienen delante, estableciendo una conexión emocional con la creatividad. Esto les lleva a desear una participación más activa en los eventos culturales. Por ejemplo, uniéndose a foros de debate, acudiendo a conferencias e incluso convirtiéndose en coleccionistas. 

Su entusiasmo los acaba convirtiendo en buenos embajadores de la cultura, por lo que son un tipo de público a tener muy en cuenta. Se trata de un grupo muy heterogéneo dentro del que podemos encontrar personas de todas las edades, con un nivel académico medio-alto.

Estudiantes y académicos

Este segmento incluye a personas que, por razones profesionales o académicas, quieren ampliar sus conocimientos sobre determinadas áreas de la cultura. Esto hace que su visita a instituciones culturales esté impulsada por el ansia de conocimiento y la oportunidad de profundizar en temas específicos.

Más allá de la estética, les interesa conocer más sobre las obras apreciadas y su contexto, así como desarrollar perspectivas críticas. Por eso, valoran más aquellas exposiciones y eventos con un corte más académico y enriquecedor.

Es habitual que tiendan hacia un enfoque multidisciplinario, expandiendo su interés a diferentes tipos de artes y muestras culturales interrelacionados entre sí.  Son participantes activos en simposios y seminarios, por lo que la organización de este tipo de eventos puede ser muy útil para fortalecer el vínculo que existe entre las instituciones culturales y el mundo académico.

Este segmento de público es también heterogéneo en cuanto a edades. Los estudiantes pueden ser adolescentes o adultos que ya están en la universidad y, por lo que respecta a los académicos, los hay de todas las edades. Dado que el nivel de conocimiento cultural suele ser alto, este es un público exigente.

Familias con niños

Las instituciones culturales son un lugar cada vez más frecuentado por familias con niños que buscan sumergir de lleno a los pequeños en actividades educativas y enriquecedoras. A fin de que vayan desarrollando su amor por el arte y la cultura.

Los niños y los adolescentes son un público “difícil” dentro de la audiencia cultural, porque pueden aburrirse rápidamente. Cuando una institución tiene a los más jóvenes entre su público, tiene que poner en marcha estrategias que logren atraer y retener el interés de las nuevas generaciones. De ahí que sea cada vez más habitual el diseño de exposiciones y eventos destinados directamente a los más jóvenes, que incluyen medidas como actividades interactivas o juegos.

Este público está conformado por parejas, o padres o madres de entre 30 y 50 años, con un nivel cultural medio-alto, que consideran esencial que sus hijos se instruyan culturalmente. Las edades de los niños van desde los 6 años hasta la adolescencia. 

Turistas culturales

Las instituciones culturales más importantes reciben visitantes llegados de todos los rincones del mundo. Hay un perfil de turista que centra sus viajes en el interés cultural o, al menos, intenta incluir siempre visitas culturales dentro de su itinerario.

El turista cultural se caracteriza por tener muchas ganas de aprender y de verlo todo, pero disponer de poco tiempo. Por lo tanto, valora mucho aquellas experiencias que le permiten sumergirse de lleno y aprender más sobre las costumbres y los eventos culturales de la zona que está visitando.

Aunque les encanta observar, se muestran más que dispuestos a participar. Para atraer a este tipo de público, es importante que las instituciones culturales sean capaces de ofrecerles experiencias significativas concentradas en poco tiempo, priorizando la calidad sobre la cantidad. Por ejemplo, con itinerarios muy concretos que permitan conocer las obras más significativas de un museo.

El grupo de turistas culturales es muy heterogéneo, puede haber extranjeros, pero también nacionales llegados desde otro punto del país. Normalmente, son personas de más de 35 años con un nivel formativo medio-alto y un claro interés hacia la cultura en sus diferentes manifestaciones.

Conocer los tipos de público que acuden a las instituciones culturales es esencial para diseñar campañas de marketing y comunicación que permitan conectar con estos perfiles, pero también para organizar eventos y todo tipo de actividades que puedan ser de su interés. Si te apasiona el campo de la gestión cultural, puedes convertirte en un experto en la materia con nuestro Máster de Gestión Cultural.

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Qué son los derechos culturales y cómo protegerlos

Qué son los derechos culturales y cómo protegerlos

La diversidad cultural enriquece las sociedades, al dotarlas de una mayor variedad de perspectivas que ayudan a comprender el mundo y a empatizar con las personas. Precisamente por eso, los derechos culturales han adquirido tanta importancia.

Qué son los derechos culturales y cómo protegerlos

Qué son los derechos culturales y cómo protegerlos

La cultura cumple un papel fundamental dentro de la sociedad, influyendo en el desarrollo humano y social. Tiene incidencia en la formación de la base de la identidad de los individuos a través de la lengua, las tradiciones y las expresiones artísticas, entre otras.

Además, la diversidad cultural enriquece las sociedades, al dotarlas de una mayor variedad de perspectivas que ayudan a comprender el mundo y a empatizar con las personas. Precisamente por eso, los derechos culturales han adquirido tanta importancia en los últimos años.

Qué es el derecho a la cultura

El derecho a la cultura es un concepto esencial dentro del marco de los derechos humanos, reconocido a nivel internacional en la Declaración Universal de los Derechos Humanos y también en el ordenamiento jurídico de la gran mayoría de países.

No obstante, aunque se recogió oficialmente en 1948, hubo que esperar hasta la década de 1990 para que los derechos culturales tuvieran una aplicación realmente práctica, con el desarrollo de normativa específica que los protegiera.

El derecho a la participación en la vida cultural implica el reconocimiento del derecho que tienen todas las personas a disfrutar de las diferentes ramas del arte y de la educación cultural.

Cuáles son las características de este derecho

Un derecho es un poder o potestad que pertenece a un individuo. En el caso de derechos humanos, como el del acceso a la cultura, este pertenece a las personas por el mero hecho de ser seres humanos, y no pueden ser privadas de él.

Definir el contenido concreto de un derecho tan complejo como este que estamos analizando es más fácil si analizamos los elementos que lo caracterizan.

Universalidad

Este es un derecho que se aplica a todas las personas, con independencia de su origen étnico, de su género, su religión o cualquier otra característica de tipo personal.

Esto quiere decir que nadie puede ser discriminado ni limitado a la hora de acceder a las diferentes manifestaciones de la cultura.

Inalienable e irrenunciable

Que los derechos culturales sean inalienables implica que no pueden ser transferidos por su titular a otra persona, y tampoco se puede renunciar a los mismos.

Una persona podría decidir no participar en la vida cultural en un momento determinado, pero eso no implica que no pueda hacerlo en el futuro sin otro requisito que su propia voluntad. 

Diversidad cultural

Este derecho reconoce la diversidad cultural; es decir: la existencia de diferentes manifestaciones culturales, tradiciones y prácticas que deben ser respetadas por igual.

Por lo tanto, no solo protege el derecho subjetivo, sino también la cultura en sí misma, garantizando que esta va a ser respetada.

Acceso y participación

Incluye el derecho de las personas a acceder y participar de forma activa en la vida cultural de su comunidad, contribuyendo, si así lo desean, al proceso creativo y artístico en cualquier disciplina.

Educación cultural

Una característica esencial de estos derechos es que, para poder disfrutar de los mismos en su plenitud, los ciudadanos deben recibir una formación que les permita comprender y respetar la diversidad cultural.

Cómo se protegen los derechos culturales de la ciudadanía

Para que los ciudadanos puedan disfrutar del derecho a la cultura, es necesario que los poderes públicos adopten medidas de protección que garanticen la participación en la vida cultural de la sociedad.

Esa protección puede variar de unos países a otros, pero hay algunas fórmulas que resultan comunes en muchos lugares del mundo y que es importante conocer.

Reconocimiento legal

En España, como en muchos otros estados, el derecho de acceso a la cultura que tienen los ciudadanos está reconocido en su ordenamiento jurídico. En nuestro caso, la Constitución hace referencia a este tema.

Además, existen múltiples instrumentos legales internacionales de los que se derivan para los estados el compromiso de respetar y proteger los derechos culturales. Un ejemplo de ello es el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales.

Protección del patrimonio cultural

Para que este derecho se pueda materializar, debe haber una cultura a la que se pueda acceder. Es la protección del patrimonio cultural la que se encarga de que obras de arte, monumentos históricos, tradiciones y otras manifestaciones culturales sigan vigentes durante siglos.

De hecho, en nuestro ordenamiento jurídico penal, se tipifican como delito aquellos actos que puedan suponer un daño para los elementos del patrimonio.

