2021, Año Internacional de la Economía Creativa para el Desarrollo Sostenible

2021, Año Internacional de la Economía Creativa para el Desarrollo Sostenible

¿Por qué 2021 es el Año Internacional de la Economía Creativa para el Desarrollo Sostenible?

Este año, 2021, la Organización de las Naciones Unidas (ONU) lo ha estipulado como el Año Internacional de la Economía Creativa. Antes de desarrollar esto, es preciso definir qué es la economía creativa y qué significado tiene que el presente año haya sido elegido para representarla.

Qué es la economía creativa

Se puede decir que la economía creativa es una rama de la economía que está relacionada con generar conocimientos e ideas. Esencialmente, estos conceptos abarcan a la industria cultural (cine, arte, diseño, publicidad, literatura) y la economía del conocimiento (educación, investigación, tecnología, robótica, telecomunicaciones).

John Howkins es considerado el padre de la definición de economía creativa. Howkins es un autor, profesor e investigador centrado en el área de las industrias creativas y culturales. En 2001 definió la economía creativa como “una economía en la que las ideas son los principales aportes y los principales resultados, en la que la gente dedica la mayor parte de su tiempo a generar ideas. Es una economía o sociedad en la que la gente se preocupa y reflexiona sobre su capacidad de generar ideas, en la que no se limita a ir a la oficina de 9 a 5 para hacer un trabajo rutinario y repetitivo, como se lleva haciendo desde hace años, ya sea en el campo o en las fábricas. Es una economía en la que la gente, allá donde se encuentre, hablando con los amigos, tomando una copa, al despertarse a las cuatro de la mañana, piensa que puede tener una idea que funcione de verdad, y no sólo una idea por el mero placer esotérico, antes bien, el motor de su carrera, condición e identidad”.

En una descripción algo más simple, pero igual de efectiva, puede decirse que la economía creativa se compone de una serie de operaciones que, como resultado, generan bienes culturales.

Para matizar estas definiciones algo más, es preciso concretar cuáles son las características de la economía creativa:

  • Los productos no se distinguen únicamente por funcionalidad y precio, sino también por sus cualidades inimitables.
  • Hay mucha incertidumbre en el sentido de saber qué productos funcionarán y qué desean los clientes.
  • El factor tiempo es crucial debido al progreso rápido de las sociedades y el conocimiento.
  • Más allá del mérito económico y social, los que trabajan creando valoran mucho el motivo y el sentido de su esfuerzo.
  • Este tipo de economía exige un enfoque de trabajo multidisciplinario.

Los años internacionales de la ONU

Desde 1959 la ONU viene señalando, con más o menos periodicidad, una causa por la que hay que luchar cada año. En el 59 lo primero que se destacó fue el Año Mundial de los Refugiados.

No es algo que se haga todos los años estrictamente, pero desde el 2001, se ha venido haciendo cada nuevo inicio de calendario salvo en 2007 y 2018.

En 2020 se declaró el Año Internacional de la Sanidad Vegetal. En 2021 se convino hacer el Año Internacional para la Eliminación del Trabajo Infantil, de las Frutas y Verduras, de la Paz y la Confianza y el Año Internacional de la Economía Creativa para el Desarrollo Sostenible.

Por qué se premia la economía creativa en 2021

En 2020 se produjo un punto de inflexión importante debido a la pandemia de la Covid-19. Esto ha hecho que el modo de vida se haya transformado, que cambien las escalas de prioridades de los ciudadanos y que la población se replantee ciertas cosas, como puede ser el caso, por ejemplo, de empezar a ser más sostenibles.

Es la época idónea para repensar los modos de producción y consumo. Si bien es cierto que la decisión de convertir 2021 en año de la economía creativa se tomó en 2019, antes de que ocurriera todo esto, la pandemia ha hecho más acuciante e importante que se piense en términos de desarrollo sostenible.

Otro punto importante es el gran número de personas que han perdido su puesto de trabajo debido a la crisis. En la resolución de la ONU en la que se reconoce 2021 como Año Internacional de la Economía Creativa para el Desarrollo Sostenible, se estipula que es fundamental “en la creación de empleo pleno y productivo y trabajo decente, el apoyo al emprendimiento, la creatividad y la innovación, el fomento de la formalización y el crecimiento de las microempresas y las pequeñas y medianas empresas, el estímulo de la innovación, el empoderamiento de las personas, la promoción de la inclusión social y la reducción de la pobreza”.

Según un estudio de la firma de servicios EY, la economía creativa representaba en 2015 el 3% del PIB mundial. Una cifra importante que suma más cuando se agrega valor cultural a las ganancias comerciales.

“Los datos regulares, confiables y comparables sobre la contribución de la economía creativa nos ayudarán a comprender mejor sus contribuciones socioeconómicas a todos los niveles: mundial, regional y nacional”, dijo Marisa Henderson, encargada del programa de economía creativa de Naciones Unidas.

Los países miembros de la ONU deberán, este 2021, trabajar codo con codo para mejorar la recopilación de datos en cuanto a la medición de la economía creativa e implementar procesos, formas de trabajar y de producir que, cada vez más, vayan enfocándose a este tipo de economía que incluye una parte muy importante de desarrollo sostenible y protección del medioambiente.


Fuentes de información adicional:

La economía creativa tendrá su momento en el año 2021: https://unctad.org/es/news/la-economia-creativa-tendra-su-momento-en-el-ano-2021

Resolución aprobada por la Asamblea General el 19 de diciembre de 2019 (ONU): https://undocs.org/es/A/RES/74/198

 


Artículo redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Blanca Gemma Fuerte Díaz-Balmori: “El máster te da las herramientas para que el ensayo-error sea un ensayo-realidad”

Blanca Gemma Fuerte Díaz-Balmori: “El máster te da las herramientas para que el ensayo-error sea un ensayo-realidad”

Blanca Fuerte es una creadora de contenido especializada en prensa musical. A raíz de especializarse en música e ir cogiendo experiencia decidió hacer el Técnico en Gestión de la Industria Musical de IGECA, que le permitió hacer prácticas en el departamento de comunicación del madrileño festival de música Mad Cool. Tras esto decidió continuar con su formación haciendo el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, gracias al cual está a punto de lanzar su proyecto musical Talento en crudo.

Este evento es un ciclo de conciertos que engloba principalmente la difusión de artistas jóvenes y emergentes, pero también el apoyo a salas o comercios especializados en música.

Charlamos con Blanca sobre su experiencia como estudiante del máster, como profesional de la comunicación musical y nos da los detalles de cómo será Talento en crudo, que será lanzado con los ciclos de conciertos el día 9 de mayo.

¿Qué te llevó a especializarte en música?

Mi pasión en general por la música. Tengo la espinita clavada porque siempre he querido tener mi proyecto artístico. Tuve mi banda con 16 años, edad a la que todos hacemos algún pinito de ese tipo, y al intentar tener una carrera artística vi que había muchas trabas que no tenían los grandes artistas sino los jóvenes talentos emergentes. Eso me hizo pensar que ellos necesitaban una alternativa de medios de difusión diferentes a los convencionales y que también pudieran hablar de esos proyectos, por eso empecé a escribir.

Empecé a escribir sobre música y al haber estudiado diseño en la facultad de Bellas Artes eso derivó en mi trabajo de fotógrafa de conciertos. Escribía para diferentes medios y en 2017 aproximadamente fundé mi web, Blanquinni.com. Ahí, yo personalmente, sin editor ni mediador, seleccionaba a las bandas emergentes que me pedían difusión haciendo un poco de dirección para prensa de mi propio medio. Ahora mismo en mi página web hay varios colaboradores escribiendo.

Blanquinni

¿Cómo pasaste de escribir sobre música a dedicarte a gestionar giras completas de artistas?

Cuando empecé en prensa se creó una red de contactos o agenda, que yo no esperaba que fuera tan grande. Al final al escribir sobre bandas unas van comentando con otras y me pedían también difusión. A raíz de todo esto una banda me pidió ayuda para cerrar algunas fechas para sus conciertos en salas que yo conocía. Estaba un poco perdida y decidí estudiar en IGECA el Técnico en Gestión de la Industria Musical porque me daba seguridad. A nivel amateur sabía más o menos cómo funcionaba la industria, pero si ya tenía el respaldo de un centro de estudios en el que me podía formar, conocer los entresijos e incluso hacer contactos para poder gestionar mejor a todos estos artistas, ¿por qué no estudiarlo?. Me ayudó a reforzar cosas que ya sabía y aprendí cosas que no sabía.

¿Cómo fue tu experiencia trabajando en un festival de música como Mad Cool?

El problema fue que vino la Covid-19 y se fastidió todo porque no pude continuar con ellos. Las conclusiones de haber trabajado allí son muy buenas. Primero porque el equipo de trabajo, a rasgos generales, es bastante pequeño y sin embargo se coordinan muy bien, se trabaja genial con ellos, son buenos compañeros y agradables. Y segundo porque están predispuestos a ayudarte a aprender y a conocer más de la industria.

