Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Formas de innovación en la industria audiovisual: el caso de Filmin

Profundizamos en la plataforma de contenido audiovisual en streaming Filmin, para desgranar qué innovaciones ha introducido en el mercado y por qué su modelo de negocio funciona a pesar de la gran competencia que existe en este sector.

Introducción: qué es Filmin

Filmin es una plataforma de contenido audiovisual en streaming. A diferencia de otras empresas similares como HBO, Netflix o Amazon Prime, Filmin es una organización española. Pero no solo eso, sino que fue la primera compañía en ofrecer un servicio de tarifa plana en España.

Comenzó a operar en el año 2008 en nuestro país y en 2016 se extendió a Portugal. También está disponible en México a través de FilminLatino.

En su propia presentación del proyecto, Filmin habla de las empresas accionistas de la plataforma, destacando que son instituciones que apuestan por la calidad, el riesgo y la innovación. Entre ellas sobresalen: El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo o Avalon Distribución, entre otras.

Plataforma pionera en innovaciones

La primera innovación clara de este proyecto audiovisual es el propio proyecto, la propia plataforma, pues en 2008 no existían servicios similares en España, o no al menos, con la propuesta que ponía sobre la mesa Filmin.

Esto es porque su segunda innovación tiene que ver con su catálogo. Desde 2015 las plataformas de streaming internacionales (o más bien estadounidenses) comenzaron a desembarcar en España, empezando por Netflix.

El catálogo de estas empresas suele ser muy extenso y lleno de grandes nombres, de blockbuster, de estrenos de última hora, etc. Filmin es la única que se desmarca un poco aquí, ya que su catálogo está compuesto especialmente de clásicos y de cine español (aunque en este apartado tiene como principal competidora a FlixOlé).

En su web, Filmin aclara a quién va dirigido, destacando ese punto diferenciador que se ha comentado: “a los que buscan un complemento a la actualidad, los mejores clásicos, documentales y los grandes estrenos”.

Como ejemplo, por mucho que se rebusque, es complicado (si no imposible) encontrar una película del cineasta francés Éric Rohmer en Netflix, HBO o Amazon Prime. En Filmin hay 16 de sus películas dispuestas en un ciclo especial y que se complementan con otras recopilaciones de filmes que se inspiran en el cine rohmeriano.

Esta es la principal baza de Filmin, los usuarios ven el cine también como arte y no solo como entretenimiento y eso hace que su catálogo sea diferenciador con respecto a los demás. Pero no es solo esto lo que desmarca a Filmin del resto.

Según cuentan en su web, en la plataforma hay unos 10.000 títulos disponibles. Ahora bien, en las competidoras se paga una suma de dinero mensual y puedes acceder a todo el catálogo que haya disponible en tu país. No obstante, en Filmin se paga también una pequeña cantidad al mes, pero no se tiene acceso a todo el catálogo.

La plataforma deja que el usuario vea la mayoría de las películas, pero hay algunas, quizá estrenos recientes, películas de los Oscar, premiadas o que van a estar disponibles por tiempo limitado, a las que no se puede acceder con una suscripción normal (la más barata). Para ver estas habrá que tener una suscripción más cara que las incluya o pagarlas aparte. Es decir, al final también funciona como un videoclub online en el que tú compras una película y puedes verla durante las 72 horas siguientes.

Por tanto, si tienes una suscripción normal, podrás alquilar la película o comprar packs de vales para ir usándolos con las películas más premium. Por otro lado, las series sí son de libre acceso para todos los suscritos y, aunque no estés suscrito a Filmin, en el caso del cine, podrás hacer una cuenta en la plataforma y alquilar una película sin necesidad de comprometerte para pagar una vez al mes por el servicio.

Recursos esenciales con los que cuenta FILMIN

Los recursos más valiosos con los que cuenta Filmin son, en esencia, su catálogo. En un sistema de producción que ahora mismo está muy saturado, como es el contenido audiovisual, la plataforma ha sabido diferenciarse a través de su catálogo.

Este, como ya se ha mencionado, incluye unos 10.000 títulos que probablemente no se encuentren en ninguna otra plataforma de streaming. Filmin estrena películas y series de hace años como novedades, no está sujeta a la actualidad, como sí lo están el resto de sus competidores.

De hecho, anunciaron en 2020 que iban a empezar a producir su propio contenido, como hacen Netflix o HBO. La cosa está en que lo van a hacer 14 años después de haberse lanzado al mercado, cuando su modelo de negocio ya está muy consolidado y, además, funciona.

Por tanto, su recurso de más valor, y lo que hace que la gente se suscriba a Filmin, es que no se van a encontrar ciertos contenidos en otras plataformas. El mencionado ciclo de Éric Rohmer viene a ilustrar esto muy bien. Se puede hablar de su colección de películas de Rohmer, las de Truffaut o las de Fassbinder, sea como sea, estos filmes no van a estar en Netflix, porque el target de esta plataforma no los consumiría.

Filmin es un caso muy parecido a Jot Down en el ámbito del periodismo y la comunicación. Ambas empresas han sabido crear un nicho de mercado sólido, apoyándose mucho en las redes sociales, y fidelizar al espectador/lector dándole un contenido que no se puede encontrar en otro sitio y tratándole de tú a tú mediante la comunicación que se establece en las redes sociales.

Este sería el segundo recurso más importante de Filmin: fidelizar a la audiencia mediante la comunicación e interacción que se establece con ella en las redes sociales.

Si Filmin dejase de existir mañana, su contenido no se podría encontrar en ninguna otra plataforma similar a esta (quizá alguna película sí, por supuesto, pero solo un porcentaje pequeño de su catálogo) y ahí está su fortaleza.


Artículo publicado originalmente en julio de 2021. Redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Jesús Hernán: “Hay que poner buenos libros en manos de los lectores”

Jesús Hernán: “Hay que poner buenos libros en manos de los lectores”

Jesús Hernán ha vivido toda su experiencia laboral como emprendedor en diferentes proyectos. A pesar de haber estudiado Humanidades, pasó de la teoría a la práctica arriesgándose, como el mismo confiesa, sin ser demasiado consciente de lo que suponía emprender. En 2013 creó su proyecto cultural más especial, Yoleo Club (Legiland.club). Se trata de una plataforma para colegios e institutos que fomenta la lectura y comprensión lectora entre los más jóvenes.

Hemos hablado con Jesús para que nos cuente con detalle qué es Yoleo, cómo funciona y cómo ha sido el proceso emprendedor en este sector.

Antes de crear el actual proyecto en el que estás embarcado, Yoleo Club, ya habías creado otros como Disfrutalia, Bake250º o Smartech Ventures, ¿qué supone el emprendimiento en tu forma de entender la vida laboral?

Cuando no he emprendido es porque estaba entre una aventura y otra, ya que se necesitan tiempos de transición. Prácticamente toda mi vida profesional ha sido emprendimiento y quizá por eso lo vivo de manera bastante natural. Yo salí de la universidad y ya me puse a emprender porque lo que quería hacer solo lo podía hacer yo, estaba en mi cabeza. Para una persona que ha trabajado mucho tiempo en una empresa y de repente decide dar el salto al vacío, con una asunción de riesgo muy alto, puede ser complicado. En mi caso no tuve demasiada consciencia de ese riesgo porque siempre ha sido mi estado de vida natural.