Protección de la libertad creativa y de expresión

La cultura está en constante evolución y se crea día a día. Para que pueda seguir creciendo y desarrollándose, es esencial un marco jurídico que proteja la libertad creativa y la libertad de expresión, así como normas que protejan los derechos de autor para dar el debido reconocimiento y compensación a los creadores de música, obras literarias, etc.

 

En definitiva, para proteger los derechos culturales, es necesario hacer una buena gestión de la cultura. Si quieres desarrollarte profesionalmente en este campo y contribuir a promover el acceso a la cultura, ya puedes formarte con nuestro Máster en Gestión Cultural.

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Marketing cultural: qué es y cómo hacerlo para difundir tu proyecto

Marketing cultural: qué es y cómo hacerlo para difundir tu proyecto

La difusión cultural siempre ha supuesto un reto, y más hoy en día.

En una sociedad en la que todo parece consumirse de manera inmediata, conseguir que el público destine parte de su tiempo a disfrutar de la cultura parece algo complicado. Sin embargo, existen herramientas que nos pueden ayudar a lograrlo, y una de las más importantes es el marketing cultural.

Gracias a esta disciplina, acercar la cultura al gran público, especialmente a las nuevas generaciones, se vuelve un poco más fácil.

Qué es el marketing cultural

El marketing es una disciplina que engloba una serie de técnicas y estrategias que sirven para promocionar un determinado producto o servicio. Aplicadas al campo de la cultura, esas técnicas y estrategias se utilizan para difundir y fomentar la apreciación de diferentes manifestaciones artísticas y culturales.

Esto puede incluir varios tipos de promoción, entre los que no pueden faltar hoy en día una estrategia de marketing digital, ya que canales como las redes sociales son imprescindibles para conectar con el público.

Cuáles son los objetivos del marketing cultural

Con base en la definición que hemos visto, no parece haber demasiada diferencia entre el cultural marketing y la promoción de cualquier otro tipo de producto o servicio, pero no es así.

Romper barreras

Este tipo de promoción tiene como objetivo prioritario romper esas barreras que, de forma tradicional, separan al público de las manifestaciones culturales. Y es que continúa habiendo una gran parte de la población que piensa que el arte es algo aburrido y difícil de comprender. 

Por tanto, el primer objetivo de estas técnicas de promoción es acabar con estos estereotipos y despertar el interés de las personas por la cultura; conseguir que estas vean en las muestras culturales algo atractivo y totalmente a su alcance.

A diferencia de otros tipos de marketing, en este caso, la meta no siempre tiene un carácter económico. Lo realmente importante no es vender entradas a museos o ciertas obras, sino despertar el interés por el arte y la cultura.

Establecer una continuidad

Las empresas trabajan su marketing para construir lo que se conoce como una “identidad de marca”. Pues bien, en el caso de la gestión cultural se está trabajando ya de una manera muy similar.

Las organizaciones culturales se esfuerzan por transmitir una imagen que mantenga una continuidad y coherencia con los valores que ella defiende, porque cada una de esas organizaciones se dirige a un tipo de público diferente y necesita crear engagement con el mismo. 

Un aspecto importante a tener en cuenta es que el marketing cultural no es una técnica al alcance únicamente de grandes organizaciones culturales como los museos. También los propios creadores y artistas pueden dar a conocer su trabajo empleando esta forma de promoción.

Cómo hacer marketing cultural para dar a conocer tu proyecto

Aunque cada estrategia será diferente, hay una serie de pasos básicos que hay que tener presentes en todo caso:

Conocer a la audiencia

Siempre que se va a desarrollar una actividad relacionada con el marketing, lo primero que hay que hacer es conocer al público.

Tratándose de una iniciativa de marketing cultural, es importante comprender la personalidad del público al que va dirigida. Para ello, se pueden llevar a cabo investigaciones de mercado que ayuden a identificar los intereses y los gustos del público objetivo. Esto permite adaptar la “oferta”.

Cuanto mejor se adapte el producto cultural ofrecido a lo que demanda el público, más fácil será generar un impacto significativo y atraer a las personas hacia el mundo de la cultura.

Utilizar los medios digitales

Las redes sociales son un medio de comunicación excepcional que puede ayudar a difundir los mensajes culturales de una manera efectiva.

Crear un contenido visual de calidad es la clave para conseguir el interés del público. Es una manera de mostrarle un poco de lo que podrá ver con más detalle si decide, por ejemplo, acudir a una determinada exposición.

Contar con una web y trabajar el SEO para conseguir un buen posicionamiento también resulta esencial dentro del marketing cultural, puesto que Internet es el primer lugar al que las personas acuden a buscar información, y es importante que puedan localizar justo aquella que la marca (el artista o la organización cultural, en este caso), desea transmitir.

Ofrecer experiencias únicas

Las exposiciones y las charlas culturales de hoy en día tienen poco que ver con las de hace unas décadas; ahora los espectadores quieren tener un papel activo en lo que están apreciando.

A través del marketing orientado al campo de la cultura hay que conseguir que el público sea consciente de que ya no va a ser un espectador pasivo, sino que se va a sumergir de lleno en una experiencia que le permitirá disfrutar al máximo de la cultura.

El marketing cultural es una disciplina única que debe afrontar unos retos que no están presentes en otros campos. De ahí la necesidad de contar con formación específica en esta materia.

Si quieres dedicarte de manera profesional a este sector, ya puedes formarte con nuestro Máster en Gestión Cultural. Y recuerda que si tienes cualquier duda o pregunta, puedes contactarnos sin compromiso y te guiaremos.

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Abierto el plazo de matrícula del Máster en Gestión Cultural

Abierto el plazo de matrícula del Máster en Gestión Cultural

Se trata de la XV edición de este máster en gestión cultural, que se va a realizar como título propio con la Universidad de Vitoria-Gasteiz (EUNEIZ)

Este próximo mes de febrero de 2024 dará comienzo el Máster en Gestión Cultural, un máster propio, orientado en la gestión de industrias culturales y creativas, de la Universidad de Vitoria-Gasteiz o, también conocida como EUNEIZ.

Un Máster en Gestión Cultural con formación y evaluación 100% Online.

En este máster, se va a desarrollar la formación y la evaluación de una manera totalmente online, solamente las prácticas podrán ser presenciales o telemáticas.

Todo el material de estudio está a disposición de los alumnos a través del Campus Virtual. Las clases online podrán verse en directo o en diferido, ya que estarán siempre disponibles para su consulta. Existe una biblioteca digital, manuales teóricos y, además, acceso a una comunicación directa con la figura del tutor. Este se encargará de cuidar que la experiencia formativa de los alumnos y alumnas cumpla con lo más altos estándares de calidad.

El carácter online de las clases, sumado al asesoramiento personalizado del que dispondrán los alumnos, hace de este máster una opción ideal para complementar estudios previos y compaginarlo con otras actividades.

El objetivo es formar a personas interesadas en aptitudes y conocimientos específicos para la gestión de las empresas en el ámbito de la cultura y el arte, contribuyendo a difundir el conocimiento de experiencias e iniciativas en este campo y promoviendo la investigación teórica y práctica que permita orientar las políticas y estrategias. Esta formación se conseguirá a partir de un aprendizaje que integre los principales conceptos, instrumentos y metodologías de la economía y la organización de empresas aplicados a la administración de los sectores de las industrias culturales y creativas.

La finalidad de este máster es dotar al alumnado de la adquisición y desarrollo de las capacidades y habilidades necesarias para analizar y evaluar el entorno económico y social tanto general como, y muy particularmente, el específico del sector de las industrias culturales y creativas, a fin de que pueda adaptar su gestión y diseñar, ejecutar y controlar estrategias y acciones para este tipo de proyectos.

Se va a apostar por la creación de una capacidad crítica por parte del alumnado que le permita tomar decisiones sobre la base de la comprensión de las variables que inciden en el proceso de toma de decisiones, propias y relacionadas, con las organizaciones en el sector cultural y creativo.

Las prácticas en empresas son obligatorias y están garantizadas. Aquellas personas con experiencia profesional en el ámbito de la gestión cultural pueden convalidar estas prácticas.

Plazo de matrícula abierto

El Máster de Formación Permanente en Gestión Cultural comenzará en febrero de 2024. Aquellas personas que deseen desarrollar o mejorar sus conocimientos en este ámbito podrán matricularse hasta que se completen las plazas.