La experiencia fue muy enriquecedora. Yo estaba más en el área de comunicación, pero pude conocer cómo se estructuraba el festival, los compañeros si preguntaba me ayudaban y eso es algo que considero muy positivo. Por eso hacer prácticas es muy importante, aunque ya hayas incluso trabajado, si es un sector que no conoces siempre te va a venir bien conocer esa área desde dentro. Estas prácticas me ayudaron a saber cómo funciona la organización de un festival desde dentro, desde fuera te puedes llegar a hacer una idea, pero hasta que no lo ves no sabes cómo se gestionan las cosas. Fue muy enriquecedor.

¿En qué consiste exactamente el proyecto Talento en crudo? ¿Qué papel tienes tú en este proyecto?

Surge a raíz del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas. Es un proyecto que siempre he querido hacer. La Fundación Iberoamericana de las Industrias Culturales y Creativas (FIBICC) es quien lo organiza y lo lleva a la práctica y yo coordino el proyecto. Voy a estar trabajando con esta fundación que me parece que tiene una misión muy enriquecedora para los jóvenes y por otro lado este proyecto forma parte de mi trabajo final de máster, yo también me voy a poder desarrollar y demostrar todo lo que he aprendido.

El proyecto es un programa de apoyo, que empieza el 9 de mayo, a talentos emergentes jóvenes. Esto es porque hemos visto unas carencias en la música, la gente joven con proyectos tiene todo muy complicado para desarrollarlo si empiezan desde cero. Lo que se quiere dar es una oportunidad, una oportunidad real. Es decir, tenemos una red de medios de comunicación con la que hemos realizado unos acuerdos, para que muchos de los artistas sean entrevistados y tengan un espacio donde expongan su proyecto, pero además van a llevarlo a la realidad haciendo conciertos. Ahora mismo tenemos la programación de mayo, junio y julio cerrada, pero en septiembre esperamos que se una más gente para dar proyección a su carrera.

¿Se centrará solo en artistas?

No. Hay una fuerte conexión de las salas de conciertos con los comercios locales que las circundan, muchos están orientados a temas musicales, como pueden ser tiendas de música, escuelas, entre otros. Lo que se quiere es conectar a los artistas que van a tocar con estos sitios, haciendo entrevistas dentro de los locales comerciales, entrevistando a los dueños de los comercios para que recomienden a artistas emergentes jóvenes, etc. Todo va a girar en torno a los artistas, pero queremos que las salas que lo han pasado tan mal ahora reciban nuestro apoyo, al igual que las tiendas de música y demás comercios centrados en este ámbito. Son lugares que cumplen una labor y digamos que queremos compensarles y ayudarles en su misión.

Talento en crudo Gestión Musical

¿Es un proyecto que se extiende a lo largo del año?

El ciclo de conciertos va a tener lugar ahora, pero va a ser como una especie de presentación del proyecto, porque es una parte de todo lo que va a englobar. Los puntos clave son la difusión en medios de talentos emergentes, el ciclo de conciertos y acuerdos con marcas que nos van a ceder vestuarios para hacer sesiones de fotos a los artistas y que puedan tener contenido para promocionarse. Ayudamos a la promoción ofreciéndoles material, ofrecemos oportunidad real con los conciertos y conectamos a los artistas con comercios de la zona.

Habrá también dos concursos, uno de ellos será un micro abierto y el premio será hacer un concierto para que puedan mostrar su talento y se haga una selección. En la Revista Contexto se hará, asimismo, otro micro abierto, ya que tienen un espacio en su redacción dedicado a estos eventos. La idea es que se muestren delante de un público, si antes no han tenido oportunidad. Y, por último, habrá un concurso con un productor importante, que es muy joven, y que controla mucho de la industria, y el premio será producir al artista ganador un single con una producción profesional.

¿Por qué decidiste hacer el Máster de Gestión Cultural de la UEMC?

Al acabar el curso que hice en IGECA y las prácticas en Mad Cool sentí que quería formarme aún más en este ámbito. Mi interés por la cultura es muy amplio y, aunque empecé con la música, quería conocer otros aspectos. Hoy en día muchos eventos culturales musicales, que es lo que más me llama la atención, están muy ligados a temas como patrimonio u otras artes, adaptación para lenguaje de signos y otras cosas. No quería cerrarme y ampliarlo más, para si en algún momento decido hacer un proyecto que sea algo más que solo música poder tener una base y saber que va a salir bien porque tengo el control. Me di cuenta de que Talento en crudo no era un proyecto de gestión musical, sino algo mucho más amplio. Por eso me decidí a hacer el máster.

Blanquinni

Blanca Gemma Fuerte Díaz-Balmori «Blanquinni»

¿Qué destacarías del máster?

Personalmente me gusta mucho que sea online. Me dedico a la prensa musical y no tengo un horario fijo, si fuera un máster presencial quizá no podría haberlo hecho. Lo que hago es muy itinerante y con estas clases, que son en directo pero quedan grabadas, las puedo incluso volver a ver, que es una gran ventaja. Esto último me encanta porque si algún concepto no lo he entendido bien lo tengo ahí. Otra de las cosas que me gusta mucho es la atención individualizada de los profesores, lo hacen todo de una manera dedicada y detallada, algo que he echado en falta en otros centros donde he estudiado. Además, si tienes interés y preguntas los profesores de verdad saben que tienes interés y se esfuerzan por ofrecerte lo mejor. Hay docentes a los que si fuera del año académico les preguntas te van a seguir respondiendo. Al final se forma una red que no es solo estudiar y tener un título, sino que es una red útil y real. Con los compañeros muchas veces también surgen proyectos a raíz de los trabajos en grupo de las diferentes asignaturas.

¿A quién recomendarías que hiciera este máster?

Realmente a artistas de cualquier ámbito (bailarines, músicos, actores) para que sepan cómo se gestiona y porque es un máster que te ayuda a emprender. Que un actor de teatro no se quede esperando una oportunidad laboral, si tiene una idea el máster le va a ayudar a hacerla real. Por otro lado, en mi caso, en la música, hay muchos compañeros que organizan eventos, pero lo hacen a la antigua, con ensayo-error. El máster te da las herramientas para que ese ensayo-error sea un ensayo-realidad. Si trabajas y trabajas bien eso te va a dar más oportunidades, pero si lo haces todo a medias no te va a beneficiar y te va a cerrar puertas. El máster en lugar de cerrarlas las abre. Se lo recomendaría tanto a perfiles más técnicos como a perfiles artísticos.

¿En qué te ha ayudado a nivel profesional cursar estos estudios?

Por una parte a darme cuenta de que había cosas que no estaba haciendo bien. El interés y las ganas ya las tenía, pero no tenía conocimiento real. Me he sentido muy realizada porque cuando te explican algo no se queda en el aire, te ayudan a desarrollarlo. Por ejemplo, yo he tenido una idea y esa idea se va a hacer. Cuando estudias algo y ves que no puedes trabajar de ello o no llega a ningún sitio te frustras. En cambio aquí te ofrecen emprender, te ayudan con tu proyecto y te dan las herramientas.


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Inicio: Octubre de 2021

La Unión Europea y la UNESCO lanzan varios proyectos y actividades culturales

La Unión Europea y la UNESCO lanzan varios proyectos y actividades culturales

A pesar de la difícil situación actual debido a la pandemia, las actividades en el sector cultural europeo no cesan, y con ellas las oportunidades de aprender. Desde aquí te animamos a que participes en los siguientes encuentros, organizados por instituciones tan importantes como el Instituto Europeo de Innovación y Tecnología y la UNESCO.


Abierta convocatoria para DigiTraining – Desarrollo de Capacidades digitales y audiovisuales (cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea).

DigiTraining está orientada específicamente a museos pequeños o medianos, así como a otras organizaciones culturales tangibles o intangibles, que tengan una estructura física e instalaciones accesibles al público general. Ahora ha lanzado una convocatoria abierta para candidaturas.

Un proceso de selección transparente elegirá un máximo de 60 organizaciones, cuyo personal formará parte de manera gratuita en las actividades de formación del proyecto, las cuales están organizadas por profesionales con experiencia en las organizaciones del consorcio. Una selección de los candidatos se beneficiará de servicios de apoyo y producción digital personalizados y creados a medida, directamente adaptados a su misión y necesidades. 

El proyecto responde a la necesidad urgente de proporcionar apoyo específico al sector del patrimonio cultural en un entorno en continuo cambio.

La convocatoria ya está abierta y pueden enviarse solicitudes hasta el 31 de mayo de 2021.

Más información en https://digitraining-heritage.eu/call-for-applications/


 

Plataforma de sectores e industrias culturales y creativas (CCSIs) – Instituto Europeo de Innovación y Tecnología, EIT.

Al unir organizaciones culturales y creativas con empresas, organizaciones superiores e investigación en un ecosistema de innovación paneuropeo, la nueva Comunidad de Conocimiento e Innovación (KIC, por sus siglas en inglés) del Instituto Europeo de Innovación y Tecnología (EIT) proporcionará soluciones innovadoras para ayudar a los sectores e industrias a ganar en fortaleza y resiliencia.

Accede aquí a la plataforma para industrias culturales para estar al tanto de nuevas convocatorias. La página se actualizará con frecuencia para ofrecer información actualizada. También puedes usar el buscador de colaboradores para formar un consorcio.