Siendo las Humanidades algo eminentemente teórico, ¿cómo decides emprender?

Si te soy sincero cuando emprendí la primera vez no era muy consciente de lo que quería decir emprender. Yo quería hacer un proyecto que era lo que me apetecía y después intenté ganarme la vida con él. Una de las ventajas cuando uno está estudiando es que no tiene tanta necesidad económica, con lo justo vas pasando. En ese momento la parte económica es menos prioritaria que dedicar tiempo a algo que te satisface y que te llena y lo hice con esa intención, no con la mentalidad empresarial y, de nuevo, sin demasiada consciencia sobre el emprendimiento. Con el paso de los años fui viendo la parte más práctica de todo lo que envuelve a lo más empresarial, pero eso se aprende. Acabas sabiendo de recursos humanos, finanzas o impuestos y si no te rodeas de personas que lo saben hacer y poco a poco lo vas asumiendo.

Humanidades es cierto que es una carrera muy teórica y tiene cero enfoque en esa faceta más empresarial. Mi primer emprendimiento estuvo dirigido a una revista, estaba muy centrado en hacer contenidos y cursos para los mismos estudiantes de la universidad, era una cosa más de coordinación, contenidos y creación, después me di cuenta de que eso debía estar acompañado de ese envoltorio empresarial.

¿Qué es exactamente Yoleo Club? ¿Cómo surge la idea de crearlo?

A veces digo que Yoleo es una plataforma digital, pero es mucho más. Es un programa metodológico de motivación a la lectura. La idea es mejorar la comprensión lectora a partir de que los niños y los jóvenes encuentren el gusto por la lectura, que disfruten lo que están leyendo, que eso haga que lean más y que el hecho de que lo hagan de manera natural ayude a la comprensión lectora. El círculo virtuoso de la lectura es ese: cuanto más se lee mejor se lee y cuanto mejor se lee más se lee. No tiene más secreto. El gancho está en conseguir que realmente guste y sientan atracción por la lectura.

Esto es lo que hacemos en Yoleo, intentar que cualquier niño o joven, tenga el nivel, la edad o los gustos que sea, pueda encontrar alguna lectura que despierte su interés y a partir de ahí ir tirando del hilo, que adquieran un hábito saludable de lectura, que disfruten más con la lectura, que la compartan, entre otros. En torno al universo del gusto por la lectura es en el ámbito en que nos movemos como Yoleo.

El proyecto está enfocado en el mundo educativo, en primaria y secundaria. El producto principal de Yoleo es la plataforma en sí, Legiland.club. Nace de la experiencia personal, en primer lugar, de cómo se nos enseñó nosotros a querer la lectura y cómo se está enseñando hoy, que no es muy diferente a hace 30 años. Esto se basa principalmente en que se impone una lectura obligatoria en la que todos los niños leen lo mismo, no se da margen de maniobra para que decidan qué quieren leer e incluso dejándoles elegir aquello que quieran leer, no hay filtro ni criterio. Entre que lean todos lo mismo y que lean lo que quieran hay un punto intermedio que es en el que nosotros intentamos aportar valor.

¿Yoleo viene a ser un sustitutivo de las lecturas obligatorias de la primaria y la secundaria o es algo complementario?

Ciertamente se intenta sustituirlo o complementarlo, como mínimo, que no sea la única opción. Es verdad que la lectura obligatoria tiene su utilidad si se quiere trabajar en clase un autor, una época o una obra concreta. Hecho de cierta manera es útil que todo el mundo pueda leer un mismo libro. Hecho como la manera de trabajar por defecto la lectura es un error. Nosotros lo que queremos es que todos los niños tengan acceso a un universo de posibilidades amplio que ha sido filtrado por personas que conocen muy bien el ámbito literario infantil y juvenil, desde los clásicos hasta lo contemporáneo. La base de todo es que ellos puedan elegir o participar de esa elección.

Ahora mismo tenemos un abanico de unas 1.100 lecturas, que siguen siendo muchísimas para un niño que no sabe por dónde empezar. En función de su edad, sus gustos o gracias al profesor del centro en el que está se hacen selecciones que puede ser que interesen al alumno. A partir de aquí ya es que empiece a leer y ni siquiera hace falta que lea todo el libro, que es otro de los errores clásicos que se cometen al decir que cuando se empieza hay que acabar, el propio programa te dice que si quieres dejarlo puedes hacerlo e iniciar otra lectura.

Otra de las partes interesantes es que el profesor recibe una información a tiempo real de cómo está leyendo ese niño y si detecta que esa lectura no está siendo positiva para él, porque no la está entendiendo o le está aburriendo, le puede recomendar que coja otra, puede entablar una conversación y ver qué está pasando. Lo que tiene el profesor es información para gestionar ese aprovechamiento en cualquier tipo de lectura.

Legiland Club

¿Legiland.club se usa solo a nivel formativo en los colegios o se puede usar de forma individual por padres que quieran incentivar la lectura en sus hijos mediante esta plataforma?

Es solo a nivel de colegios. Tiene una justificación. Es cierto que nos lo estamos planeando, y llevamos un tiempo trabajando para adaptarlo a nivel particular, pero la metodología está muy centrada en una dinámica de clase, de aula, con un profesor en su papel de profesor y eso no es replicable en un entorno doméstico.

¿Qué impedimentos hubo a la hora de lanzar este proyecto de lectura?

Siempre que comienzas un proyecto te encuentras muchos impedimentos. Los principales suelen estar relacionados con el dinero, con los recursos que tienes para desarrollar la idea. Una vez que lo has desarrollado, también para promocionarlo. Puedo probarlo yo e ir a visitar colegios que tengo a mi alrededor, pero si ya quiero crecer, voy a necesitar contratar a personas que me ayuden en esa tarea, invertir en marketing o en adquisición y todo esto es dinero. El primer gran escollo que superar son los recursos económicos.

Entre desarrollar y hacer crecer el proyecto hay un gran reto que es probar que eso que ha salido de tu cabeza es algo con utilidad y cumple el propósito que te habías imaginado. En nuestro caso esto era ser capaces de motivar a los jóvenes para que lean. No es un propósito menor, sino algo que había que demostrar, una cosa es decirlo y otra hacerlo, y para eso nuestro planteamiento fue contactar con colegios con los que teníamos algún tipo de relación y seleccionamos algunos para que probaran Legiland.club durante el curso. Por nuestra parte hicimos un seguimiento para ver cómo funcionaba, cuáles eran los problemas y hacer una iteración para posibilitar todas las mejoras necesarias del siguiente curso, teniendo ya los fallos que mejorar y el feeback de los niños y los profesores. Esto sirve para mejorar la plataforma y para ir con la confianza de encontrar recursos para crecer. Seguramente esa fue la primera fase complicada.