Todos los detalles acerca del Máster en Gestión Cultural, pueden encontrarse en la web mastergestioncultural.info

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Ángel Hernández, el cine como pasión y herramienta formativa

Ángel Hernández, el cine como pasión y herramienta formativa

Ángel Hernández es profesor de francés y cineasta. Estudió Economía en Lyon y tras especializarse, de vuelta en España, acabó en el mundo de la educación. No obstante, su pasión siempre había sido el cine y esto hizo que integrase el séptimo arte en los programas formativos de su centro, convirtiéndolo en una herramienta para educar.

Tras realizar varios cortometrajes en el marco de su centro educativo, y con los alumnos, decidió hacer sus primeros cortos. En el año 2019 fue publicado NOM, historia fantástica que le ha llevado a tener 10 premios internacionales y una selección oficial en el Leeds International Film Festival.

Ángel nos habla sobre su experiencia en el cine y cómo lo ha usado como herramienta para formar a sus alumnos.

¿Qué te motivó a dedicarte a la educación?

Ángel Hernández

Ángel Hernández

Fue un poco accidental. Justo cuando terminé mis estudios hacía falta unan gran cantidad de profesores de francés. El segundo idioma que se estudia predominantemente en Canarias es el francés y no había profesores. Vi que se habrían listas para entrar en educación y quise probar a ver cómo era ese mundo, ya que era una oportunidad laboral muy buena.

Luego, ejerciendo, me di cuenta de que me gustaba, lo pasaba bien con los alumnos, la materia además me daba pie a usar otras herramientas, más allá de las puramente lingüísticas, como ocurrió con el cine. Hace unos años decidí presentarme a las oposiciones, aprobé y hasta el día de hoy.

¿Por qué al volver de Francia decidiste seguir con la educación en lugar de dedicarte por entero al cine?

Hay un tema siempre de seguridad laboral. En ese momento dedicarme al cine no sabía cómo podría haber salido, las oportunidades eran escasas, diferente a tener un trabajo seguro, fijo, remunerado, etc.

Lo que es un hecho es que, después de un tiempo en educación, empecé a derivarla hacia el cine. No dejaba de ser mi pasión y lo he ido refinando hasta desarrollar programaciones didácticas enteras de la materia de francés basadas en el cine. También he desarrollado proyectos de cine, independientemente de cuál fuera la materia, dentro de los centros educativos para los alumnos de todos los niveles. El instituto donde trabajo ha ganado premios en festivales, no necesariamente educativos, sino del circuito cinematográfico y con trabajos de los alumnos.

Entiendo entonces que has instigado tu pasión por el cine a los alumnos con los que te has encontrado a lo largo de tu carrera.

Sí, de hecho, el director de fotografía del corto NOM fue alumno mío hace 13 años. Es casi crear cantera para futuros proyectos (risas).

¿Cómo integraste el cine dentro del centro educativo y conseguiste darle carácter formativo de cara a los alumnos?

A los alumnos hay que buscarles siempre materiales estimulantes como punto de partida. Nuestros alumnos tienen poca cultura audiovisual, pero todo lo que consumen es audiovisual. Hoy libros cogen muy poquitos, sin embargo, el consumo audiovisual es continuo. Aun así, no tienen una gran cultura y pensamos que era bueno que desde la materia de plástica empezaran a trabajar esa competencia, y desde las materias lingüísticas como lengua española o los diferentes idiomas extranjeros, se trabajara la competencia lingüística a través de la escritura de guiones, la pronunciación y dicción de esos guiones o la propia redacción.

La parte del cine que usamos, en materias de lengua, es el guion como vehículo para desarrollar la competencia lingüística. En plástica desarrollan la competencia más artística, el lenguaje audiovisual, entre otras. Y, desde materias como tecnología, por ejemplo, se potencia la parte técnica, el uso de las cámaras, luces, dispositivos sonoros, etc.

Cuando propuse los primeros proyectos fui sumando compañeros a la causa, digámoslo así. Se acabó integrando en las programaciones de los departamentos. Al principio eran colaboraciones puntuales y anecdóticas y al final el proyecto se ha consolidado y ha tomado forma burocrática, contemplándose en las programaciones como un proyecto interdisciplinar.

Rojade del cortometraje Nom

Rojade del cortometraje Nom

 

¿Qué te motivó a realizar tu primer cortometraje?

Después de una trayectoria de unos seis años haciendo proyectos con los alumnos y, en vista de que parte de lo que hemos hecho ha tenido algún tipo de repercusión, reconocimiento, etc., había mucha gente que se acercaba y me preguntaban por qué no hacía algo al margen del instituto. Digamos, sin esa red de seguridad que implican los alumnos y sin poder decir que si el proyecto sale mal al final el objetivo último es formativo, no cinematográfico.

Fue calando esto hasta que me decidí a hacer algo personal, aunque, seguí contando con recursos de los que tenía el centro. El protagonista (de NOM) es profesor de plástica, compañero mío, con el que había hecho ya un montón de cortos con los alumnos, el director de fotografía es un exalumno. En cierto modo, hay algo de intersección con la manera de trabajar que teníamos en los proyectos escolares. Lo que pasa es que ya lo firmaba como Ángel Hernández y no como el profe de francés.

¿De dónde nace la idea de NOM?

Surgió concretamente un día durante una de nuestras rutas ciclistas. Buena parte del equipo de este corto somos aficionados al ciclismo, sobre todo, Diego (Higuera) el protagonista, que lleva 40 años en bicicleta.

En una de nuestras salidas hicimos la típica pausa para el café, que se hace en una salida larga, y siempre en el grupo hay gente más mayor, como puede ser Diego que ya tiene 63 años, y chavales que se unen nuevos, que pueden tener 23 o 24 años. Hay un contraste ahí de energías y de manera de ver las cosas. El mayor, que se lo toma con calma y lo que quiere es estar el mayor tiempo posible en la bici y el joven que quiere ir rápido.

Se crean estos contrastes entre mayores y jóvenes y se cuentan batallitas. De eso surgió la idea del corto. Alguien dijo: “deberíais chuparle la sangre a este a ver si cogéis un poco de la energía que tiene”. Saltó la chispa y eso, unido a que con las bicis íbamos por muchos de los parajes que aparecen en el corto, hizo que se alinearan los planetas y surgió la idea.

Una vez que te decides a rodar el cortometraje, ¿cuáles fueron los primeros pasos para ponerlo en marcha?

Lo primero es contar la idea al que va a ser tu equipo, para que te la compren y pase a ser de todos, no solo tuya. Si la gente que está contigo no está convencida de la viabilidad igual que tú y no se implican con la misma pasión, normalmente va a haber un problema o varios.

Yo conté con un equipo muy reducido, es decir, Diego, que como ciclista y aficionado al cine, le encantó la idea y se apuntó. Luego hablé con Manuel Peña, que es exalumno, director de fotografía, cámara, montador y etalonador, es una navaja suiza del audiovisual, me dijo también que sí y ponía a nuestra disposición su cámara (que no deja de ser una sencilla de foto y vídeo, no una de cine, una DSLR). Y teniendo a ellos dos, no conté nunca con sonidista porque no teníamos ninguno a mano que se prestara a hacerlo de manera altruista y todo el sonido se hizo después en posproducción.

El resto de colaboraciones son puntuales, salvo Juanda Mendoza, el músico, que se unió posteriormente. Un chico aficionado a la música que nos compuso la banda sonora y que ha sido premiada en tres festivales diferentes.

Un equipo muy reducido que desde el primer momento se unieron y, desde las posibilidades que tenían, aportaron lo que pudieron. Así empezó la aventura.

Rojade del cortometraje Nom

Rojade del cortometraje Nom

 

¿Cómo conseguiste financiación para rodar NOM?

La financiación es simbólica. Para hacer el corto no gastamos ni 500€, que se pagaron de mi bolsillo personal. Prácticamente me los gasté en dar de comer al equipo los días que fuimos a rodar y en comprar algunas cosas de atrezo (sangre falsa, algunas prótesis, lentillas).

Si hubo cosas puntuales en las que hubo que pagar a profesionales. Por ejemplo, hay un efecto digital al final con el agua y eso hubo que pagarlo a un chico que hace trabajos de este tipo en su tiempo libre. También pasó eso con el tema del sonido, nos apoyamos en un chico que es músico y sabe editar sonido para hacer toda la edición sonora. Esos dos pequeños pagos, más la comida y alguna cosa más de producción, fueron unos 500€.

Sí es verdad que, en la distribución, viendo que el corto iba funcionando he ido invirtiendo y han sido casi 3.000€. Esto es una cantidad irrisoria al final, lo normal en un cortometraje medio son 5.000 o 6.000€ y los hay que pagan 10.000 o 12.000.

Es la parte más importante, puedes tener un gran trabajo que si no lo distribuyes bien no llega a ningún lado.