Conferencia presidencial “Cultura, cohesión e impacto social” 5-6 de mayo de 2021 (Presidencia portuguesa del Consejo de la Unión Europea).

El impacto y potencial de la cultura puede ser un medio potente para abordar los complejos problemas sociales a los que se enfrentan las sociedades contemporáneas. Esta conferencia tiene como objetivo ofrecer una mayor comprensión de los beneficios de la cultura en la cohesión social y aspira a proponer ideas para aumentar el impacto social de la cultura.

Puedes registrarte en el siguiente enlace: bit.ly/CultureSocialCohesion_PT


El Centro de Patrimonio Cultural de la UNESCO lanza el Observatorio del Clima del Patrimonio Cultural.

El cambio climático es uno de los asuntos más importantes de nuestro tiempo, y su impacto en las propiedades del Patrimonio Cultural es más evidente que nunca. ¿Cómo los datos de observación terrestre pueden prestar apoyo y promover acciones que mejoren la protección del patrimonio, particularmente en las áreas urbanas?. 

El pasado 26 de abril, El Centro de Patrimonio Mundial de la UNESCO, junto al Grupo para las Observaciones de la Tierra (GEO, por sus siglas en inglés) y la oficina griega del GEO, lanzó el nuevo Observatorio del clima en patrimonio urbano del GEO (UHCO). Esta colaboración aspira a aplicar las herramientas de observación terrestre para comprender y documentar el impacto del cambio climático en ciudades Patrimonio de la Humanidad. Este evento de lanzamiento tiene como objetivo reunir a expertos y personas interesadas provenientes de los campos más importantes de las áreas de cambio climático, observación terrestre y patrimonio urbano.


Semanas de Patrimonio – Visitas en Facebook Live (Casas Históricas Europeas).

Dado el gran éxito de la edición virtual del pasado año y en vista de la extensión de las restricciones de movilidad por Europa, esta primavera las Semanas de Patrimonio Europeas organizadas por Casas Históricas Europeas (EHH, por sus siglas en inglés) tendrán lugar, un año más, de forma online.

Dueños particulares de diferentes rincones de Europa abrirán y presentarán al público sus casas históricas en las redes sociales de la EHH a través de pequeñas visitas guiadas virtuales en vivo. 

El calendario para las visitas virtuales guiadas es el siguiente:

01/05/2021

08/05/2021

 

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Inicio: Octubre de 2021

El Parlamento Europeo publica sus objetivos estratégicos en educación para los próximos años

El Parlamento Europeo publica sus objetivos estratégicos en educación para los próximos años

En septiembre de 2020, la Comisión Europea hizo públicos sus objetivos en el Área de Educación Europea para 2025. Se trata de una ambiciosa estrategia que gira en torno a seis aspectos clave.

Ahora, en 2021, la Comisión ha lanzado el documento ‘Aproximaciones del Consejo y la Comisión al Área Europea de Educación: prioridades estratégicas y objetivos cuantitativos’.

Compartimos en esta entrada un resumen de los puntos estratégicos publicados en este informe por la Comisión Europea, que servirán a los profesionales y estudiantes de las industrias culturales para conocer las prioridades y objetivos a nivel europeo que marcarán los siguientes años en el área educativa y de movilidad de estudiantes entre países.

Prioridades estratégicas del Parlamento Europeo en el área educativa

El Parlamento Europeo ha actualizado sus líneas estratégicas en Educación con un mayor enfoque en la movilidad y el aprendizaje a lo largo de toda la vida y un menor énfasis en inclusión y dimensión geopolítica.

  • Prioridad Estratégica 1: mejorar la calidad, equidad, inclusión y éxito en educación y formación.
  • Prioridad Estratégica 2: convertir el aprendizaje y la movilidad durante toda la vida en una realidad.
  • Prioridad Estratégica 3: aumentar las competencias y la motivación en el profesorado.
  • Prioridad Estratégica 4: reforzar la educación superior en Europa.
  • Prioridad Estratégica 5: apoyar la transición digital y ecológica en, y a través de, la educación y formación.

objetivos en educación establecidos por el Consejo Europeo

Extracto del informe sobre objetivos en educación establecidos por el Consejo Europeo: 

https://www.europarl.europa.eu/RegData/etudes/BRIE/2021/690865/IPOL_BRI(2021)690865_EN.pdf


 

Niveles de referencia del desempeño medio europeo en educación y formación

En 2009, el Consejo Europeo había adoptado un marco estratégico en el que establecía una serie de referentes que servirían para monitorizar los avances conseguidos a lo largo de Europa en educación y formación.

Ya en 2020, la Comisión evaluó los logros de la década pasada y sugirió revisar esos objetivos para afrontar mejor los retos de nuestro tiempo.

A continuación incluimos un resumen de los nuevos objetivos establecidos por el Consejo en el área de Educación:

  • La tasa de bajo rendimiento de estudiantes de 15 años en matemáticas, lectura y ciencia deberá ser menor del 15%.
  • La tasa de bajo rendimiento de estudiantes de 15 años en informática y alfabetización informacional deberá ser menor del 15%.
  • Al menos el 96% de los niños de entre 3 años y la edad de empezar la educación primaria deberá participar en educación temprana.
  • El porcentaje de adultos de entre 25 y 34 años con estudios superiores deberá ser de al menos el 45%.
  • La tasa de abandono escolar deberá ser de menos del 9%.
  • Al menos un 47% de los adultos de entre 25 y 64 años deberá haber participado en algún proceso formativo en los 12 meses anteriores.
  • El porcentaje de graduados recientes de formación profesional que hayan disfrutado de una formación basada en la práctica deberá ser de al menos el 60%.

Objetivos estratégicos educación Parlamento Europeo

La tasa de bajo rendimiento en informática deberá ser inferiór al 15%.


 

Accede aquí al documento completo:

https://www.europarl.europa.eu/RegData/etudes/BRIE/2021/690865/IPOL_BRI(2021)690865_EN.pdf

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Inicio: Octubre de 2021

Mapear las industrias culturales y creativas

Mapear las industrias culturales y creativas

Qué es el mapeo, por qué se hace específicamente en las industrias culturales y creativas y qué pasos hay que seguir para hacer un buen mapeo.

La necesidad de los profesionales de los diferentes sectores culturales de agruparse, asegurarse su subsistencia económica o, incluso, la necesidad de los propios sectores de adaptarse al mercado y a la concepción capitalista del mundo para conseguir llegar con más eficacia al consumidor final, hicieron que comenzase a crearse una verdadera industria.

Con esto empezaron a parecer necesidades derivadas, desde el ámbito legislativo al de los recursos humanos. Aunque las artes y la cultura han existido siempre y son los cimientos de nuestras civilizaciones actuales, la concepción de industrias culturales y creativas aún está en pleno apogeo y el concepto comienza a ser, lentamente, de dominio público.

Por ello, herramientas como el mapeo de industrias culturales y creativas son cada vez menos desconocidas y más relevantes para las industrias culturales y creativas (ICC).

Qué es el mapeo

A finales de los años noventa en Gran Bretaña se empezó a utilizar un sistema desarrollado para ayudar a países, regiones y ciudades a pensar cuál era el valor de las industrias culturales y creativas.

El mapeo es un método eficaz para definir una tarea que, a su vez, engloba una serie de técnicas analíticas con el fin de recoger y presentar información relativa a la variedad y el alcance de la cultura y, en concreto, de las industrias culturales y creativas.

La intención principal es dar perspectiva al ámbito económico y, en ocasiones, tan controvertido, de este tipo de industrias. Esto se hace específicamente en lugares donde estas no están bien definidas o no se conocen, directamente.

Por qué mapear las industrias culturales y creativas

El concepto de industrias culturales y creativas y el del mapeo van de la mano. El Gobierno de Reino Unido creó una Mesa de Trabajo para las Industrias Culturales y Creativas en 1998, seguido de un reporte de seguimiento en el año 2001.

En 1998 se produjo el primer intento de mapeo sistemático cuyo objetivo era definir y medir las industrias culturales y creativas. El objetivo principal tenía dos vertientes. Por un lado, almacenar datos sobre estas industrias, por el otro, promover que se conocieran. Para esto último se contó la historia del surgimiento de esta industria de forma pública y accesible especialmente para políticos, periodistas, inversores, académicos y funcionarios.

El resultado de este primer estudio fue un hallazgo que sorprendió, ya que las industrias culturales y creativas creaban casi un millón de empleos y el 4% del PIB de Gran Bretaña, además de facturar unos siete millones y medio de libras en exportaciones.

Sin embargo, la cruz de esta moneda fue el descubrimiento de que las industrias culturales y creativas estaban divididas en empresas pequeñas y comerciantes y unas cuantas compañías, normalmente multinacionales, y muy grandes.

Este primer mapeo, además, concluyó qué sectores formaban parte de las ICC. Estos fueron arquitectura, arte y antigüedades, artes escénicas, artesanías, cine y vídeo, diseño, diseño de moda, edición, publicidad, música software de ocio interactivo, software y servicios de computación, radio y televisión.