La segunda es que hay una diferencia entre ir a un colegio y que pruebe Legiland.club gratis y otra convencerlos para que paguen por algo que has hecho tú. Ese también es un impedimento complicado que fue superado y después nos encontramos con que, de nuevo, no es lo mismo convencer a cuatro locos que paguen por la plataforma, aquellos que se emocionan y son muy innovadores, a que lo haga un gran volumen de colegios, cuando la mayoría de personas somos conservadoras, especialmente en lo relativo a temas de trabajo. Ahí debes tener una gran capacidad de selección y es el tercer gran escollo que hay que superar.

¿Cómo conseguisteis la financiación para ponerlo en marcha?

La financiación la pusimos nosotros principalmente a raíz de ahorros. Este proyecto nació mientras estaba trabajando en Bake y se basaba en desarrollo de tecnología, diseño y marketing. Aprovechando esos recursos, a nivel humano y económico, cumplimos el primer hito que fue desarrollar esta plataforma de trabajo para colegios y demostrar que, al menos a unos cuantos, les resultaba útil. A partir de que ya has demostrado eso, también necesitas buscar más dinero, pero ya vas con un proyecto más sólido.

A día de hoy tenemos diferentes fuentes de financiación. No nos hemos desarrollado mucho gracias a tener financiación privada, hemos tenido, pero no tenemos capital riesgo, por ejemplo. Nuestro tipo de inversor parte más de amigos, familia y gente interesada en el proyecto, socios, en la financiación inicial. Pero después tenemos financiación bancaria a través de créditos, subvenciones con el Ministerio de Cultura, la Generalitat de Cataluña, ENISA a nivel público nacional. Esta sería una combinación entre inversión privada, banca y pública. Después los clientes, que es el mejor tipo de fuente de financiación.

¿Cuánto se ha notado en los colegios en los que está Legiland el cambio en el hábito de lectura de los alumnos?

El primer año ya se nota un cambio importante, sobre todo, en cuanto a lo que sería la motivación hacia la lectura o la manera en la que se encara el momento de la lectura. En eso es bastante inmediato y si el colegio asume el proyecto con ilusión, que es lo que suele suceder, y hay implicación por parte del profesorado, es algo que enseguida notas. Para eso no hace falta tecnología, simplemente hay que poner buenos libros en manos de los lectores.

El segundo año o el tercero lo que se va viendo es una evolución en cuanto a la cantidad de lecturas que van haciendo los alumnos de ese mismo colegio. Generalmente el tercer año es en el que más crecimiento hay. Los tres primeros años es cuando más se nota la diferencia.

Legiland ayuda a hacer un seguimiento de la comprensión lectora de cómo el alumno está haciendo la lectura. La plataforma evalúa siguiendo criterios PISA, en los diferentes niveles y habilidades lectoras, desde la comprensión general del texto, extracción de información, análisis metanarrativo. Para cada lectura nosotros desarrollamos todo un contenido con cuestionarios y actividades, que el alumno, a medida que va leyendo, va completando. En función de los resultados va actuando de una forma o de otra y hace el seguimiento.

Estas actividades están relacionadas con una mecánica de gamificación, funciona con puntos, niveles, avatares, medallas, misiones, hay todo un conjunto de retos y logros que el alumno va consiguiendo a medida que avanza la lectura y en las actividades. La motivación principal se basa en la lectura, porque son libros adecuados para cada tipo de lector, el resto es la guinda del pastel. Es muy importante esta guinda, pero no marca la diferencia, lo difícil del proyecto es elegir las lecturas adecuadas y trabajarlas adecuadamente para que cada lector encuentre lo que le motive.

¿En qué consiste es el proceso de selección de los libros que se incluyen en la plataforma?

Al año se publican miles de nuevos libros en infantil y juvenil y nosotros tenemos una representación muy pequeña de todo lo que se publica. Lo hacemos escuchando a las diferentes partes. Por un lado, a los propios alumnos y profesores que constantemente nos dan feedback y recomendaciones de libros que han leído y les han gustado. Hay profesores que trabajan libros que no tenemos y nos comentan que han funcionado muy bien, por lo tanto, es información de primera mano que continuamente nos están dando, se lo preguntamos directamente y de ahí ya sacamos un listado bastante amplio.

Por otro lado, tenemos a las editoriales con las que trabajamos. Nos envían novedades, pero también tienen experiencias directas con colegios y nos orientan sobre las obras que funcionan bien o tienen mucha demanda. Luego también están las bibliotecas y los expertos en literatura infantil y juvenil. Hay grupos de trabajo a nivel universitario o de otras empresas que ofrecen servicios de prescripción lectora a los colegios y con los que también tenemos contacto o que hacen públicamente recomendaciones que tenemos en cuenta.

Con todo eso, que sigue siendo mucho más de lo que podemos abarcar, hacemos un listado y vamos priorizando en función de las lecturas que van saliendo y ganando peso. Es como un ranking del que vamos incorporando cosas a nuestro catálogo.

¿Cómo se plantea el futuro de Yoleo Club a corto plazo?

Hasta el año pasado estábamos bastante centrados en zona norte porque nacimos en Barcelona y de manera natural hicimos un crecimiento en círculo y en red, poco a poco se fueron agregando colegios de las Islas Baleares, donde tenemos mucha presencia, de Valencia y luego de País Vasco. Precisamente este año hemos hecho una inversión y desarrollo para crecer a nivel nacional y también internacionalmente. Igual que hicimos el proceso de probar Legiland en Cataluña, cuando vas a otro país tienes que pasar por lo mismo, empezar haciendo pilotos en colegios de fuera. Ahora estamos haciendo eso en Chile, México y Argentina, en función de como vaya creceremos más o menos en cada país, ya que cada uno tiene sus particularidades.

 


Entrevista publicada originalmente en septiembre de 2021, realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster en Dirección y Gestión en Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Lo que debes saber sobre el Máster propio en Gestión en Industrias Culturales y Creativas

Lo que debes saber sobre el Máster propio en Gestión en Industrias Culturales y Creativas

Ahora que se acerca la fecha de inicio del Máster en Gestión en Industrias Culturales y Creativas (MAGIC) de la Universidad Miguel Hernández, en el blog hemos realizado un Q&A o “Preguntas y Respuestas” que ayudarán a resolver las dudas más frecuentes sobre el programa formativo: su formato, cuándo empieza, quiénes son los profesores, el precio de la matrícula…

Si tienes pensado realizar el Máster en Gestión Cultural, o aún estás barajando la posibilidad, te invitamos a que sigas leyendo…

¿En qué consiste este máster en gestión cultural?

Este Máster ha sido creado con la intención de proporcionar una formación completa en la gestión y dirección de organizaciones de industrias culturales y creativas. La formación tiene un fuerte carácter práctico, y busca aportar los recursos necesarios para que los alumnos puedan insertarse laboralmente al finalizar el programa, tanto en el ámbito público como en el privado, así como satisfacer las demandas de las instituciones y empresas en materia de gestión cultural. 

¿A quién va dirigido?