¿Sobre qué trata tu próximo proyecto, Pescador?

Seguimos instalados dentro del cine de género, fantástico y de terror porque es en el que yo más cómodo me siento y creo que es un género que va muy bien para hablar de cualquier realidad, incluso social, desde un ángulo más exótico, no documental o drama más clásico. El cine fantástico y de terror es muy útil para abordar ciertos temas sociales que, a veces, son más terroríficos que cualquier película.

No te puedo contar mucho sobre el argumento, pero sí de donde partió. Leí una noticia que decía que en los campamentos de refugiados de la frontera turca con Siria hay 15.000 menores desaparecidos. Es decir, niños que están en esos campamentos y, de repente, desaparecen. A partir de esa realidad hemos hecho una historia y ese es el proyecto. Ese dato real de por sí ya es bastante escalofriante.

¿Cómo te planteas el rodaje de este nuevo cortometraje?

Con las credenciales de NOM tenemos algo más de credibilidad para dirigirnos a particulares o entidades y solicitar algo de financiación. Nos gustaría dar un salto, no estratosférico, pero sí hacia cierto grado de industria. No solo porque quede mejor, puesto que sinceramente, creo que se pueden hacer productos de muchísima calidad trabajando de forma amateur, como hemos hecho hasta ahora.

Con NOM hemos tenido un hándicap enorme que ha sido el tema de estar indocumentados. Nosotros hemos tenido una selección para un festival en Inglaterra (Leeds International Film Festival) que es calificador para el Oscar y el Goya. Conseguimos la selección, nos ponemos muy contentos y nos dirigimos a la Academia de Cine para decirles que podemos optar a que se nos considere para los Goya. Me dicen que les mande el certificado del ICAA y del Ministerio de Cultura con toda la información sobre la película. No tengo nada porque, al no haber rodado con criterios de industria, no tener a la gente dada de alta, no tener productora, etc., no se puede acceder a esa documentación.

Ahora mismo no puedo entrar a consideración para los Goya ni para ningún premio porque básicamente soy un “sin papeles del cine”. Lo que buscamos es que el siguiente proyecto cumpla con los estándares que me permita acceder a la documentación y que si, eventualmente, puedo optar a uno de estos premios se pueda hacer. Es muy triste que te quedes sin hacerlo por papeles.

Es normal que las academias quieran priorizar a la industria, no quieren favorecer el intrusismo. Quieren que se cree industria y en parte es comprensible, pero es verdad que todo el mundo no tiene acceso a esto, sobre todo, en sus primeros trabajos.

Ahora, con Pescador, contamos con el respaldo verbal, por ahora, de la Consejería de Cultura del Ayuntamiento de Gáldar, que tiene su propio festival de cine y está queriendo apostar por este segmento. Por otro lado, también estamos en conversaciones con gestores culturales para ver si encontramos vías de financiación alternativas. No necesitamos un gran presupuesto, pero lo mínimo para dar de alta a la gente y pagarles un sueldo, aunque sea simbólico. Esto nos permitirá poder acceder a la documentación y a una legalidad mínima.

Entrevista a Ángel Hernández sobre el cortometraje Nom

¿Por qué has decidido ahora escribir un largometraje?

Paralelamente estoy escribiendo un largometraje. Aún no tiene ni título, pero sí te puedo decir que es una distopía futurista en la que de nuevo entra en conflicto la gente mayor con la gente joven. Volvemos a jugar con la confrontación entre juventud y senectud.

Sacamos el corto (Pescador) ahora porque en mi experiencia este año en el circuito de festivales todo el mundo me decía que un largo lleva mucho tiempo ponerlo en marcha, entre que tienes la idea y empiezas a rodar pueden pasar dos años. Me aconsejaron que siempre mantuviera un corto en los circuitos para seguir sonando. NOM ya está llegando al final de su recorrido, me comentaron que no estuviera dos años en blanco preparando el largo, sino que tuviera un corto en la recámara para que lo lanzara y lo mantuviera visible mientras avanzo el largo. Esto da la opción de acceder a nuevos festivales y hacer contactos que me ayuden con la pre y producción del largo.

Por tanto, son dos proyectos los que están en marcha. El corto Pescador que ya está casi listo, y estamos en fase de escritura del largometraje, que espero que esté terminado el guion, para poder empezar a moverlo, a mediados de 2021.


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster en Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

Publicada originalmente en enero de 2021

 

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Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Profundizamos en la plataforma de contenido audiovisual en streaming Filmin, para desgranar qué innovaciones ha introducido en el mercado y por qué su modelo de negocio funciona a pesar de la gran competencia que existe en este sector.

Introducción: qué es Filmin

Filmin es una plataforma de contenido audiovisual en streaming. A diferencia de otras empresas similares como HBO, Netflix o Amazon Prime, Filmin es una organización española. Pero no solo eso, sino que fue la primera compañía en ofrecer un servicio de tarifa plana en España.

Comenzó a operar en el año 2008 en nuestro país y en 2016 se extendió a Portugal. También está disponible en México a través de FilminLatino.

En su propia presentación del proyecto, Filmin habla de las empresas accionistas de la plataforma, destacando que son instituciones que apuestan por la calidad, el riesgo y la innovación. Entre ellas sobresalen: El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo o Avalon Distribución, entre otras.

Plataforma pionera en innovaciones

La primera innovación clara de este proyecto audiovisual es el propio proyecto, la propia plataforma, pues en 2008 no existían servicios similares en España, o no al menos, con la propuesta que ponía sobre la mesa Filmin.

Esto es porque su segunda innovación tiene que ver con su catálogo. Desde 2015 las plataformas de streaming internacionales (o más bien estadounidenses) comenzaron a desembarcar en España, empezando por Netflix.

El catálogo de estas empresas suele ser muy extenso y lleno de grandes nombres, de blockbuster, de estrenos de última hora, etc. Filmin es la única que se desmarca un poco aquí, ya que su catálogo está compuesto especialmente de clásicos y de cine español (aunque en este apartado tiene como principal competidora a FlixOlé).

En su web, Filmin aclara a quién va dirigido, destacando ese punto diferenciador que se ha comentado: “a los que buscan un complemento a la actualidad, los mejores clásicos, documentales y los grandes estrenos”.

Como ejemplo, por mucho que se rebusque, es complicado (si no imposible) encontrar una película del cineasta francés Éric Rohmer en Netflix, HBO o Amazon Prime. En Filmin hay 16 de sus películas dispuestas en un ciclo especial y que se complementan con otras recopilaciones de filmes que se inspiran en el cine rohmeriano.

Esta es la principal baza de Filmin, los usuarios ven el cine también como arte y no solo como entretenimiento y eso hace que su catálogo sea diferenciador con respecto a los demás. Pero no es solo esto lo que desmarca a Filmin del resto.

Según cuentan en su web, en la plataforma hay unos 10.000 títulos disponibles. Ahora bien, en las competidoras se paga una suma de dinero mensual y puedes acceder a todo el catálogo que haya disponible en tu país. No obstante, en Filmin se paga también una pequeña cantidad al mes, pero no se tiene acceso a todo el catálogo.

La plataforma deja que el usuario vea la mayoría de las películas, pero hay algunas, quizá estrenos recientes, películas de los Oscar, premiadas o que van a estar disponibles por tiempo limitado, a las que no se puede acceder con una suscripción normal (la más barata). Para ver estas habrá que tener una suscripción más cara que las incluya o pagarlas aparte. Es decir, al final también funciona como un videoclub online en el que tú compras una película y puedes verla durante las 72 horas siguientes.

Por tanto, si tienes una suscripción normal, podrás alquilar la película o comprar packs de vales para ir usándolos con las películas más premium. Por otro lado, las series sí son de libre acceso para todos los suscritos y, aunque no estés suscrito a Filmin, en el caso del cine, podrás hacer una cuenta en la plataforma y alquilar una película sin necesidad de comprometerte para pagar una vez al mes por el servicio.

Recursos esenciales con los que cuenta FILMIN

Los recursos más valiosos con los que cuenta Filmin son, en esencia, su catálogo. En un sistema de producción que ahora mismo está muy saturado, como es el contenido audiovisual, la plataforma ha sabido diferenciarse a través de su catálogo.

Este, como ya se ha mencionado, incluye unos 10.000 títulos que probablemente no se encuentren en ninguna otra plataforma de streaming. Filmin estrena películas y series de hace años como novedades, no está sujeta a la actualidad, como sí lo están el resto de sus competidores.