En esencia, está definición es la que se mantiene hasta el día de hoy, si bien hay críticos y detractores que alegan como argumentos algunos matices que se salen de la definición estrictamente dada.

Mapeo en las industrias culturales y creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

En las industrias culturales y creativas hay, principalmente, cinco motivos por los que realizar un mapeo:

  1. Elevar el perfil de las industrias creativas. El mapeo es un método que pretende hacer que las industrias culturales sean tenidas en cuenta y su labor reconocida. Un mapeo puede poner subrayar el valor económico que tienen y que suele ser importante.
  2. Aprender sobre un sector, saber qué está ocurriendo y dónde. El mapeo puede revelar algunos patrones de agrupación o comportamiento de empresas culturales y saber cómo evolucionan. Esto es importante de cara al futuro.
  3. Planear el crecimiento futuro. Hay dificultades en estos sectores, como encontrar espacios de trabajo asequibles, acceso a internet de alta velocidad o conseguir mano de obra cualificada. El mapeo, en estos casos, ayuda a identificar necesidades y sugiere maneras de satisfacerlas.
  4. Comprometer a los líderes que tienen impacto en decisiones políticas relacionadas con las ICC. El mapeo es una base sobre la que se pueden construir argumentos a favor de políticas públicas que ayuden a las industrias culturales.
  5. Sustentar objetivos políticos o económicos más amplios. El influjo de las industrias culturales y creativas puede llegar a otros sectores o servir de herramienta para renovarlos, esto puede ocurrir con la regeneración urbana, el desarrollo rural o la cohesión social. El mapeo puede ser una herramienta para los que diseñan las políticas públicas, ya que pueden enseñarles cómo pueden usar distintas áreas para mejorar.

En qué consiste el mapeo

La siguiente tabla explica en siete pasos diferentes cosas que tener en cuenta a la hora de realizar un mapeo. Entre lo más significativo destaca tener claro los objetivos, darle un sentido práctico al mapeo o elegir el enfoque que se va a aplicar a la investigación.

mapear industrias culturales creativas

Fuente: Guía práctica para mapear las industrias creativas por BOP Consulting

El séptimo paso es decisivo y el último esfuerzo para terminar la investigación que dé como resultado un mapeo de las ICC. En este caso, sobre cómo mantenerse una vez que ya se conocen los resultados, es preciso ser muy perseverante, adoptar una visión a largo plazo y seguir recogiendo información adicional y difundiéndola ampliamente. Unido a esto, es igualmente vital el asegurarse de que las industrias creativas tengan un hueco en los medios de comunicación para expandir el mensaje, así como mantener el contacto con experto de economía creativa internacionales.

El mapeo es una herramienta que, precisamente, sirve para poner a las industrias culturales y creativas en el mapa, para demostrar que tienen valor por sí mismas, que son igual de necesarias que el resto de industrias y que tienen un importante peso económico en muchos países a nivel mundial.


Información adicional: Guía práctica para mapear las industrias creativas. Por BOP Consulting.


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Sesión informativa en directo el 6 de mayo. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo el 6 de mayo. Inscripción abierta.

Sesión informativa en directo con el Coordinador Académico del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Con motivo de la apertura de matrícula para el curso 2021-2022 de este máster en gestión cultural, se desarrollará sesión en directo mediante videoconferencia, donde se explicará la metodología y el modelo de educación semipresencial, procedimientos de evaluación, prácticas, etc.

La inscripción es libre y gratuita. Cualquier persona interesada en el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas puede inscribirse y participar de esta sesión informativa en directo, simplemente cumplimentando el formulario de inscripción que se encuentra en esta misma página. Si te interesa, no dudes en inscribirte, podrás resolver todas las dudas sobre el Máster.

 
La sesión se desarrollará el jueves 6 de mayo de 2021 a las 17:00 horas.
Horario peninsular de España (Madrid).
Sesión informativa máster gestión cultural

Sesión informativa

6 de mayo  17:00 horas

Inscríbete cumplimentando este formulario

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Abierto el plazo de matrícula para la edición 2021/2022

Abierto el plazo de matrícula para la edición 2021/2022

La Universidad Europea Miguel de Cervantes abre el plazo de matrícula del Máster Oficial en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Este Máster en Gestión Cultural, cuya edición 2021/2022 comenzará en el mes de octubre, dotará a su alumnado de todas las herramientas necesarias para desarrollar proyectos en cualquier ámbito de las industrias culturales y creativas.

A quién está dirigido el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Este máster oficial en gestión cultural está dirigido a estudiantes y profesionales de disciplinas muy variadas. Desde historia del arte hasta videojuegos, así como a profesionales de otras áreas con interés en el sector de la gestión cultural. Este máster oficial destaca por permitir a cualquier profesional especializarse en la gestión cultural, en cualquiera de sus campos, con la versatilidad de las salidas que ofrece esta profesión.

Esta titulación cubre un hueco de mercado. Es posible encontrar grandes profesionales en el sector de las industrias culturales y creativas, que no cuentan con una formación académica oficial en gestión cultural. Con este título, estas personas podrán obtener esta base. Este máster en gestión cultural es también una puerta abierta al sector para quienes no tienen una relación profesional directa, pero desean integrarse profesionalmente en las industrias culturales y creativas.

Un Máster Oficial en Gestión Cultural

El carácter oficial de este máster posibilita a su alumnado homologación y reconocimiento internacional.

Además, al ser un máster oficial, permitirá a sus alumnos dedicarse a la investigación. Los estudiantes que lo deseen podrán fomentar su perfil investigador y se les abrirá la posibilidad de realizar un doctorado.

Un máster con aplicación al mundo laboral

Otro aspecto destacable del Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas es su aplicación al mundo laboral. Lejos de restringirse a la teoría se ha concebido para acercarse a la realidad de la gestión de la cultura. Por ello, desde el primer momento, los estudiantes tendrán que resolver casos prácticos para que el aprendizaje se adapte a la demanda de la industria.

Es un máster en gestión cultural pensado de abajo a arriba. Cuenta con gente que ha trabajado en el sector, que ha realizado proyectos y que tiene buenas prácticas. Esto permitirá formar a profesionales en un ámbito que, por ahora, cuenta con pocas herramientas y pocas referencias.

Fechas del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Este Máster se desarrollará entre octubre de 2021 y septiembre de 2022. El plazo de matrícula estará abierto hasta cubrir plazas.

La información para la matrícula se encuentra en la sección «Acceso y Matrícula«.

Más información

Puedes obtener más información y realizar tu consulta mediante el formulario de contacto.

Además, existe una dirección de correo electrónico para la resolución de cualquier consulta, abierta a cualquier persona interesada: industriacultural@uemc.es


 

El Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creatias, recibe una valoración global en los indicadores de calidad de 4,8 puntos sobre 5, siendo el mejor valorado de la Universidad Europea Miguel de Cervantes. 

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Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

Creación audiovisual: incentivos y oportunidades

En el marco del evento Saltos de Eje, se desarrolló un interesante coloquio sobre incentivos y oportunidades en el mundo del cine, especialmente para directores y productores noveles.

La moderadora de esta charla fue Alicia Albares, guionista, directora de cine y distribuidora en YAQ Distribución. Los cuatro ponentes, además, eran personalidades consolidadas dentro de la industria cinematográfica en España. Estuvieron presentes Teresa Azcona, Videpresidenta de Spain Film Commission, que habló sobre incentivos fiscales que puede comportar hacer cine, Peter Andermatt de la Oficia Media España que habló de las ayudas e incentivos europeos, Gemma Vidal de La Incubadora de la ECAM un programa centrado en ayudar a productores emergentes y, por último, Gabriel Ochoa de Valencia Pitch Forum, que explicó en qué consiste un pitch.

Para empezar este artículo vamos a centrarnos en lo último mencionado, el pitch, ya que supone un primer paso para un guionista, director, productor o para un equipo a la hora de mostrar su idea a productores que pueden adquirirla y darles la financiación para comenzar el proyecto.

Qué es un pitch y por qué es importante

Cuando un guionista o productor tiene una historia y necesita financiación para hacerla realidad, la técnica del pitch es muy empleada, sobre todo, en gente que no tiene contactos en la industria y que hace su primera incursión en ella.

El Pitch consiste en preparar un resumen muy breve de lo que trata la película o del plan de financiación que se ha hecho, grosso modo, y contárselo a los productores que, en cuestión de minutos, evaluarán si el proyecto merece la pena o no.

Es muy conocido el pitch de ascensor. Esto se trata más bien de un ejercicio para resumir (o incluso encontrar) las partes más importantes del proyecto. Consiste en imaginar que te encuentras con un gran productor o cineasta en el ascensor y tienes apenas unos segundos para presentarte, contarle tu historia y que quede tan impresionado que quiera rodarla. Es un ejercicio útil para identificar las partes de las que es vital hablar y cuáles son prescindibles en una primera toma de contacto.

En Saltos de Eje, Gabriel Ochoa, del Valencia Pitch Forum, estuvo presente para hablar acerca de este encuentro entre productores, creadores y empresas. Tal y como Ochoa lo describe, “es un evento formativo”. Se centra especialmente en guionistas o guionistas y directores. Se organiza un evento al que pueden acudir estos a presentar sus ideas ante productores, plataformas o cadenas de televisión. Tiene una parte formativa, pero también una de industria en la que se presentan los proyectos a los potenciales financiadores mediante un pitch.