El Máster está dirigido tanto a titulados universitarios sin experiencia en el ámbito cultural y creativo que quieran adentrarse en este terreno profesional, como a profesionales que ya se encuentran trabajando en el sector que busquen dar un paso más y enfocar su carrera hacia la gestión y dirección con la seguridad que aporta una formación universitaria de posgrado (en este caso, un máster).

El alumnado del Máster es realmente diverso: muchos de ellos son profesionales en activo pertenecientes a diferentes ramas profesionales (derecho, gestión de empresas, comunicación, marketing, artes escénicas, música, turismo, bibliotecas, artesanía, museos, editoriales, cine y televisión, gestión de eventos y festivales, mundo del arte…), por lo que, para facilitar la conciliación del trabajo con los estudios, se imparte de manera online y con flexibilidad horaria. 

¿Qué aprenderé en él Máster en Gestión en Industrias Culturales y Creativas?

En el Máster obtendrás todos los conocimientos y recursos necesarios para que puedas dedicarte con éxito a la gestión y dirección de industrias culturales y creativas. Esto implica un currículo académico muy completo, con asignaturas como Gestión económico-financiera, Captación de fondos y mecenazgo, Fundamentos jurídicos, Gestión de Proyectos y Eventos, y Marketing Digital, todas adaptadas específicamente al ámbito de las industrias y organizaciones culturales y creativas.

 ¿Qué salidas laborales tiene este máster en gestión cultural? 

¡Muchísimas! Dada la variedad y diversidad que las industrias culturales y creativas implican, los alumnos del Máster pueden trabajar en multitud de empresas y organizaciones, tanto públicas como privadas. Te dejamos unos ejemplos, pero, ¡hay muchos más!

  • Gestor cultural.
  • Técnico en el ámbito de las industrias culturales y creativas.
  • Consultor de empresas y proyectos culturales.
  • Técnico de Comunicación Cultural.
  • Productor audiovisual.
  • Edición de libros y revistas.
  • Programación de eventos y agendas culturales.
  • Management y representación de artistas y creadores.
  • Gerencia de archivos y bibliotecas, en la conservación y ordenación del patrimonio cultural.

Accede a una lista más completa de salidas profesionales haciendo clic aquí.

 

Máster Gestión Cultural gestión musical

Si tu sueño es trabajar en la programación y gestión de festivales de música, entre otras muchas actividades vinculadas a la cultura y el mundo de las empresas creativas, ¡este es tu Máster!  Imagen de Collin Lloyd (Unplash).

¿Debo estar en posesión de un título universitario para acceder al máster?

Sí. Este Máster va dirigido exclusivamente a titulados de estudios universitarios oficiales.

¿Es presencial u online?

El formato es online, por lo que podrás realizar la formación estés donde estés, sin necesidad de desplazarte.

¿Cuál es el horario de las clases?

Las clases tienen un horario flexible que se adapta a la disponibilidad de cada estudiante, lo que facilita enormemente la conciliación de los estudios del Máster con el trabajo o la vida personal.

Puedes leer más sobre nuestra metodología aquí.

¿Quiénes son los profesores?

El profesorado del Máster está formado por docentes doctores y expertos acreditados en gestión de industrias culturales y creativas, por lo que aprenderás de primera mano cuál es el día a día de un gestor cultural y los retos más comunes a los que se enfrentan. Además, podrás contar con ellos para resolver dudas fuera de clase o para cualquier cuestión que necesites, además de que se te asignará un tutor/a durante el curso para que te acompañe en tu formación.

Puedes consultar la lista completa de nuestros profesores y profesoras aquí.

¿En qué países puede cursarse?

Al ser un Máster en formato online, puede cursarse desde cualquier parte del mundo. Tenemos alumnos provenientes tanto de España como de países de Latinoamérica: Chile, Colombia, Argentina, México… Las diferencias horarias tampoco suponen un problema ya que las clases se ofrecen también en diferido.

¿Qué precio tiene?

La matrícula en convocatoria ordinaria tiene un precio de 2.075,40 euros.

¿Cuándo empieza/acaba?

El Máster tiene una duración total de un curso académico (unos nueve meses) en convocatoria ordinaria: del 17 de enero al 31 de octubre de 2023.

¿Cuál es el plazo de matrícula?

El plazo para la matrícula para este año 16 de enero. Puedes realizar ya la matrícula a través del siguiente enlace: https://www.umh.es/contenido/Estudios/:tit_fpo_13199/datos_es.html

Todavía tengo dudas…

Si te queda alguna duda por resolver, no te preocupes: contacta con el equipo del Máster a través del formulario de contacto y estarán encantados de asesorarte en lo que necesites.  

¡Nos vemos en el Máster!

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Razones por las que cursar nuestro Máster en gestión Cultural

Razones por las que cursar nuestro Máster en gestión Cultural

El Máster propio en Gestión en Industrias Culturales y Creativas comenzará en enero de 2023. El plazo de matrícula está abierto.

Estas son algunas de las razones por las que cursar este Máster en Gestión Cultural.
Es posible que tengas otras cuestiones que aclarar, si es así, te invitamos a que contactes con nosotros y nos plantees tus dudas a través del formulario de contacto.

  • Formación Online. Las clases son en directo y el profesorado interactúa en tiempo real con los alumnos. Todo el contenido puede ser realizado online y a distancia. Se realizan incluso trabajos en grupo que enriquecen la experiencia formativa. Pero no es imprescindible estar en directo, no hay horarios, podrás visualizar la grabación en vídeo de las clases ya desarrolladas en cualquier horario, según tu propia disponibilidad. 

  • Compromiso de respuesta de 24 horas por parte del profesorado y tutores, lo que hace que todas las dudas y cuestiones sean resueltas de manera ágil y dinámica.

  • Se cuenta con un asesor personal experto en permanente disposición, a través de correo electrónico, teléfono, Whatsapp o foros, y que atiende de manera individual cualquier necesidad de los alumnos, siendo en enlace con las estructuras universitarias.

  • Se trata de un programa integral en cuanto a competencias profesionales de manera transversal facilitando el conocimiento desde una perspectiva global de todos los perfiles y sectores de las industrias culturales y creativas.

  • Las prácticas se realizan en organizaciones, empresas e instituciones de primer nivel en el sector, gestionadas por el Observatorio Ocupacional de la Universidad Miguel Hernández.

  • El Máster cuenta con una dimensión internacional, lo que permite la movilidad global a nivel de empleo y prácticas de su alumnado, pudiendo realizar intercambios a través del programa Erasmus.

  • Todos los trabajos y ejercicios de las diferentes asignaturas tienen una conexión directa con el mundo real.

  • Los profesores son profesionales de reconocido prestigio con larga experiencia y en activo, líderes en su ámbito de gestión.

  • El proceso educativo permite la conciliación de la vida personal, familiar y laboral para cumplir con los plazos de manera adecuada, todo ello supervisado por la Coordinación Académica.

  • A lo largo del Máster en Gestión Cultural se realizan talleres y seminarios prácticos con los principales referentes del sector de las industrias culturales y creativas.

  • Bolsa de empleo y sesiones personalizadas para la búsqueda de empleo y desarrollo profesional.