De hecho, anunciaron en 2020 que iban a empezar a producir su propio contenido, como hacen Netflix o HBO. La cosa está en que lo van a hacer 14 años después de haberse lanzado al mercado, cuando su modelo de negocio ya está muy consolidado y, además, funciona.

Por tanto, su recurso de más valor, y lo que hace que la gente se suscriba a Filmin, es que no se van a encontrar ciertos contenidos en otras plataformas. El mencionado ciclo de Éric Rohmer viene a ilustrar esto muy bien. Se puede hablar de su colección de películas de Rohmer, las de Truffaut o las de Fassbinder, sea como sea, estos filmes no van a estar en Netflix, porque el target de esta plataforma no los consumiría.

Filmin es un caso muy parecido a Jot Down en el ámbito del periodismo y la comunicación. Ambas empresas han sabido crear un nicho de mercado sólido, apoyándose mucho en las redes sociales, y fidelizar al espectador/lector dándole un contenido que no se puede encontrar en otro sitio y tratándole de tú a tú mediante la comunicación que se establece en las redes sociales.

Este sería el segundo recurso más importante de Filmin: fidelizar a la audiencia mediante la comunicación e interacción que se establece con ella en las redes sociales.

Si Filmin dejase de existir mañana, su contenido no se podría encontrar en ninguna otra plataforma similar a esta (quizá alguna película sí, por supuesto, pero solo un porcentaje pequeño de su catálogo) y ahí está su fortaleza.


Artículo publicado originalmente en julio de 2021. Redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster en Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Jesús Hernán: “Hay que poner buenos libros en manos de los lectores”

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Jesús Hernán ha vivido toda su experiencia laboral como emprendedor en diferentes proyectos. A pesar de haber estudiado Humanidades, pasó de la teoría a la práctica arriesgándose, como el mismo confiesa, sin ser demasiado consciente de lo que suponía emprender. En 2013 creó su proyecto cultural más especial, Yoleo Club (Legiland.club). Se trata de una plataforma para colegios e institutos que fomenta la lectura y comprensión lectora entre los más jóvenes.

Hemos hablado con Jesús para que nos cuente con detalle qué es Yoleo, cómo funciona y cómo ha sido el proceso emprendedor en este sector.

Antes de crear el actual proyecto en el que estás embarcado, Yoleo Club, ya habías creado otros como Disfrutalia, Bake250º o Smartech Ventures, ¿qué supone el emprendimiento en tu forma de entender la vida laboral?

Cuando no he emprendido es porque estaba entre una aventura y otra, ya que se necesitan tiempos de transición. Prácticamente toda mi vida profesional ha sido emprendimiento y quizá por eso lo vivo de manera bastante natural. Yo salí de la universidad y ya me puse a emprender porque lo que quería hacer solo lo podía hacer yo, estaba en mi cabeza. Para una persona que ha trabajado mucho tiempo en una empresa y de repente decide dar el salto al vacío, con una asunción de riesgo muy alto, puede ser complicado. En mi caso no tuve demasiada consciencia de ese riesgo porque siempre ha sido mi estado de vida natural.

Siendo las Humanidades algo eminentemente teórico, ¿cómo decides emprender?

Si te soy sincero cuando emprendí la primera vez no era muy consciente de lo que quería decir emprender. Yo quería hacer un proyecto que era lo que me apetecía y después intenté ganarme la vida con él. Una de las ventajas cuando uno está estudiando es que no tiene tanta necesidad económica, con lo justo vas pasando. En ese momento la parte económica es menos prioritaria que dedicar tiempo a algo que te satisface y que te llena y lo hice con esa intención, no con la mentalidad empresarial y, de nuevo, sin demasiada consciencia sobre el emprendimiento. Con el paso de los años fui viendo la parte más práctica de todo lo que envuelve a lo más empresarial, pero eso se aprende. Acabas sabiendo de recursos humanos, finanzas o impuestos y si no te rodeas de personas que lo saben hacer y poco a poco lo vas asumiendo.

Humanidades es cierto que es una carrera muy teórica y tiene cero enfoque en esa faceta más empresarial. Mi primer emprendimiento estuvo dirigido a una revista, estaba muy centrado en hacer contenidos y cursos para los mismos estudiantes de la universidad, era una cosa más de coordinación, contenidos y creación, después me di cuenta de que eso debía estar acompañado de ese envoltorio empresarial.

¿Qué es exactamente Yoleo Club? ¿Cómo surge la idea de crearlo?

A veces digo que Yoleo es una plataforma digital, pero es mucho más. Es un programa metodológico de motivación a la lectura. La idea es mejorar la comprensión lectora a partir de que los niños y los jóvenes encuentren el gusto por la lectura, que disfruten lo que están leyendo, que eso haga que lean más y que el hecho de que lo hagan de manera natural ayude a la comprensión lectora. El círculo virtuoso de la lectura es ese: cuanto más se lee mejor se lee y cuanto mejor se lee más se lee. No tiene más secreto. El gancho está en conseguir que realmente guste y sientan atracción por la lectura.

Esto es lo que hacemos en Yoleo, intentar que cualquier niño o joven, tenga el nivel, la edad o los gustos que sea, pueda encontrar alguna lectura que despierte su interés y a partir de ahí ir tirando del hilo, que adquieran un hábito saludable de lectura, que disfruten más con la lectura, que la compartan, entre otros. En torno al universo del gusto por la lectura es en el ámbito en que nos movemos como Yoleo.

El proyecto está enfocado en el mundo educativo, en primaria y secundaria. El producto principal de Yoleo es la plataforma en sí, Legiland.club. Nace de la experiencia personal, en primer lugar, de cómo se nos enseñó nosotros a querer la lectura y cómo se está enseñando hoy, que no es muy diferente a hace 30 años. Esto se basa principalmente en que se impone una lectura obligatoria en la que todos los niños leen lo mismo, no se da margen de maniobra para que decidan qué quieren leer e incluso dejándoles elegir aquello que quieran leer, no hay filtro ni criterio. Entre que lean todos lo mismo y que lean lo que quieran hay un punto intermedio que es en el que nosotros intentamos aportar valor.

¿Yoleo viene a ser un sustitutivo de las lecturas obligatorias de la primaria y la secundaria o es algo complementario?

Ciertamente se intenta sustituirlo o complementarlo, como mínimo, que no sea la única opción. Es verdad que la lectura obligatoria tiene su utilidad si se quiere trabajar en clase un autor, una época o una obra concreta. Hecho de cierta manera es útil que todo el mundo pueda leer un mismo libro. Hecho como la manera de trabajar por defecto la lectura es un error. Nosotros lo que queremos es que todos los niños tengan acceso a un universo de posibilidades amplio que ha sido filtrado por personas que conocen muy bien el ámbito literario infantil y juvenil, desde los clásicos hasta lo contemporáneo. La base de todo es que ellos puedan elegir o participar de esa elección.

Ahora mismo tenemos un abanico de unas 1.100 lecturas, que siguen siendo muchísimas para un niño que no sabe por dónde empezar. En función de su edad, sus gustos o gracias al profesor del centro en el que está se hacen selecciones que puede ser que interesen al alumno. A partir de aquí ya es que empiece a leer y ni siquiera hace falta que lea todo el libro, que es otro de los errores clásicos que se cometen al decir que cuando se empieza hay que acabar, el propio programa te dice que si quieres dejarlo puedes hacerlo e iniciar otra lectura.

Otra de las partes interesantes es que el profesor recibe una información a tiempo real de cómo está leyendo ese niño y si detecta que esa lectura no está siendo positiva para él, porque no la está entendiendo o le está aburriendo, le puede recomendar que coja otra, puede entablar una conversación y ver qué está pasando. Lo que tiene el profesor es información para gestionar ese aprovechamiento en cualquier tipo de lectura.

Legiland Club

¿Legiland.club se usa solo a nivel formativo en los colegios o se puede usar de forma individual por padres que quieran incentivar la lectura en sus hijos mediante esta plataforma?

Es solo a nivel de colegios. Tiene una justificación. Es cierto que nos lo estamos planeando, y llevamos un tiempo trabajando para adaptarlo a nivel particular, pero la metodología está muy centrada en una dinámica de clase, de aula, con un profesor en su papel de profesor y eso no es replicable en un entorno doméstico.

¿Qué impedimentos hubo a la hora de lanzar este proyecto de lectura?

Siempre que comienzas un proyecto te encuentras muchos impedimentos. Los principales suelen estar relacionados con el dinero, con los recursos que tienes para desarrollar la idea. Una vez que lo has desarrollado, también para promocionarlo. Puedo probarlo yo e ir a visitar colegios que tengo a mi alrededor, pero si ya quiero crecer, voy a necesitar contratar a personas que me ayuden en esa tarea, invertir en marketing o en adquisición y todo esto es dinero. El primer gran escollo que superar son los recursos económicos.