“El negocio está cambiando, en ese sentido creo que para bien para los creadores, es una oportunidad, pero no sabemos hasta dónde va a llegar”, comenta Gabriel.

De ahí la importancia de hacer un buen pitch, ya que puede significar que, de la noche a la mañana, la propuesta tenga financiación y sea algo más que un guion en un cajón, convirtiéndose en una película con vida propia.

Cómo poner en marcha un proyecto cinematográfico: La Incubadora

Una vez que se tiene la financiación o los mecenas necesarios, el siguiente paso es poner en marcha el proyecto. La Incubadora de la ECAM (Escuela de Cine y Audiovisual de Madrid) es un programa centrado en productores. Existe un objetivo que se divide en dos. Por un lado, está el proyecto y, por el otro, las personas que están detrás, que lo impulsan.

Para poder presentarte a este programa de la ECAM es necesario ser un productor emergente. Esto quiere decir que se debe tener un proyecto en desarrollo con un director novel que, como máximo vaya a grabar su tercera película. Hay tres cosas que tienen en cuenta desde este proyecto: la calidad de los guiones, la viabilidad y el perfil de los solicitantes.

En La Incubadora colaboran con festivales como el de Torino, San Sebastián, Toronto y Róterdam. En su primera edición, este proyecto contó con la participación de Netflix, Movistar, Atresmedia y RTVE. Finalmente, Netflix va a sacar un proyecto que conoció gracias a La Incubadora. “Esto da lugar a oportunidad, las líneas editoriales son bastante claras, puedes tener un acceso, pero depende de la línea de proyecto de cada foro, que case el proyecto con el rollo del evento”, afirma Gemma Vidal.

Es complicado porque la industria cinematográfica es muy cerrada y endogámica, pero acudiendo a eventos como los propuestos por el Pitch Forum de Valencia o La Incubadora de la ECAM se puede conseguir una muy buena oportunidad para entrar en el sector.

Incentivos fiscales en la industria cinematográfica

Teresa Azcona habló durante el evento de Saltos de Eje acerca de los incentivos fiscales que pueden recibir empresas al invertir en una película o creación audiovisual. En mayo estos incentivos subieron del 25% al 30%, en noviembre se realizaron modificaciones que afectaron a la inversión extranjera en efectos especiales y en diciembre la modificación que afectó a la inversión privada en las producciones audiovisuales.

“La interpretación desde el sector es que les gustaría que esto fueran herramientas para que se canalicen fondos de inversores privados a proyectos audiovisuales sin la complejidad de las AIE (Asociación de Interés Económico)”, afirma Azcona.

La inversión ha aumentado, especialmente por el auge en el consumo del contenido audiovisual seriado. Se está invirtiendo mucho en televisión. Se va a adaptar la normativa a la nueva ley de comunicación audiovisual en España. La intención es trasponer lo que pide la Unión Europea, que es en esencia, que las plataformas de streaming hagan negocio en Europa, con la condición de que se respeten la cultura y patrimonio de cada país.

Teresa Azcona explica que el incentivo fiscal te suele resolver el 25% de la producción (no digo el 30% porque el inversor privado también querrá su rentabilidad). Las ayudas pueden ser hasta un 50%, en los cortos, sumando subvenciones e incentivos, pueden llegar al 80%. Luego hay otras vías como derechos vendidos a televisión, patrocinios y con venta a distribuidores para exhibición”.

Según Teresa, toda productora es una empresa y su objetivo debe ser el resultar viable como tal. Deben gestionar, saber de marketing y financiación, conocer quién puede ayudar o acompañar en según qué procesos, entre otras cosas. Recalca la importancia de conocer el mercado.

Oportunidades a nivel europeo: Oficina Media España

Peter Andermatt fue el representante de Oficina Media España en la conferencia sobre nuevas oportunidades del sector audiovisual de Saltos de Eje.

Este programa está determinado desde Bruselas y tiene 14 líneas de ayuda distintas. Entre ellas destacan la formación y las ayudas al desarrollo propiamente dicho del proyecto. En esencia, la Oficina Media España es una red de contactos. Andermatt recomienda ir hasta allí para conocerlos en persona y saber en qué pueden ayudar a la hora de producir una película o una serie, ya que también realizan funciones de consejería.

En el momento que atravesamos, Peter tiene claro que “se han multiplicado las audiencias. Las plataformas han cambiado totalmente el tablero, una oportunidad importante para los productores. Lo primero que habría que hacer es conocer la oferta y demanda del mercado, este es cada vez más complejo y conviene investigarlo”.

Es muy importante, como recalca Andermatt, conocer el mercado, estar documentado para saber por qué proyectos apostar y también estar conectado con los diferentes agentes que integran la cadena de valor. “Los creadores son el alma del proyecto, pero hay que saber vender muy bien. Las presentaciones de los proyectos suelen acabar mal porque la gente no tiene en cuenta los estándares de la industria profesional a la hora de presentar el proyecto”, recalca Peter, añadiendo que esto último puede marcar la diferencia. Es preciso llamar la atención de alguien con poder de decisión y para eso da igual si eres grande o pequeño, lo importante es conocer el contexto y destacar los puntos fuertes del proyecto.

Debido a la gran cantidad de productos audiovisuales que hay en el mercado, la gente quiere variedad. Es un incentivo para el espectador descubrir productos y talentos nuevos. Como ejemplo, en su día, estaba Xavier Dolan, que destacaba por ser muy joven (contaba con 19 años cuando hizo su primera película) o Carla Simón, que debutó hace unos años con su ópera prima Verano de 1992.

Saltos de Eje

La mesa redonda «Incentivos y oportunidades para la creación española y europea», se desarrolló en el marco de Saltos de Eje, encuentro sobre los retos y oportunidades del cine

 

La no-paridad en el cine

En cuanto a la predominancia de películas y series dirigidas por hombres frente a las capitaneadas por mujeres, los incentivos premian esto.

Según explicó Teresa Azcona en la conferencia, “el límite de apoyo público de un proyecto es un 50%, pero si ese proyecto lo lleva una mujer esto sube al 75%”.

Para Gemma Vidal, de la ECAM, las políticas culturales están apoyando en esa línea. “Es importante el papel de los seleccionadores de contenido, ver quiénes son y qué decisiones toman en los comités”, añade.

Por su parte Peter aporta que desde Europa se está intentando potenciar tanto la igualdad de género como la diversidad. “Las cifras son muy mejorables, sobre todo en cuanto a igualdad de género”, sentencia. No obstante, una de las oportunidades que se van a poner en marcha desde la Oficina Media España es Mentoring, un programa enfocado a un colectivo determinado, por ejemplo, las mujeres, pero pueden ser otros grupos. “La idea es acercarnos a una cifra más igualada”, incide Peter.

Marketing y colaboración a la hora de poner en marcha un proyecto audiovisual

Esta conferencia de Saltos de Eje puso los puntos sobre las íes en cuanto a las oportunidades que existen para cineastas emergentes. Aún así, sigue siendo muy complicado optar a alguna de estas opciones, bien sea por falta de medios o simplemente porque no son muy conocidas entre el groso de la población.

Por ello, los ponentes, especialmente Andermatt y Azcona, incidieron sobre la importancia del marketing y de conocer bien el mercado y la industria en la que se quiere penetrar. Así, al hablar sobre géneros cinematográficos, Peter Andermatt hizo referencia a que “si queremos tener diversidad cultural en los cines y plataformas, hay que garantizar su visibilidad en el mercado”.

Y seguía diciendo que la gente no quiere ver siempre el mismo tipo de historias. Hoy más que nunca los públicos demandan diversidad, cuanta más mejor. Por su parte, Teresa Azcona dirigía el foco hacia la formación en marketing. Muchas veces a la hora de planificar la producción de una película no se tiene en cuenta que es necesario dedicar parte de la inversión al marketing. “En la financiación de la película, hay que tener en cuenta que una parte del dinero tiene que ir al marketing, el productor no tiene que saber de todo, pero debe buscar a un experto en marketing para que lo haga”, continuaba Teresa.

“Esta industria es colaborativa y si no te gusta el trabajo en equipo te equivocas de industria. Hay que hacer un ejercicio de conocimiento para saber dónde somos fuertes y dónde no, en base a eso buscar socios con los que complementarlos. Poligamia intelectual, hay que ser maduro y transparente para hacerlo bien”, apostillaba Andermatt, teniendo muy claro lo que dice.

Y es que hoy en día, a la hora de vender cualquier producto, especialmente uno cultural, es fundamental tener conocimientos de marketing y, por supuesto, aplicarlos. Como bien apuntan los ponentes mencionados, si no se tienen conocimientos hay que contactar con el mejor experto que sea posible y trabajar con él, explicarle la historia, los objetivos, el tono, para que pueda realizar una campaña lo más idónea posible.