  • Biblioteca digital de contenidos: libros y revistas totalmente de acceso gratuito.

  • Campus Virtual de navegación sencilla para el acceso a internet y aplicación para acceder a servicios universitarios.

  • Vinculación permanente, actualización y asesoramiento personal una vez obtenida la titulación de Máster.

Estas son algunas de las razones por las que cursar este Máster en Gestión Cultural.

Es posible que tengas otras cuestiones que aclarar. para ello, te invitamos a que contactes con nosotros y nos plantees tus dudas a través del formulario de contacto.

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Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

En el marco del evento Saltos de Eje, se desarrolló un interesante coloquio sobre incentivos y oportunidades en el mundo del cine, especialmente para directores y productores noveles.

La moderadora de esta charla fue Alicia Albares, guionista, directora de cine y distribuidora en YAQ Distribución. Los cuatro ponentes, además, eran personalidades consolidadas dentro de la industria cinematográfica en España. Estuvieron presentes Teresa Azcona, Videpresidenta de Spain Film Commission, que habló sobre incentivos fiscales que puede comportar hacer cine, Peter Andermatt de la Oficia Media España que habló de las ayudas e incentivos europeos, Gemma Vidal de La Incubadora de la ECAM un programa centrado en ayudar a productores emergentes y, por último, Gabriel Ochoa de Valencia Pitch Forum, que explicó en qué consiste un pitch.

Para empezar este artículo vamos a centrarnos en lo último mencionado, el pitch, ya que supone un primer paso para un guionista, director, productor o para un equipo a la hora de mostrar su idea a productores que pueden adquirirla y darles la financiación para comenzar el proyecto.

Qué es un pitch y por qué es importante

Cuando un guionista o productor tiene una historia y necesita financiación para hacerla realidad, la técnica del pitch es muy empleada, sobre todo, en gente que no tiene contactos en la industria y que hace su primera incursión en ella.

El Pitch consiste en preparar un resumen muy breve de lo que trata la película o del plan de financiación que se ha hecho, grosso modo, y contárselo a los productores que, en cuestión de minutos, evaluarán si el proyecto merece la pena o no.

Es muy conocido el pitch de ascensor. Esto se trata más bien de un ejercicio para resumir (o incluso encontrar) las partes más importantes del proyecto. Consiste en imaginar que te encuentras con un gran productor o cineasta en el ascensor y tienes apenas unos segundos para presentarte, contarle tu historia y que quede tan impresionado que quiera rodarla. Es un ejercicio útil para identificar las partes de las que es vital hablar y cuáles son prescindibles en una primera toma de contacto.

En Saltos de Eje, Gabriel Ochoa, del Valencia Pitch Forum, estuvo presente para hablar acerca de este encuentro entre productores, creadores y empresas. Tal y como Ochoa lo describe, “es un evento formativo”. Se centra especialmente en guionistas o guionistas y directores. Se organiza un evento al que pueden acudir estos a presentar sus ideas ante productores, plataformas o cadenas de televisión. Tiene una parte formativa, pero también una de industria en la que se presentan los proyectos a los potenciales financiadores mediante un pitch.

“El negocio está cambiando, en ese sentido creo que para bien para los creadores, es una oportunidad, pero no sabemos hasta dónde va a llegar”, comenta Gabriel.

De ahí la importancia de hacer un buen pitch, ya que puede significar que, de la noche a la mañana, la propuesta tenga financiación y sea algo más que un guion en un cajón, convirtiéndose en una película con vida propia.

Cómo poner en marcha un proyecto cinematográfico: La Incubadora

Una vez que se tiene la financiación o los mecenas necesarios, el siguiente paso es poner en marcha el proyecto. La Incubadora de la ECAM (Escuela de Cine y Audiovisual de Madrid) es un programa centrado en productores. Existe un objetivo que se divide en dos. Por un lado, está el proyecto y, por el otro, las personas que están detrás, que lo impulsan.

Para poder presentarte a este programa de la ECAM es necesario ser un productor emergente. Esto quiere decir que se debe tener un proyecto en desarrollo con un director novel que, como máximo vaya a grabar su tercera película. Hay tres cosas que tienen en cuenta desde este proyecto: la calidad de los guiones, la viabilidad y el perfil de los solicitantes.

En La Incubadora colaboran con festivales como el de Torino, San Sebastián, Toronto y Róterdam. En su primera edición, este proyecto contó con la participación de Netflix, Movistar, Atresmedia y RTVE. Finalmente, Netflix va a sacar un proyecto que conoció gracias a La Incubadora. “Esto da lugar a oportunidad, las líneas editoriales son bastante claras, puedes tener un acceso, pero depende de la línea de proyecto de cada foro, que case el proyecto con el rollo del evento”, afirma Gemma Vidal.

Es complicado porque la industria cinematográfica es muy cerrada y endogámica, pero acudiendo a eventos como los propuestos por el Pitch Forum de Valencia o La Incubadora de la ECAM se puede conseguir una muy buena oportunidad para entrar en el sector.

Incentivos fiscales en la industria cinematográfica

Teresa Azcona habló durante el evento de Saltos de Eje acerca de los incentivos fiscales que pueden recibir empresas al invertir en una película o creación audiovisual. En mayo estos incentivos subieron del 25% al 30%, en noviembre se realizaron modificaciones que afectaron a la inversión extranjera en efectos especiales y en diciembre la modificación que afectó a la inversión privada en las producciones audiovisuales.

“La interpretación desde el sector es que les gustaría que esto fueran herramientas para que se canalicen fondos de inversores privados a proyectos audiovisuales sin la complejidad de las AIE (Asociación de Interés Económico)”, afirma Azcona.

La inversión ha aumentado, especialmente por el auge en el consumo del contenido audiovisual seriado. Se está invirtiendo mucho en televisión. Se va a adaptar la normativa a la nueva ley de comunicación audiovisual en España. La intención es trasponer lo que pide la Unión Europea, que es en esencia, que las plataformas de streaming hagan negocio en Europa, con la condición de que se respeten la cultura y patrimonio de cada país.

Teresa Azcona explica que el incentivo fiscal te suele resolver el 25% de la producción (no digo el 30% porque el inversor privado también querrá su rentabilidad). Las ayudas pueden ser hasta un 50%, en los cortos, sumando subvenciones e incentivos, pueden llegar al 80%. Luego hay otras vías como derechos vendidos a televisión, patrocinios y con venta a distribuidores para exhibición”.

Según Teresa, toda productora es una empresa y su objetivo debe ser el resultar viable como tal. Deben gestionar, saber de marketing y financiación, conocer quién puede ayudar o acompañar en según qué procesos, entre otras cosas. Recalca la importancia de conocer el mercado.

Oportunidades a nivel europeo: Oficina Media España

Peter Andermatt fue el representante de Oficina Media España en la conferencia sobre nuevas oportunidades del sector audiovisual de Saltos de Eje.