Entre desarrollar y hacer crecer el proyecto hay un gran reto que es probar que eso que ha salido de tu cabeza es algo con utilidad y cumple el propósito que te habías imaginado. En nuestro caso esto era ser capaces de motivar a los jóvenes para que lean. No es un propósito menor, sino algo que había que demostrar, una cosa es decirlo y otra hacerlo, y para eso nuestro planteamiento fue contactar con colegios con los que teníamos algún tipo de relación y seleccionamos algunos para que probaran Legiland.club durante el curso. Por nuestra parte hicimos un seguimiento para ver cómo funcionaba, cuáles eran los problemas y hacer una iteración para posibilitar todas las mejoras necesarias del siguiente curso, teniendo ya los fallos que mejorar y el feeback de los niños y los profesores. Esto sirve para mejorar la plataforma y para ir con la confianza de encontrar recursos para crecer. Seguramente esa fue la primera fase complicada.

La segunda es que hay una diferencia entre ir a un colegio y que pruebe Legiland.club gratis y otra convencerlos para que paguen por algo que has hecho tú. Ese también es un impedimento complicado que fue superado y después nos encontramos con que, de nuevo, no es lo mismo convencer a cuatro locos que paguen por la plataforma, aquellos que se emocionan y son muy innovadores, a que lo haga un gran volumen de colegios, cuando la mayoría de personas somos conservadoras, especialmente en lo relativo a temas de trabajo. Ahí debes tener una gran capacidad de selección y es el tercer gran escollo que hay que superar.

¿Cómo conseguisteis la financiación para ponerlo en marcha?

La financiación la pusimos nosotros principalmente a raíz de ahorros. Este proyecto nació mientras estaba trabajando en Bake y se basaba en desarrollo de tecnología, diseño y marketing. Aprovechando esos recursos, a nivel humano y económico, cumplimos el primer hito que fue desarrollar esta plataforma de trabajo para colegios y demostrar que, al menos a unos cuantos, les resultaba útil. A partir de que ya has demostrado eso, también necesitas buscar más dinero, pero ya vas con un proyecto más sólido.

A día de hoy tenemos diferentes fuentes de financiación. No nos hemos desarrollado mucho gracias a tener financiación privada, hemos tenido, pero no tenemos capital riesgo, por ejemplo. Nuestro tipo de inversor parte más de amigos, familia y gente interesada en el proyecto, socios, en la financiación inicial. Pero después tenemos financiación bancaria a través de créditos, subvenciones con el Ministerio de Cultura, la Generalitat de Cataluña, ENISA a nivel público nacional. Esta sería una combinación entre inversión privada, banca y pública. Después los clientes, que es el mejor tipo de fuente de financiación.

¿Cuánto se ha notado en los colegios en los que está Legiland el cambio en el hábito de lectura de los alumnos?

El primer año ya se nota un cambio importante, sobre todo, en cuanto a lo que sería la motivación hacia la lectura o la manera en la que se encara el momento de la lectura. En eso es bastante inmediato y si el colegio asume el proyecto con ilusión, que es lo que suele suceder, y hay implicación por parte del profesorado, es algo que enseguida notas. Para eso no hace falta tecnología, simplemente hay que poner buenos libros en manos de los lectores.

El segundo año o el tercero lo que se va viendo es una evolución en cuanto a la cantidad de lecturas que van haciendo los alumnos de ese mismo colegio. Generalmente el tercer año es en el que más crecimiento hay. Los tres primeros años es cuando más se nota la diferencia.

Legiland ayuda a hacer un seguimiento de la comprensión lectora de cómo el alumno está haciendo la lectura. La plataforma evalúa siguiendo criterios PISA, en los diferentes niveles y habilidades lectoras, desde la comprensión general del texto, extracción de información, análisis metanarrativo. Para cada lectura nosotros desarrollamos todo un contenido con cuestionarios y actividades, que el alumno, a medida que va leyendo, va completando. En función de los resultados va actuando de una forma o de otra y hace el seguimiento.

Estas actividades están relacionadas con una mecánica de gamificación, funciona con puntos, niveles, avatares, medallas, misiones, hay todo un conjunto de retos y logros que el alumno va consiguiendo a medida que avanza la lectura y en las actividades. La motivación principal se basa en la lectura, porque son libros adecuados para cada tipo de lector, el resto es la guinda del pastel. Es muy importante esta guinda, pero no marca la diferencia, lo difícil del proyecto es elegir las lecturas adecuadas y trabajarlas adecuadamente para que cada lector encuentre lo que le motive.

¿En qué consiste es el proceso de selección de los libros que se incluyen en la plataforma?

Al año se publican miles de nuevos libros en infantil y juvenil y nosotros tenemos una representación muy pequeña de todo lo que se publica. Lo hacemos escuchando a las diferentes partes. Por un lado, a los propios alumnos y profesores que constantemente nos dan feedback y recomendaciones de libros que han leído y les han gustado. Hay profesores que trabajan libros que no tenemos y nos comentan que han funcionado muy bien, por lo tanto, es información de primera mano que continuamente nos están dando, se lo preguntamos directamente y de ahí ya sacamos un listado bastante amplio.

Por otro lado, tenemos a las editoriales con las que trabajamos. Nos envían novedades, pero también tienen experiencias directas con colegios y nos orientan sobre las obras que funcionan bien o tienen mucha demanda. Luego también están las bibliotecas y los expertos en literatura infantil y juvenil. Hay grupos de trabajo a nivel universitario o de otras empresas que ofrecen servicios de prescripción lectora a los colegios y con los que también tenemos contacto o que hacen públicamente recomendaciones que tenemos en cuenta.

Con todo eso, que sigue siendo mucho más de lo que podemos abarcar, hacemos un listado y vamos priorizando en función de las lecturas que van saliendo y ganando peso. Es como un ranking del que vamos incorporando cosas a nuestro catálogo.

¿Cómo se plantea el futuro de Yoleo Club a corto plazo?

Hasta el año pasado estábamos bastante centrados en zona norte porque nacimos en Barcelona y de manera natural hicimos un crecimiento en círculo y en red, poco a poco se fueron agregando colegios de las Islas Baleares, donde tenemos mucha presencia, de Valencia y luego de País Vasco. Precisamente este año hemos hecho una inversión y desarrollo para crecer a nivel nacional y también internacionalmente. Igual que hicimos el proceso de probar Legiland en Cataluña, cuando vas a otro país tienes que pasar por lo mismo, empezar haciendo pilotos en colegios de fuera. Ahora estamos haciendo eso en Chile, México y Argentina, en función de como vaya creceremos más o menos en cada país, ya que cada uno tiene sus particularidades.

 


Entrevista publicada originalmente en septiembre de 2021, realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster en Dirección y Gestión en Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

En el marco del evento Saltos de Eje, se desarrolló un interesante coloquio sobre incentivos y oportunidades en el mundo del cine, especialmente para directores y productores noveles.

La moderadora de esta charla fue Alicia Albares, guionista, directora de cine y distribuidora en YAQ Distribución. Los cuatro ponentes, además, eran personalidades consolidadas dentro de la industria cinematográfica en España. Estuvieron presentes Teresa Azcona, Videpresidenta de Spain Film Commission, que habló sobre incentivos fiscales que puede comportar hacer cine, Peter Andermatt de la Oficia Media España que habló de las ayudas e incentivos europeos, Gemma Vidal de La Incubadora de la ECAM un programa centrado en ayudar a productores emergentes y, por último, Gabriel Ochoa de Valencia Pitch Forum, que explicó en qué consiste un pitch.

Para empezar este artículo vamos a centrarnos en lo último mencionado, el pitch, ya que supone un primer paso para un guionista, director, productor o para un equipo a la hora de mostrar su idea a productores que pueden adquirirla y darles la financiación para comenzar el proyecto.

Qué es un pitch y por qué es importante

Cuando un guionista o productor tiene una historia y necesita financiación para hacerla realidad, la técnica del pitch es muy empleada, sobre todo, en gente que no tiene contactos en la industria y que hace su primera incursión en ella.

El Pitch consiste en preparar un resumen muy breve de lo que trata la película o del plan de financiación que se ha hecho, grosso modo, y contárselo a los productores que, en cuestión de minutos, evaluarán si el proyecto merece la pena o no.