A pesar de estar rodeados de publicidad y marketing parece que, en el trabajo artístico, los de dentro de la industria, no lo ven. Son ya célebres las campañas de promoción de Netflix o de HBO, que muchas veces generan más debate que los propios contenidos audiovisuales que publicitan.

Si detrás de un producto audiovisual no hay una buena lectura del mercado y una buena campaña de marketing, por genial que sea la obra, será como si nunca hubiera existido, de ahí la importancia de pensar muy bien este tema y dedicar parte del tiempo, el esfuerzo y la financiación al marketing.

 


Artículo redactado por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Ramiro Guambuguete: “La experiencia de campo de cada profesor, más sus conocimientos técnicos y teóricos, me han permitido sentirme motivado”

Ramiro Guambuguete: “La experiencia de campo de cada profesor, más sus conocimientos técnicos y teóricos, me han permitido sentirme motivado”

Ramiro Guambuguete se formó como pianista en el Conservatorio Superior Nacional de Música de Quito (Ecuador), donde ahora es docente, y además ha ejercido como coordinador de festivales y responsable de comunicación.

En 2016 creó su propio festival, llamado Músico Universal, tratando de atraer a jóvenes promesas de Ecuador. Es también cofundador de la empresa Original Trailer Music, que se dedica a hacer música para productos audiovisuales.

Además de eso, ha complementado su formación al realizar el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas. Hablamos con él sobre su experiencia profesional y con estos estudios online.

¿Por qué decidiste estudiar música?

Mi inicio en la música viene desde muy pequeño. No vengo de una familia de músicos, pero mis padres sí valoraron una formación musical como algo que debe existir en la vida.

Comencé en una institución privada para después ingresar al Conservatorio Superior Nacional de Música de Quito, en el cual me formé y ahora soy parte de su claustro de docentes.

¿Cómo ha sido tu experiencia como docente en el conservatorio?

Me inicié en la docencia a los 18 años en el Conservatorio Nacional de Música de Quito, al principio como ayudante de cátedra y después como profesor de piano principal. Debo decir que he podido aprender de mis maestros y estudiantes, quienes me han enseñado lo importante y grato que es enseñar. He tenido experiencias maravillosas, como conocer a grandes músicos de fama internacional y poder compartir experiencias con ellos, aprender e impartir el conocimiento a mis estudiantes.

Pertenecer al Conservatorio Nacional de Música y al Conservatorio Superior Nacional de Música, en el cual también trabajo a media jornada, me ha permitido generar ideas y poder concretarlas en mis proyectos personales para hacer mi aportación a la música.

¿Cómo se te ocurrió crear el Festival Músico Universal? ¿En qué consiste exactamente?

El festival nace por la necesidad de dar un espacio más permanente a músicos y artistas y unir a músicos de trayectoria y de gran experiencia junto a las jóvenes promesas que se encuentran en el Ecuador. El evento da espacio a música académica universal, latinoamericana y ecuatoriana y busca mostrar constantemente estrenos de obras ecuatorianas.

Como docente, he palpado la falta de espacios permanentes para los músicos y artistas, ya que en algunos lugares es requisito tener un reconocimiento previo para poder “tener el derecho” de presentarse como artista y músico joven.

Con Músico Universal se ha llegado a diferentes públicos en distintos escenarios del país y, a la par, se ha dado espacio a jóvenes que desean exponer su arte. Una de las motivaciones que han tenido las jóvenes promesas es poder compartir escenario con artistas y músicos de gran nivel y experiencia.

¿En qué consiste el trabajo de tu empresa Original Trailer Music?

Original Trailer Music es una propuesta que nace entre conversaciones con Willy Darío, quien forma parte también de la organización y es el compositor principal. Nos dedicamos a crear música para cine y otros medios audiovisuales, todo a la medida y necesidades de las productoras o medios de comunicación. Realizamos composiciones desde un solo instrumento hasta formatos orquestales. Esta idea pretende dar a conocer el potencial que tenemos en el país para generar música nueva y de gran calidad.

¿Por qué decidiste realizar el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas?

Soy docente y me gusta la administración y gestión cultural. En mi época de estudiante del conservatorio era muy difícil que nos dieran espacios a jóvenes talentos y muchas generaciones se han perdido por esta causa, ya que esto también provoca que el público no valore lo que tiene en el país.

También me decidí por este máster en gestión cultural para tener una formación más completa. En Ecuador estamos en época de sembrar y necesitamos tener los conocimientos y recursos para poder ejecutar de manera más rápida y efectiva proyectos y gestorías que nos permitan tener productos de calidad y que perduren en el tiempo.

¿Cómo conociste que existían estos estudios?

Preguntaba a compañeros y en Ecuador se ofrecen este tipo de maestrías, pero sus costos son muy altos, hasta que mi buen amigo Álex Alarcón me sugirió revisar la web del máster. España tiene mucha riqueza de conocimiento en este campo y los maestros que me formaron en el máster me lo demostraron en sus clases y seminarios.

¿Por qué, finalmente, decidiste cursar un máster online español estando tú en Latinoamérica?

Me es imposible dejar de trabajar para poder seguir un máster de manera presencial. En Ecuador necesitaría dejar de trabajar para poder hacerlo.

El costo, el beneficio de los conocimientos adquiridos y la flexibilidad de tiempo me inclinaron a tomar esa decisión. Me siento muy motivado por todo el conocimiento que pude adquirir para administrar, gestionar e innovar en este campo que logra cubrir muchas áreas de la cultura y de la educación.

¿Cómo ha sido la experiencia durante el máster en gestión cultural?

Ramiro GuambugueteMuy buena, tengo profesores con un alto nivel de conocimiento, preocupados por entregar sus conocimientos sin restricciones y mostrarnos lo amplia que es el área que decidí estudiar.

La experiencia de campo de cada profesor, más sus conocimientos técnicos y teóricos, me han permitido sentirme motivado y seguro de haber tomado una decisión acertada de seguir el curso y tal es el caso que ya tengo frutos del conocimiento recibido.

En la universidad, el área académica y administrativa es muy organizada y los docentes siempre se preocupan por el progreso de sus estudiantes. La coordinación liderada por Santiago Arroyo Serrano nos permitió fluir sin problemas con una comunicación clara y constante.

¿Crees que las clases online son una ventaja?

Son una gran ventaja y progreso, al menos en esta área que yo puedo juzgar, depende mucho del estudiante, de sus ganas de aprender y de su predisposición para progresar.

La universidad pone a nuestra disposición expertos en la materia, depende de nosotros aprovecharlos al máximo.

¿Cómo ha sido la relación de los alumnos con los profesores?

Muy buena, ya que los profesores se preocupan por verificar que los estudiantes adquieran el conocimiento y lo apliquen de manera correcta. Los profesores no se han limitado en dar la materia y llegar hasta ahí, se han preocupado por darnos opciones y guías reales que nos permiten progresar y aplicar de manera efectiva en nuestros espacios de trabajo.

¿Cómo valoras tu experiencia en este máster?

Ha sido una experiencia enriquecedora, pude conocer a grandes maestros que nos mostraron sus conocimientos y trabajos realizados, lo cual nos permitió conocer de primera mano cómo aplican sus propios conocimientos y eso nos enriquece. Cada profesor creó una experiencia única y agradable en este máster.

En Ecuador todavía se invierte poco en educación y consumo cultural. Estudiar este máster oficial me permite tener más herramientas concretas de análisis, planificación y ejecución para poder aplicar en proyectos privados y en el sector público, lo cual me ha motivado a seguir aportando a la cultura de mi país. Gracias a la universidad y a cada uno de los profesores por su enseñanza sin restricciones.


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

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El Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creatias, recibe una valoración global en los indicadores de calidad de 4,8 puntos sobre 5, siendo el mejor valorado de la Universidad Europea Miguel de Cervantes. 

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Dolores Costa: “La audiencia es algo trasversal a cualquier asignatura y aquí la situamos en el centro de la gestión cultural”

Dolores Costa: “La audiencia es algo trasversal a cualquier asignatura y aquí la situamos en el centro de la gestión cultural”

Dolores Costa Gálvez es Doctora en Contenidos de Comunicación en la Era Digital (UAB) y profesora en el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas.

Dolores se licenció en Publicidad y Relaciones Públicas, además también es Técnica Superior en Imagen y, en la actualidad, da clase en la Universidad de Girona y colabora en los estudios de máster de la Universidad Carlos III de Madrid.

En el máster, la profesora imparte la asignatura de Análisis, Estudio y Desarrollo de Audiencias. Hablamos con ella sobre su labor de investigación, cómo ve la radio y sus audiencias y sobre su experiencia como docente online.

¿Qué te impulsó a estudiar comunicación?

Siempre me ha gustado comunicar, no tanto de manera oral, pero sí escrita. Me parecía interesante hacer primero una carrera de comunicación. Me decidí por Publicidad y Relaciones Públicas porque son unos estudios bastante trasversales, escribes, pero también se da importancia a la parte visual, algo que me pareció interesante. Aprendes a comunicarte de una manera persuasiva, a escoger muy bien las palabras y eso hizo que me decidiera.

Dentro de los tres estudios de comunicación (Publicidad y Relaciones Públicas, Periodismo y Comunicación Audiovisual) son los que más salidas tienen y, por descontado, son muy interesantes.