Este programa está determinado desde Bruselas y tiene 14 líneas de ayuda distintas. Entre ellas destacan la formación y las ayudas al desarrollo propiamente dicho del proyecto. En esencia, la Oficina Media España es una red de contactos. Andermatt recomienda ir hasta allí para conocerlos en persona y saber en qué pueden ayudar a la hora de producir una película o una serie, ya que también realizan funciones de consejería.

En el momento que atravesamos, Peter tiene claro que “se han multiplicado las audiencias. Las plataformas han cambiado totalmente el tablero, una oportunidad importante para los productores. Lo primero que habría que hacer es conocer la oferta y demanda del mercado, este es cada vez más complejo y conviene investigarlo”.

Es muy importante, como recalca Andermatt, conocer el mercado, estar documentado para saber por qué proyectos apostar y también estar conectado con los diferentes agentes que integran la cadena de valor. “Los creadores son el alma del proyecto, pero hay que saber vender muy bien. Las presentaciones de los proyectos suelen acabar mal porque la gente no tiene en cuenta los estándares de la industria profesional a la hora de presentar el proyecto”, recalca Peter, añadiendo que esto último puede marcar la diferencia. Es preciso llamar la atención de alguien con poder de decisión y para eso da igual si eres grande o pequeño, lo importante es conocer el contexto y destacar los puntos fuertes del proyecto.

Debido a la gran cantidad de productos audiovisuales que hay en el mercado, la gente quiere variedad. Es un incentivo para el espectador descubrir productos y talentos nuevos. Como ejemplo, en su día, estaba Xavier Dolan, que destacaba por ser muy joven (contaba con 19 años cuando hizo su primera película) o Carla Simón, que debutó hace unos años con su ópera prima Verano de 1992.

Saltos de Eje

La mesa redonda «Incentivos y oportunidades para la creación española y europea», se desarrolló en el marco de Saltos de Eje, encuentro sobre los retos y oportunidades del cine

 

La no-paridad en el cine

En cuanto a la predominancia de películas y series dirigidas por hombres frente a las capitaneadas por mujeres, los incentivos premian esto.

Según explicó Teresa Azcona en la conferencia, “el límite de apoyo público de un proyecto es un 50%, pero si ese proyecto lo lleva una mujer esto sube al 75%”.

Para Gemma Vidal, de la ECAM, las políticas culturales están apoyando en esa línea. “Es importante el papel de los seleccionadores de contenido, ver quiénes son y qué decisiones toman en los comités”, añade.

Por su parte Peter aporta que desde Europa se está intentando potenciar tanto la igualdad de género como la diversidad. “Las cifras son muy mejorables, sobre todo en cuanto a igualdad de género”, sentencia. No obstante, una de las oportunidades que se van a poner en marcha desde la Oficina Media España es Mentoring, un programa enfocado a un colectivo determinado, por ejemplo, las mujeres, pero pueden ser otros grupos. “La idea es acercarnos a una cifra más igualada”, incide Peter.

Marketing y colaboración a la hora de poner en marcha un proyecto audiovisual

Esta conferencia de Saltos de Eje puso los puntos sobre las íes en cuanto a las oportunidades que existen para cineastas emergentes. Aún así, sigue siendo muy complicado optar a alguna de estas opciones, bien sea por falta de medios o simplemente porque no son muy conocidas entre el groso de la población.

Por ello, los ponentes, especialmente Andermatt y Azcona, incidieron sobre la importancia del marketing y de conocer bien el mercado y la industria en la que se quiere penetrar. Así, al hablar sobre géneros cinematográficos, Peter Andermatt hizo referencia a que “si queremos tener diversidad cultural en los cines y plataformas, hay que garantizar su visibilidad en el mercado”.

Y seguía diciendo que la gente no quiere ver siempre el mismo tipo de historias. Hoy más que nunca los públicos demandan diversidad, cuanta más mejor. Por su parte, Teresa Azcona dirigía el foco hacia la formación en marketing. Muchas veces a la hora de planificar la producción de una película no se tiene en cuenta que es necesario dedicar parte de la inversión al marketing. “En la financiación de la película, hay que tener en cuenta que una parte del dinero tiene que ir al marketing, el productor no tiene que saber de todo, pero debe buscar a un experto en marketing para que lo haga”, continuaba Teresa.

“Esta industria es colaborativa y si no te gusta el trabajo en equipo te equivocas de industria. Hay que hacer un ejercicio de conocimiento para saber dónde somos fuertes y dónde no, en base a eso buscar socios con los que complementarlos. Poligamia intelectual, hay que ser maduro y transparente para hacerlo bien”, apostillaba Andermatt, teniendo muy claro lo que dice.

Y es que hoy en día, a la hora de vender cualquier producto, especialmente uno cultural, es fundamental tener conocimientos de marketing y, por supuesto, aplicarlos. Como bien apuntan los ponentes mencionados, si no se tienen conocimientos hay que contactar con el mejor experto que sea posible y trabajar con él, explicarle la historia, los objetivos, el tono, para que pueda realizar una campaña lo más idónea posible.

A pesar de estar rodeados de publicidad y marketing parece que, en el trabajo artístico, los de dentro de la industria, no lo ven. Son ya célebres las campañas de promoción de Netflix o de HBO, que muchas veces generan más debate que los propios contenidos audiovisuales que publicitan.

Si detrás de un producto audiovisual no hay una buena lectura del mercado y una buena campaña de marketing, por genial que sea la obra, será como si nunca hubiera existido, de ahí la importancia de pensar muy bien este tema y dedicar parte del tiempo, el esfuerzo y la financiación al marketing.

 


Artículo redactado por Silvia Panadero, publicado originalmente en 2021, tras la I edición de Saltos de Eje, encuentro sobre los retos del cine.

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¿Hacia dónde va la gestión cultural?

¿Hacia dónde va la gestión cultural?

El sector cultural abarca ámbitos muy distintos entre sí, como son el patrimonio, la literatura, el turismo, la música, el teatro, etc. Las industrias culturales y creativas suponen uno de los sectores de la cultura con más crecimiento y así se están erigiendo como un gran motor económico.

La cultura y la creatividad, en su forma de tejido industrial, son un elemento clave en el crecimiento de los países, generan un impacto positivo en la sociedad porque contribuye a potenciar el sentimiento de identidad comunitaria y genera cohesión social. Por enumerar algunos de sus aspectos más diferenciadores. (más…)

Qué es el artículo 17 y cómo afecta a los derechos de autor en internet

Qué es el artículo 17 y cómo afecta a los derechos de autor en internet

En el año 2019 se aprobaba la Directiva del Parlamento Europeo y del Consejo sobre derechos de autor en el mercado único digital.

Unos meses antes de esto, las redes sociales ardían. Influencers de todo tipo, y con toda clase de cifras, pedían a sus seguidores que apoyaran una campaña contra la aprobación de esta directiva. Incluso, Youtube, una de las plataformas más afectada por la entrada en vigor de esta nueva regulación, hizo un llamamiento a través del hashtag #SaveYourInternet para movilizar a la gente e intentar frenar la aprobación oficial en el Parlamento Europeo.