Es muy conocido el pitch de ascensor. Esto se trata más bien de un ejercicio para resumir (o incluso encontrar) las partes más importantes del proyecto. Consiste en imaginar que te encuentras con un gran productor o cineasta en el ascensor y tienes apenas unos segundos para presentarte, contarle tu historia y que quede tan impresionado que quiera rodarla. Es un ejercicio útil para identificar las partes de las que es vital hablar y cuáles son prescindibles en una primera toma de contacto.

En Saltos de Eje, Gabriel Ochoa, del Valencia Pitch Forum, estuvo presente para hablar acerca de este encuentro entre productores, creadores y empresas. Tal y como Ochoa lo describe, “es un evento formativo”. Se centra especialmente en guionistas o guionistas y directores. Se organiza un evento al que pueden acudir estos a presentar sus ideas ante productores, plataformas o cadenas de televisión. Tiene una parte formativa, pero también una de industria en la que se presentan los proyectos a los potenciales financiadores mediante un pitch.

“El negocio está cambiando, en ese sentido creo que para bien para los creadores, es una oportunidad, pero no sabemos hasta dónde va a llegar”, comenta Gabriel.

De ahí la importancia de hacer un buen pitch, ya que puede significar que, de la noche a la mañana, la propuesta tenga financiación y sea algo más que un guion en un cajón, convirtiéndose en una película con vida propia.

Cómo poner en marcha un proyecto cinematográfico: La Incubadora

Una vez que se tiene la financiación o los mecenas necesarios, el siguiente paso es poner en marcha el proyecto. La Incubadora de la ECAM (Escuela de Cine y Audiovisual de Madrid) es un programa centrado en productores. Existe un objetivo que se divide en dos. Por un lado, está el proyecto y, por el otro, las personas que están detrás, que lo impulsan.

Para poder presentarte a este programa de la ECAM es necesario ser un productor emergente. Esto quiere decir que se debe tener un proyecto en desarrollo con un director novel que, como máximo vaya a grabar su tercera película. Hay tres cosas que tienen en cuenta desde este proyecto: la calidad de los guiones, la viabilidad y el perfil de los solicitantes.

En La Incubadora colaboran con festivales como el de Torino, San Sebastián, Toronto y Róterdam. En su primera edición, este proyecto contó con la participación de Netflix, Movistar, Atresmedia y RTVE. Finalmente, Netflix va a sacar un proyecto que conoció gracias a La Incubadora. “Esto da lugar a oportunidad, las líneas editoriales son bastante claras, puedes tener un acceso, pero depende de la línea de proyecto de cada foro, que case el proyecto con el rollo del evento”, afirma Gemma Vidal.

Es complicado porque la industria cinematográfica es muy cerrada y endogámica, pero acudiendo a eventos como los propuestos por el Pitch Forum de Valencia o La Incubadora de la ECAM se puede conseguir una muy buena oportunidad para entrar en el sector.

Incentivos fiscales en la industria cinematográfica

Teresa Azcona habló durante el evento de Saltos de Eje acerca de los incentivos fiscales que pueden recibir empresas al invertir en una película o creación audiovisual. En mayo estos incentivos subieron del 25% al 30%, en noviembre se realizaron modificaciones que afectaron a la inversión extranjera en efectos especiales y en diciembre la modificación que afectó a la inversión privada en las producciones audiovisuales.

“La interpretación desde el sector es que les gustaría que esto fueran herramientas para que se canalicen fondos de inversores privados a proyectos audiovisuales sin la complejidad de las AIE (Asociación de Interés Económico)”, afirma Azcona.

La inversión ha aumentado, especialmente por el auge en el consumo del contenido audiovisual seriado. Se está invirtiendo mucho en televisión. Se va a adaptar la normativa a la nueva ley de comunicación audiovisual en España. La intención es trasponer lo que pide la Unión Europea, que es en esencia, que las plataformas de streaming hagan negocio en Europa, con la condición de que se respeten la cultura y patrimonio de cada país.

Teresa Azcona explica que el incentivo fiscal te suele resolver el 25% de la producción (no digo el 30% porque el inversor privado también querrá su rentabilidad). Las ayudas pueden ser hasta un 50%, en los cortos, sumando subvenciones e incentivos, pueden llegar al 80%. Luego hay otras vías como derechos vendidos a televisión, patrocinios y con venta a distribuidores para exhibición”.

Según Teresa, toda productora es una empresa y su objetivo debe ser el resultar viable como tal. Deben gestionar, saber de marketing y financiación, conocer quién puede ayudar o acompañar en según qué procesos, entre otras cosas. Recalca la importancia de conocer el mercado.

Oportunidades a nivel europeo: Oficina Media España

Peter Andermatt fue el representante de Oficina Media España en la conferencia sobre nuevas oportunidades del sector audiovisual de Saltos de Eje.

Este programa está determinado desde Bruselas y tiene 14 líneas de ayuda distintas. Entre ellas destacan la formación y las ayudas al desarrollo propiamente dicho del proyecto. En esencia, la Oficina Media España es una red de contactos. Andermatt recomienda ir hasta allí para conocerlos en persona y saber en qué pueden ayudar a la hora de producir una película o una serie, ya que también realizan funciones de consejería.

En el momento que atravesamos, Peter tiene claro que “se han multiplicado las audiencias. Las plataformas han cambiado totalmente el tablero, una oportunidad importante para los productores. Lo primero que habría que hacer es conocer la oferta y demanda del mercado, este es cada vez más complejo y conviene investigarlo”.

Es muy importante, como recalca Andermatt, conocer el mercado, estar documentado para saber por qué proyectos apostar y también estar conectado con los diferentes agentes que integran la cadena de valor. “Los creadores son el alma del proyecto, pero hay que saber vender muy bien. Las presentaciones de los proyectos suelen acabar mal porque la gente no tiene en cuenta los estándares de la industria profesional a la hora de presentar el proyecto”, recalca Peter, añadiendo que esto último puede marcar la diferencia. Es preciso llamar la atención de alguien con poder de decisión y para eso da igual si eres grande o pequeño, lo importante es conocer el contexto y destacar los puntos fuertes del proyecto.

Debido a la gran cantidad de productos audiovisuales que hay en el mercado, la gente quiere variedad. Es un incentivo para el espectador descubrir productos y talentos nuevos. Como ejemplo, en su día, estaba Xavier Dolan, que destacaba por ser muy joven (contaba con 19 años cuando hizo su primera película) o Carla Simón, que debutó hace unos años con su ópera prima Verano de 1992.

Saltos de Eje

La mesa redonda «Incentivos y oportunidades para la creación española y europea», se desarrolló en el marco de Saltos de Eje, encuentro sobre los retos y oportunidades del cine

 

La no-paridad en el cine

En cuanto a la predominancia de películas y series dirigidas por hombres frente a las capitaneadas por mujeres, los incentivos premian esto.

Según explicó Teresa Azcona en la conferencia, “el límite de apoyo público de un proyecto es un 50%, pero si ese proyecto lo lleva una mujer esto sube al 75%”.

Para Gemma Vidal, de la ECAM, las políticas culturales están apoyando en esa línea. “Es importante el papel de los seleccionadores de contenido, ver quiénes son y qué decisiones toman en los comités”, añade.

Por su parte Peter aporta que desde Europa se está intentando potenciar tanto la igualdad de género como la diversidad. “Las cifras son muy mejorables, sobre todo en cuanto a igualdad de género”, sentencia. No obstante, una de las oportunidades que se van a poner en marcha desde la Oficina Media España es Mentoring, un programa enfocado a un colectivo determinado, por ejemplo, las mujeres, pero pueden ser otros grupos. “La idea es acercarnos a una cifra más igualada”, incide Peter.

Marketing y colaboración a la hora de poner en marcha un proyecto audiovisual

Esta conferencia de Saltos de Eje puso los puntos sobre las íes en cuanto a las oportunidades que existen para cineastas emergentes. Aún así, sigue siendo muy complicado optar a alguna de estas opciones, bien sea por falta de medios o simplemente porque no son muy conocidas entre el groso de la población.

Por ello, los ponentes, especialmente Andermatt y Azcona, incidieron sobre la importancia del marketing y de conocer bien el mercado y la industria en la que se quiere penetrar. Así, al hablar sobre géneros cinematográficos, Peter Andermatt hizo referencia a que “si queremos tener diversidad cultural en los cines y plataformas, hay que garantizar su visibilidad en el mercado”.

Y seguía diciendo que la gente no quiere ver siempre el mismo tipo de historias. Hoy más que nunca los públicos demandan diversidad, cuanta más mejor. Por su parte, Teresa Azcona dirigía el foco hacia la formación en marketing. Muchas veces a la hora de planificar la producción de una película no se tiene en cuenta que es necesario dedicar parte de la inversión al marketing. “En la financiación de la película, hay que tener en cuenta que una parte del dinero tiene que ir al marketing, el productor no tiene que saber de todo, pero debe buscar a un experto en marketing para que lo haga”, continuaba Teresa.