Pese a todo la directiva ha salido adelante. Aunque la regulación finalmente aprobada (artículo 17) no es tan radical como la que se propuso en un principio (artículo 13), el descontento y el temor por cómo pueda afectar esto al consumo y creación de contenido en internet sigue provocando mucha incertidumbre entre los creadores.

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Mapear las industrias culturales y creativas

Mapear las industrias culturales y creativas

Qué es el mapeo, por qué se hace específicamente en las industrias culturales y creativas y qué pasos hay que seguir para hacer un buen mapeo.

La necesidad de los profesionales de los diferentes sectores culturales de agruparse, asegurarse su subsistencia económica o, incluso, la necesidad de los propios sectores de adaptarse al mercado y a la concepción capitalista del mundo para conseguir llegar con más eficacia al consumidor final, hicieron que comenzase a crearse una verdadera industria.

Con esto empezaron a parecer necesidades derivadas, desde el ámbito legislativo al de los recursos humanos. Aunque las artes y la cultura han existido siempre y son los cimientos de nuestras civilizaciones actuales, la concepción de industrias culturales y creativas aún está en pleno apogeo y el concepto comienza a ser, lentamente, de dominio público.

Por ello, herramientas como el mapeo de industrias culturales y creativas son cada vez menos desconocidas y más relevantes para las industrias culturales y creativas (ICC).

Qué es el mapeo

A finales de los años noventa en Gran Bretaña se empezó a utilizar un sistema desarrollado para ayudar a países, regiones y ciudades a pensar cuál era el valor de las industrias culturales y creativas.

El mapeo es un método eficaz para definir una tarea que, a su vez, engloba una serie de técnicas analíticas con el fin de recoger y presentar información relativa a la variedad y el alcance de la cultura y, en concreto, de las industrias culturales y creativas.

La intención principal es dar perspectiva al ámbito económico y, en ocasiones, tan controvertido, de este tipo de industrias. Esto se hace específicamente en lugares donde estas no están bien definidas o no se conocen, directamente.

Por qué mapear las industrias culturales y creativas

El concepto de industrias culturales y creativas y el del mapeo van de la mano. El Gobierno de Reino Unido creó una Mesa de Trabajo para las Industrias Culturales y Creativas en 1998, seguido de un reporte de seguimiento en el año 2001.

En 1998 se produjo el primer intento de mapeo sistemático cuyo objetivo era definir y medir las industrias culturales y creativas. El objetivo principal tenía dos vertientes. Por un lado, almacenar datos sobre estas industrias, por el otro, promover que se conocieran. Para esto último se contó la historia del surgimiento de esta industria de forma pública y accesible especialmente para políticos, periodistas, inversores, académicos y funcionarios.

El resultado de este primer estudio fue un hallazgo que sorprendió, ya que las industrias culturales y creativas creaban casi un millón de empleos y el 4% del PIB de Gran Bretaña, además de facturar unos siete millones y medio de libras en exportaciones.

Sin embargo, la cruz de esta moneda fue el descubrimiento de que las industrias culturales y creativas estaban divididas en empresas pequeñas y comerciantes y unas cuantas compañías, normalmente multinacionales, y muy grandes.

Este primer mapeo, además, concluyó qué sectores formaban parte de las ICC. Estos fueron arquitectura, arte y antigüedades, artes escénicas, artesanías, cine y vídeo, diseño, diseño de moda, edición, publicidad, música software de ocio interactivo, software y servicios de computación, radio y televisión.

En esencia, está definición es la que se mantiene hasta el día de hoy, si bien hay críticos y detractores que alegan como argumentos algunos matices que se salen de la definición estrictamente dada.

Mapeo en las industrias culturales y creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

En las industrias culturales y creativas hay, principalmente, cinco motivos por los que realizar un mapeo:

  1. Elevar el perfil de las industrias creativas. El mapeo es un método que pretende hacer que las industrias culturales sean tenidas en cuenta y su labor reconocida. Un mapeo puede poner subrayar el valor económico que tienen y que suele ser importante.
  2. Aprender sobre un sector, saber qué está ocurriendo y dónde. El mapeo puede revelar algunos patrones de agrupación o comportamiento de empresas culturales y saber cómo evolucionan. Esto es importante de cara al futuro.
  3. Planear el crecimiento futuro. Hay dificultades en estos sectores, como encontrar espacios de trabajo asequibles, acceso a internet de alta velocidad o conseguir mano de obra cualificada. El mapeo, en estos casos, ayuda a identificar necesidades y sugiere maneras de satisfacerlas.
  4. Comprometer a los líderes que tienen impacto en decisiones políticas relacionadas con las ICC. El mapeo es una base sobre la que se pueden construir argumentos a favor de políticas públicas que ayuden a las industrias culturales.
  5. Sustentar objetivos políticos o económicos más amplios. El influjo de las industrias culturales y creativas puede llegar a otros sectores o servir de herramienta para renovarlos, esto puede ocurrir con la regeneración urbana, el desarrollo rural o la cohesión social. El mapeo puede ser una herramienta para los que diseñan las políticas públicas, ya que pueden enseñarles cómo pueden usar distintas áreas para mejorar.

En qué consiste el mapeo

La siguiente tabla explica en siete pasos diferentes cosas que tener en cuenta a la hora de realizar un mapeo. Entre lo más significativo destaca tener claro los objetivos, darle un sentido práctico al mapeo o elegir el enfoque que se va a aplicar a la investigación.

mapear industrias culturales creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

El séptimo paso es decisivo y el último esfuerzo para terminar la investigación que dé como resultado un mapeo de las ICC. En este caso, sobre cómo mantenerse una vez que ya se conocen los resultados, es preciso ser muy perseverante, adoptar una visión a largo plazo y seguir recogiendo información adicional y difundiéndola ampliamente. Unido a esto, es igualmente vital el asegurarse de que las industrias creativas tengan un hueco en los medios de comunicación para expandir el mensaje, así como mantener el contacto con experto de economía creativa internacionales.

El mapeo es una herramienta que, precisamente, sirve para poner a las industrias culturales y creativas en el mapa, para demostrar que tienen valor por sí mismas, que son igual de necesarias que el resto de industrias y que tienen un importante peso económico en muchos países a nivel mundial.


Información adicional: Guía práctica para mapear las industrias creativas. Por BOP Consulting.


Artículo redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Nuevas formas de leer

Nuevas formas de leer

La forma en la que el ser humano de interactúa con la cultura ha ido cambiando con el paso de los años. Los últimos 15 años han estado marcados por un cambio radical en cuanto a la forma de comunicarnos, en general.

En la industria musical esto es muy notorio. En pocos años los discos físicos y, hasta los reproductores de música en mp3 o mp4, han caído en el olvido y han muerto.

En la industria editorial esto no es tan reseñable. Sin embargo, en el metro hay la misma gente leyendo en una pantalla que abriendo un libro de papel. (más…)

Sesión informativa en directo el 1 de septiembre. Inscripción abierta.

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Sesión informativa en directo sobre el Máster propio en Gestión en Industrias Culturales y Creativas.

Con motivo de la apertura de matrícula para el curso 2022-2023 de este máster en gestión cultural, se desarrollará sesión en directo mediante videoconferencia, donde se explicará la metodología y el modelo de educación online, procedimientos de evaluación, prácticas, etc.