“Esta industria es colaborativa y si no te gusta el trabajo en equipo te equivocas de industria. Hay que hacer un ejercicio de conocimiento para saber dónde somos fuertes y dónde no, en base a eso buscar socios con los que complementarlos. Poligamia intelectual, hay que ser maduro y transparente para hacerlo bien”, apostillaba Andermatt, teniendo muy claro lo que dice.

Y es que hoy en día, a la hora de vender cualquier producto, especialmente uno cultural, es fundamental tener conocimientos de marketing y, por supuesto, aplicarlos. Como bien apuntan los ponentes mencionados, si no se tienen conocimientos hay que contactar con el mejor experto que sea posible y trabajar con él, explicarle la historia, los objetivos, el tono, para que pueda realizar una campaña lo más idónea posible.

A pesar de estar rodeados de publicidad y marketing parece que, en el trabajo artístico, los de dentro de la industria, no lo ven. Son ya célebres las campañas de promoción de Netflix o de HBO, que muchas veces generan más debate que los propios contenidos audiovisuales que publicitan.

Si detrás de un producto audiovisual no hay una buena lectura del mercado y una buena campaña de marketing, por genial que sea la obra, será como si nunca hubiera existido, de ahí la importancia de pensar muy bien este tema y dedicar parte del tiempo, el esfuerzo y la financiación al marketing.

 


Artículo redactado por Silvia Panadero, publicado originalmente en 2021, tras la I edición de Saltos de Eje, encuentro sobre los retos del cine.

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En el año 2019 se aprobaba la Directiva del Parlamento Europeo y del Consejo sobre derechos de autor en el mercado único digital.

Unos meses antes de esto, las redes sociales ardían. Influencers de todo tipo, y con toda clase de cifras, pedían a sus seguidores que apoyaran una campaña contra la aprobación de esta directiva. Incluso, Youtube, una de las plataformas más afectada por la entrada en vigor de esta nueva regulación, hizo un llamamiento a través del hashtag #SaveYourInternet para movilizar a la gente e intentar frenar la aprobación oficial en el Parlamento Europeo.

Pese a todo la directiva ha salido adelante. Aunque la regulación finalmente aprobada (artículo 17) no es tan radical como la que se propuso en un principio (artículo 13), el descontento y el temor por cómo pueda afectar esto al consumo y creación de contenido en internet sigue provocando mucha incertidumbre entre los creadores.

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Mapear las industrias culturales y creativas

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Qué es el mapeo, por qué se hace específicamente en las industrias culturales y creativas y qué pasos hay que seguir para hacer un buen mapeo.

La necesidad de los profesionales de los diferentes sectores culturales de agruparse, asegurarse su subsistencia económica o, incluso, la necesidad de los propios sectores de adaptarse al mercado y a la concepción capitalista del mundo para conseguir llegar con más eficacia al consumidor final, hicieron que comenzase a crearse una verdadera industria.

Con esto empezaron a parecer necesidades derivadas, desde el ámbito legislativo al de los recursos humanos. Aunque las artes y la cultura han existido siempre y son los cimientos de nuestras civilizaciones actuales, la concepción de industrias culturales y creativas aún está en pleno apogeo y el concepto comienza a ser, lentamente, de dominio público.

Por ello, herramientas como el mapeo de industrias culturales y creativas son cada vez menos desconocidas y más relevantes para las industrias culturales y creativas (ICC).

Qué es el mapeo

A finales de los años noventa en Gran Bretaña se empezó a utilizar un sistema desarrollado para ayudar a países, regiones y ciudades a pensar cuál era el valor de las industrias culturales y creativas.

El mapeo es un método eficaz para definir una tarea que, a su vez, engloba una serie de técnicas analíticas con el fin de recoger y presentar información relativa a la variedad y el alcance de la cultura y, en concreto, de las industrias culturales y creativas.

La intención principal es dar perspectiva al ámbito económico y, en ocasiones, tan controvertido, de este tipo de industrias. Esto se hace específicamente en lugares donde estas no están bien definidas o no se conocen, directamente.

Por qué mapear las industrias culturales y creativas

El concepto de industrias culturales y creativas y el del mapeo van de la mano. El Gobierno de Reino Unido creó una Mesa de Trabajo para las Industrias Culturales y Creativas en 1998, seguido de un reporte de seguimiento en el año 2001.

En 1998 se produjo el primer intento de mapeo sistemático cuyo objetivo era definir y medir las industrias culturales y creativas. El objetivo principal tenía dos vertientes. Por un lado, almacenar datos sobre estas industrias, por el otro, promover que se conocieran. Para esto último se contó la historia del surgimiento de esta industria de forma pública y accesible especialmente para políticos, periodistas, inversores, académicos y funcionarios.

El resultado de este primer estudio fue un hallazgo que sorprendió, ya que las industrias culturales y creativas creaban casi un millón de empleos y el 4% del PIB de Gran Bretaña, además de facturar unos siete millones y medio de libras en exportaciones.

Sin embargo, la cruz de esta moneda fue el descubrimiento de que las industrias culturales y creativas estaban divididas en empresas pequeñas y comerciantes y unas cuantas compañías, normalmente multinacionales, y muy grandes.

Este primer mapeo, además, concluyó qué sectores formaban parte de las ICC. Estos fueron arquitectura, arte y antigüedades, artes escénicas, artesanías, cine y vídeo, diseño, diseño de moda, edición, publicidad, música software de ocio interactivo, software y servicios de computación, radio y televisión.

En esencia, está definición es la que se mantiene hasta el día de hoy, si bien hay críticos y detractores que alegan como argumentos algunos matices que se salen de la definición estrictamente dada.

Mapeo en las industrias culturales y creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

En las industrias culturales y creativas hay, principalmente, cinco motivos por los que realizar un mapeo:

  1. Elevar el perfil de las industrias creativas. El mapeo es un método que pretende hacer que las industrias culturales sean tenidas en cuenta y su labor reconocida. Un mapeo puede poner subrayar el valor económico que tienen y que suele ser importante.
  2. Aprender sobre un sector, saber qué está ocurriendo y dónde. El mapeo puede revelar algunos patrones de agrupación o comportamiento de empresas culturales y saber cómo evolucionan. Esto es importante de cara al futuro.
  3. Planear el crecimiento futuro. Hay dificultades en estos sectores, como encontrar espacios de trabajo asequibles, acceso a internet de alta velocidad o conseguir mano de obra cualificada. El mapeo, en estos casos, ayuda a identificar necesidades y sugiere maneras de satisfacerlas.
  4. Comprometer a los líderes que tienen impacto en decisiones políticas relacionadas con las ICC. El mapeo es una base sobre la que se pueden construir argumentos a favor de políticas públicas que ayuden a las industrias culturales.
  5. Sustentar objetivos políticos o económicos más amplios. El influjo de las industrias culturales y creativas puede llegar a otros sectores o servir de herramienta para renovarlos, esto puede ocurrir con la regeneración urbana, el desarrollo rural o la cohesión social. El mapeo puede ser una herramienta para los que diseñan las políticas públicas, ya que pueden enseñarles cómo pueden usar distintas áreas para mejorar.

En qué consiste el mapeo

La siguiente tabla explica en siete pasos diferentes cosas que tener en cuenta a la hora de realizar un mapeo. Entre lo más significativo destaca tener claro los objetivos, darle un sentido práctico al mapeo o elegir el enfoque que se va a aplicar a la investigación.

mapear industrias culturales creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

El séptimo paso es decisivo y el último esfuerzo para terminar la investigación que dé como resultado un mapeo de las ICC. En este caso, sobre cómo mantenerse una vez que ya se conocen los resultados, es preciso ser muy perseverante, adoptar una visión a largo plazo y seguir recogiendo información adicional y difundiéndola ampliamente. Unido a esto, es igualmente vital el asegurarse de que las industrias creativas tengan un hueco en los medios de comunicación para expandir el mensaje, así como mantener el contacto con experto de economía creativa internacionales.

El mapeo es una herramienta que, precisamente, sirve para poner a las industrias culturales y creativas en el mapa, para demostrar que tienen valor por sí mismas, que son igual de necesarias que el resto de industrias y que tienen un importante peso económico en muchos países a nivel mundial.


Información adicional: Guía práctica para mapear las industrias creativas. Por BOP Consulting.


Artículo redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster en Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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