La inscripción en esta sesión es libre y gratuita. Cualquier persona interesada en el Máster en Gestión en Industrias Culturales y Creativas puede inscribirse y participar de esta sesión informativa en directo, simplemente cumplimentando el formulario de inscripción que se encuentra en esta misma página. Si te interesa, no dudes en inscribirte, podrás resolver todas las dudas sobre el Máster.

 
La sesión se desarrollará el jueves 1 de septiembre de 2022 a las 19:00 horas.
Horario peninsular de España (Madrid).
Sesión Informativa máster gestión cultural

Sesión informativa

1 de septiembre – 19:00 horas

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Los agentes culturales como garantes de la cultura

Los agentes culturales como garantes de la cultura

El papel de los agentes culturales está estrechamente relacionado con las políticas culturales. Estas últimas se hacen para mejorar el acceso a la cultura de la población, como base para remodelar ciudades, como necesidad para mejorar la educación, entre otras cosas.

En este sentido, el agente cultural puede intervenir en las políticas culturales y tener un papel diferente dependiendo del momento social, político o económico. Son intermediarios entre los ciudadanos y las políticas culturales (públicas o privadas). Se puede decir que los agentes culturales tienen un pie en temas de gobierno y legislación y el otro en la ciudadanía. Su tarea es detectar necesidades culturales en el territorio que sea su objeto de trabajo o mejora e implementarlas a partir de las políticas públicas.

Una sociedad que tenga un tejido potente de estos intermediarios contará con:

  • Un mapa de agentes repartidos por el territorio y a diferentes niveles (pueblo, ciudad, barrio, país).
  • Grado de consolidación según su nivel de tradición, historia o trayectoria, entre otros.
  • Capacidad crítica e intelectual, además de competencia para dar respuesta a las necesidades del entorno.
  • Capacidad de relación con los órganos de decisión.

Funciones de los agentes culturales

Algunas de las funciones o finalidades que los agentes culturales pueden cumplir son:

  • Analizar e interpretar la realidad social, dando respuesta a problemas o necesidades y organizando servicios para alcanzar sus objetivos.
  • Posibilitar y canalizar la participación e inclusión de grupos e individuos en su comunidad.
  • Aglutinar y crear estados de opinión sobre temas que preocupan con el fin de que se tenga en cuenta un tema determinado.
  • Ayudar a estructurar y construir demandas sociales, culturales o educativas, individuales o grupales, para trasladarlas a las organizaciones estatales y que estas puedan actuar en consecuencia.
  • Fomentar la autoorganización de servicios y asunción de responsabilidades públicas.
  • Ejercer una función prospectiva, descubriendo y evidenciando nuevas necesidades o problemas sociales.
  • Organizar plataformas con iniciativas privadas y mercantiles.
  • Dinamizar y garantizar el derecho de la ciudadanía a participar en la vida cultural.

Tipos de agentes culturales

En general, se puede decir que existen tres grandes grupos de agentes culturales.

Por un lado, están los de la administración pública, que se fundamenta en el interés. En estos podemos encontrar agentes como el propio Estado o Gobierno central, las comunidades autónomas, las diputaciones, comarcas o ayuntamientos.

Por otro lado, está el tercer sector o las organizaciones sin ánimo de lucro que, a su vez, se subdividen en fundaciones, asociaciones, organizaciones no gubernamentales, organizaciones comunitarias u otras agrupaciones.

Por último, están las organizaciones privadas, que normalmente persiguen su interés económico, pero que también tienen una filosofía propia. Entre estas destacan las empresas, profesionales autónomos, industrias, artistas o servicios variados.

A pesar de que estos podrían ser los agentes culturales ‘clásicos’, por llamarlos de algún modo, en los últimos tiempos han surgido más tipos diversos debidos a las nuevas necesidades sociales y culturales planteadas, especialmente, en barrios de las grandes ciudades. Como características comunes estos nuevos agentes comparten:

  • No se identifican como agentes culturales.
  • Muchos están fuera de la acción de las políticas culturales tradicionales.
  • No existe mucha relación con los anterior tipos de agentes culturales.
  • Algunos no reconocen la legitimidad del poder local por ser este motivo de conflicto en la comunidad.
  • Realizan sus actividades fuera del circuito clásico.
  • Intervienen en momentos muy determinados.
  • Al dominar más de una disciplina, interactúan entre diversos agentes.
  • No disponen de la estructura formal y legal.

Los agentes culturales deben interrelacionarse y suelen crear un tejido social con redes de gran potencial para una sociedad o territorio concretos, pero también deben hacer frente a algunas dificultades que es preciso enumerar para tener en cuenta. Entre estos obstáculos destacan falta de conocimiento o reconocimiento mutuo, falta de definición en la intención, niveles de relación poco desarrollados, falta de marco legislativo que se adecúe a la realidad, ausencia de instrumentos de relación, falta de habilidad en cuanto a la negociación, organizaciones diversas y con bajo índice de profesionalidad, dificultad para entenderse en la comunicación.

Los agentes culturales y la sociedad de la información

Es importante considerar el papel de los agentes culturales en una sociedad de la información que abre camino hacia muchas cosas y en la que es necesario combinar los formatos o medios de comunicación tradicionales con los nuevos medios de internet y las redes sociales. El auge de la información online ha hecho que se creen nuevas formas de interacción con la cultura y, por tanto, nuevas variables que los agentes culturales deben considerar a la hora de realizar su trabajo:

  • Rapidez de comunicación.
  • Otras formas de participación.
  • Crisis de los agentes culturales clásicos.
  • Cambio de estructura de las organizaciones culturales.
  • Cambio en los procesos de consumo cultural.
  • Aumento de la virtualidad en las interacciones culturales.
  • Valores y apreciación nuevos en cuanto a la cultura presencial o en vivo.

Este cambio en el consumo cultural ha motivado, en parte, que surjan otro tipo de agentes culturales que están alejados de la burocracia e instituciones y que interceden por aquellos que tienen menos acceso a la cultura o por formas alternativas de crear y distribuir los productos culturales.


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Cómo surgieron los podcast y cómo puedes hacer uno desde casa

Cómo surgieron los podcast y cómo puedes hacer uno desde casa

El concepto podcast, o podcasting, surge en el año 2004 a raíz de un artículo en The Guardian del periodista Ben Hammersly. Un año más tarde, en 2005, el diccionario Oxford eligió la palabra podcast como la más reseñable del año. Pero todo esto comenzó un tiempo antes, entre el 2000 y el 2003, Dave Winer y otros atrevidos, empezaron a probar la tecnología Really Simple Syndication (RSS). El objetivo era usar esto para incluir notas de voz en los blogs de la época.

No obstante, lo que se creó fue una nueva forma de hacer radio. No solo eso, sino que la posibilidad de que un particular pudiera hacer un programa de radio y subirlo a internet, se volvió algo común, que todo el mundo, a día de hoy, puede hacer si invierte un poco en un buen micrófono y algún programa de edición de audio.

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