¿Por qué decidiste especializarte en radio e industria musical?

Cuando terminé la carrera hice un máster de investigación y decidí romper con mis estudios iniciales, aunque hay una base importante a la hora de comunicar. Empecé por una inclinación personal, me interesaban tanto la música como la radio y quería abrir mi campo de estudio.

Ese máster me llevó a la idea de hacer un doctorado y vi las posibilidades de investigación de, prácticamente, cualquier objeto de estudio.

¿Qué estudias o has estudiado, concretamente, de la industria musical?

Mi centro está en los medios públicos. Como ejemplo, uno el concepto de servicio público a las políticas programáticas (cómo se decide qué canciones tienen que sonar o qué programas se tienen que hacer), el tema de la audiencia (cómo se trata, opiniones de los oyentes, el influjo de su opinión en los programas que se hacen) y, por último, estoy centrada en el estudio de las políticas (cómo se define a nivel legal cómo deben ser las radios públicas o cómo se tiene que tratar la industria musical, con políticas para fomentar artistas emergentes, cómo tienen que ser las empresas discográficas, entre otras cosas).

¿Crees que el podcast es un sustituto “moderno” de la radio como medio tradicional?

Creo que para una parte de la audiencia sí. Para las personas que no escuchan la radio sí es un sustituto, es la única radio que conocen porque no escuchan la radio convencional. En cambio, si hablamos de un perfil de audiencias que también es oyente de radio, te diría otra vez que sí porque, sobre todo, en el ámbito de la radio pública, donde se emite mucha variedad de programas, hay muchos de ellos que se emiten a horas intempestivas.

Claramente no son horas hechas para que haya audiencia en directo, por tanto, el entorno natural de ese programa es el podcast. Incluso te diría que este tipo de programas existen gracias a que existe el podcast, si tuvieran que vivir de la audiencia en directo no sería posible porque no la tendrían. Creo que para estos dos perfiles de audiencia, los que no son amantes de la radio y los que sí consumen radio pero no tienen tiempo, el podcast es un sustituto.

¿Por qué hay falta de interés por parte de los más jóvenes en medios como la radio?

Dolores Costa Galvez

Dolores Costa Gálvez

En primer lugar, creo que es una cuestión de educación. Seguramente si en tu casa se escuchaba la radio es probable que tú la escuches, aunque sea de forma esporádica. Hay una parte de la juventud que va por aquí. Por otro lado, están aquellos no familiarizados con el medio.

La radio exige un mayor nivel de concentración, a pesar de su función de acompañamiento que es cierta, pero te requiere entrar en el lenguaje. Se habla mucho en la radio y hoy en día el lenguaje sintético que nos marcan las redes sociales choca con la idea que se tiene de comunicación por parte de los jóvenes, no tanto millennials sino la siguiente generación, la Z.

También tienes que aceptar que tienes un prescriptor que te sugiere contenido. En el caso de la radio musical es bastante evidente. Recomienda un contenido que cree que te va a interesar. La clave aquí está, si hablamos de audiencias, en que esos jóvenes perciban ese contenido como algo que les interesa y responde a sus necesidades.

Me gustaría finalizar con algo positivo, sí que hay emisoras que tienen audiencia joven. Está el caso de Gaztea Irratia, una radio del País Vasco, que funciona muy bien. Han sabido incorporar a gente joven en su equipo y estar muy en contacto con su audiencia, ofreciéndoles lo que les interesa. El idioma también es importante, emite en euskera y por esa vía están conectando bastante con la audiencia, les hablan de cosas que les interesan en su idioma.

¿Crees que el hecho de que ahora estemos acostumbrados a consumir contenido a la carta hace que la audiencia de la radio, que tiene horarios muy estipulados, baje?

Lógicamente, dentro de las características del medio, hay que entender que es un medio de comunicación de flujo. Tienes que someterte a unos horarios para escuchar el programa que te interesa. Esto rompe con el consumo on demand, pero también rompe con la vida moderna. Necesitas disponer de ese tiempo para poder someterte a esos horarios. Al final acaba un poco ligada al consumo a la carta o al consumo que tienes en el momento en el que enciendes la radio. Si tengo tiempo disponible a las 12 pues a esa hora escucho lo que haya.

Incluso a mí que me gusta la radio, me es imposible poder escuchar los programas cuando quiero.

¿Cómo se han comportado las audiencias a raíz de la crisis del coronavirus o durante el confinamiento?

Los datos que tenemos indican que ha bajado el consumo de radio. Es paradigmático, se ha visto bastante en la música, ha habido una bajada muy brusca en Spotify, en cambio otros medios como la televisión han subido, cuando se supone que la televisión estaba muerta. Uno de los factores ha sido la necesidad informativa, la gente se ha ido a buscarlo a donde se lo dan de manera más inmediata, o quizá de manera más masiva, porque el tratamiento informativo o el exceso de información que hemos tenido en televisión, si lo comparas con la radio, ha sido bastante exagerado.

Realmente, supongo que como esto se está estudiando tendremos datos más favorables en próximas oleadas, por ejemplo, del EGM (Estudio General de Medios). Datos más “normales”, dentro de la anormalidad de la situación.

En este Máster en Gestión Cultural impartes la asignatura Análisis, Estudio y Desarrollo de Audiencias. ¿Cuál es la relevancia que tiene el análisis de audiencias en el contexto de la gestión cultural?

Esta asignatura es una apuesta específica del máster, por eso se estudia en el primer bloque de asignaturas. No es tan habitual tener una materia dedicada únicamente al estudio de la audiencia.

La audiencia es algo trasversal prácticamente a cualquier asignatura y aquí lo que hacemos es recogerla y darle forma para situarla donde se merece, en el centro. Sin audiencia no tienes nada, si no la conoces puedes tener una muy buena propuesta, pero no te va a funcionar.

Es habitual que tengamos alumnos que tienen muy claro su proyecto y quieren trabajarlo durante el máster. Luego hay otros que se quieren dedicar a esto, pero aún no saben qué proyecto quieren levantar. En ambos casos nos encontramos con lo mismo. Me llama la atención en los casos de alumnos que ya tienen proyectos, que muchos de ellos habían tenido en cuenta la audiencia, pero no con el nivel de concreción que tiene la asignatura. Me parece impresionante que a ellos y ellas les aporte tanto esta materia.

¿Cómo es tu experiencia como profesora en el Máster de Gestión Cultural de la UEMC?

Muy buena. Los alumnos aprenden de nosotros, pero nosotros también aprendemos de ellos. Hay gente muy buena en el máster y sus aportaciones son fantásticas. A nivel de gestión e interno me siento super apoyada, ninguna consulta que tengo se queda sin responder y todo junto hace que sea una experiencia muy buena. Además, me parece que imparto una asignatura muy bonita y fundamental. El poder plantar una semilla en la cabeza de los alumnos para que continúen trabajando en esa línea me satisface mucho.

¿Qué ventajas tiene la docencia online?

La primera y más evidente es que es gestionable, fácil y accesible. A mí me gusta pensar que gracias a que existe la docencia online todo el mundo puede estudiar. No hay ese sesgo de lugar de residencia, simplemente tienes que tener una buena conexión a internet, que hay gente que no la tiene, también hay que decirlo.

Además, tiene la ventaja de que se puede adaptar a la situación personal o profesional de cada alumno. En resumen: es accesible y todo el mundo puede estudiar.

A pesar de que sea online, en los tres años que llevo impartiendo esta asignatura no me he sentido lejana del alumnado. Aunque no haya contacto cara a cara, por email, en las tutorías y en los foros, tengo una sensación de cercanía y contacto permanente. Lógicamente no con todos los alumnos, pero la mayoría me transmiten una cercanía que no pensaba que sería tan fuerte.

¿A qué perfiles recomendarías que cursaran este máster?

Por un lado, perfiles profesionales de la cultura: danza, música, artes escénicas, etc. Cualquier perfil relacionado con la cultura. A ellos les va a servir para centrar las bases de su proyecto y dotarles de argumentario y de contenido. Puedes ser muy buen músico, pero no saber gestionar. Creo que en el entorno en el que nos movemos ahora estos perfiles tienen que saber gestionar. Esto independientemente de que el alumno quiera dedicarse a ser gestor o no.

Por otro lado, perfiles más clásicos. Para todas las carreras de comunicación es una salida natural, todo el bagaje del contexto del marketing y del periodismo ya lo tienen y lo pueden aportar al ámbito de la gestión.

También hay una tercera vía muy interesante. Estudiantes de Historia, Humanidades, Filología y aquellos que vienen del mundo empresarial de Económicas o Empresariales. Estas carreras tienen un nivel muy por encima, ya que gestionar no es solo la parte económica, así que recogen lo demás que se enseña en el máster y queda un perfil muy interesante.

 


Entrevista realizada por Silvia Panadero para el Blog del Máster Universitario en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas, MasterGestionCultural.Info

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Curso 2021/2022 ¡Plazo de matrícula abierto!

Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas

Inicio: Octubre de 2021

Ángel Hernández, el cine como pasión y herramienta formativa

Ángel Hernández, el cine como pasión y herramienta formativa

Ángel Hernández es profesor de francés y cineasta. Estudió Economía en Lyon y tras especializarse, de vuelta en España, acabó en el mundo de la educación. No obstante, su pasión siempre había sido el cine y esto hizo que integrase el séptimo arte en los programas formativos de su centro, convirtiéndolo en una herramienta para educar.

Tras realizar varios cortometrajes en el marco de su centro educativo, y con los alumnos, decidió hacer sus primeros cortos. El último de ellos, estrenado en 2019 es NOM. Esta historia fantástica le ha llevado a tener 10 premios internacionales y una selección oficial en el Leeds International Film Festival.

Actualmente Ángel está trabajando en la producción de otro corto, más profesionalizado esta vez, y en la escritura de un largometraje. Nos habla sobre su experiencia en el cine y cómo lo ha usado como herramienta para formar a sus alumnos.

¿Qué te motivó a dedicarte a la educación?

Ángel Hernández

Ángel Hernández

Fue un poco accidental. Justo cuando terminé mis estudios hacía falta unan gran cantidad de profesores de francés. El segundo idioma que se estudia predominantemente en Canarias es el francés y no había profesores. Vi que se habrían listas para entrar en educación y quise probar a ver cómo era ese mundo, ya que era una oportunidad laboral muy buena.

Luego, ejerciendo, me di cuenta de que me gustaba, lo pasaba bien con los alumnos, la materia además me daba pie a usar otras herramientas, más allá de las puramente lingüísticas, como ocurrió con el cine. Hace unos años decidí presentarme a las oposiciones, aprobé y hasta el día de hoy.

¿Por qué al volver de Francia decidiste seguir con la educación en lugar de dedicarte por entero al cine?

Hay un tema siempre de seguridad laboral. En ese momento dedicarme al cine no sabía cómo podría haber salido, las oportunidades eran escasas, diferente a tener un trabajo seguro, fijo, remunerado, etc.

Lo que es un hecho es que, después de un tiempo en educación, empecé a derivarla hacia el cine. No dejaba de ser mi pasión y lo he ido refinando hasta desarrollar programaciones didácticas enteras de la materia de francés basadas en el cine. También he desarrollado proyectos de cine, independientemente de cuál fuera la materia, dentro de los centros educativos para los alumnos de todos los niveles. El instituto donde trabajo ha ganado premios en festivales, no necesariamente educativos, sino del circuito cinematográfico y con trabajos de los alumnos.

Entiendo entonces que has instigado tu pasión por el cine a los alumnos con los que te has encontrado a lo largo de tu carrera.

Sí, de hecho, el director de fotografía del corto NOM fue alumno mío hace 13 años. Es casi crear cantera para futuros proyectos (risas).

¿Cómo integraste el cine dentro del centro educativo y conseguiste darle carácter formativo de cara a los alumnos?

A los alumnos hay que buscarles siempre materiales estimulantes como punto de partida. Nuestros alumnos tienen poca cultura audiovisual, pero todo lo que consumen es audiovisual. Hoy libros cogen muy poquitos, sin embargo, el consumo audiovisual es continuo. Aun así, no tienen una gran cultura y pensamos que era bueno que desde la materia de plástica empezaran a trabajar esa competencia, y desde las materias lingüísticas como lengua española o los diferentes idiomas extranjeros, se trabajara la competencia lingüística a través de la escritura de guiones, la pronunciación y dicción de esos guiones o la propia redacción.

La parte del cine que usamos, en materias de lengua, es el guion como vehículo para desarrollar la competencia lingüística. En plástica desarrollan la competencia más artística, el lenguaje audiovisual, entre otras. Y, desde materias como tecnología, por ejemplo, se potencia la parte técnica, el uso de las cámaras, luces, dispositivos sonoros, etc.

Cuando propuse los primeros proyectos fui sumando compañeros a la causa, digámoslo así. Se acabó integrando en las programaciones de los departamentos. Al principio eran colaboraciones puntuales y anecdóticas y al final el proyecto se ha consolidado y ha tomado forma burocrática, contemplándose en las programaciones como un proyecto interdisciplinar.

Rojade del cortometraje Nom

Rojade del cortometraje Nom

 

¿Qué te motivó a realizar tu primer cortometraje?

Después de una trayectoria de unos seis años haciendo proyectos con los alumnos y, en vista de que parte de lo que hemos hecho ha tenido algún tipo de repercusión, reconocimiento, etc., había mucha gente que se acercaba y me preguntaban por qué no hacía algo al margen del instituto. Digamos, sin esa red de seguridad que implican los alumnos y sin poder decir que si el proyecto sale mal al final el objetivo último es formativo, no cinematográfico.

Fue calando esto hasta que me decidí a hacer algo personal, aunque, seguí contando con recursos de los que tenía el centro. El protagonista (de NOM) es profesor de plástica, compañero mío, con el que había hecho ya un montón de cortos con los alumnos, el director de fotografía es un exalumno. En cierto modo, hay algo de intersección con la manera de trabajar que teníamos en los proyectos escolares. Lo que pasa es que ya lo firmaba como Ángel Hernández y no como el profe de francés.

¿De dónde nace la idea de NOM?

Surgió concretamente un día durante una de nuestras rutas ciclistas. Buena parte del equipo de este corto somos aficionados al ciclismo, sobre todo, Diego (Higuera) el protagonista, que lleva 40 años en bicicleta.

En una de nuestras salidas hicimos la típica pausa para el café, que se hace en una salida larga, y siempre en el grupo hay gente más mayor, como puede ser Diego que ya tiene 63 años, y chavales que se unen nuevos, que pueden tener 23 o 24 años. Hay un contraste ahí de energías y de manera de ver las cosas. El mayor, que se lo toma con calma y lo que quiere es estar el mayor tiempo posible en la bici y el joven que quiere ir rápido.

Se crean estos contrastes entre mayores y jóvenes y se cuentan batallitas. De eso surgió la idea del corto. Alguien dijo: “deberíais chuparle la sangre a este a ver si cogéis un poco de la energía que tiene”. Saltó la chispa y eso, unido a que con las bicis íbamos por muchos de los parajes que aparecen en el corto, hizo que se alinearan los planetas y surgió la idea.

Una vez que te decides a rodar el cortometraje, ¿cuáles fueron los primeros pasos para ponerlo en marcha?

Lo primero es contar la idea al que va a ser tu equipo, para que te la compren y pase a ser de todos, no solo tuya. Si la gente que está contigo no está convencida de la viabilidad igual que tú y no se implican con la misma pasión, normalmente va a haber un problema o varios.

Yo conté con un equipo muy reducido, es decir, Diego, que como ciclista y aficionado al cine, le encantó la idea y se apuntó. Luego hablé con Manuel Peña, que es exalumno, director de fotografía, cámara, montador y etalonador, es una navaja suiza del audiovisual, me dijo también que sí y ponía a nuestra disposición su cámara (que no deja de ser una sencilla de foto y vídeo, no una de cine, una DSLR). Y teniendo a ellos dos, no conté nunca con sonidista porque no teníamos ninguno a mano que se prestara a hacerlo de manera altruista y todo el sonido se hizo después en posproducción.

El resto de colaboraciones son puntuales, salvo Juanda Mendoza, el músico, que se unió posteriormente. Un chico aficionado a la música que nos compuso la banda sonora y que ha sido premiada en tres festivales diferentes.

Un equipo muy reducido que desde el primer momento se unieron y, desde las posibilidades que tenían, aportaron lo que pudieron. Así empezó la aventura.

Rojade del cortometraje Nom

Rojade del cortometraje Nom

 

¿Cómo conseguiste financiación para rodar NOM?

La financiación es simbólica. Para hacer el corto no gastamos ni 500€, que se pagaron de mi bolsillo personal. Prácticamente me los gasté en dar de comer al equipo los días que fuimos a rodar y en comprar algunas cosas de atrezo (sangre falsa, algunas prótesis, lentillas).

Si hubo cosas puntuales en las que hubo que pagar a profesionales. Por ejemplo, hay un efecto digital al final con el agua y eso hubo que pagarlo a un chico que hace trabajos de este tipo en su tiempo libre. También pasó eso con el tema del sonido, nos apoyamos en un chico que es músico y sabe editar sonido para hacer toda la edición sonora. Esos dos pequeños pagos, más la comida y alguna cosa más de producción, fueron unos 500€.

Sí es verdad que, en la distribución, viendo que el corto iba funcionando he ido invirtiendo y han sido casi 3.000€. Esto es una cantidad irrisoria al final, lo normal en un cortometraje medio son 5.000 o 6.000€ y los hay que pagan 10.000 o 12.000.

Es la parte más importante, puedes tener un gran trabajo que si no lo distribuyes bien no llega a ningún lado.

¿Sobre qué trata tu próximo proyecto, Pescador?

Seguimos instalados dentro del cine de género, fantástico y de terror porque es en el que yo más cómodo me siento y creo que es un género que va muy bien para hablar de cualquier realidad, incluso social, desde un ángulo más exótico, no documental o drama más clásico. El cine fantástico y de terror es muy útil para abordar ciertos temas sociales que, a veces, son más terroríficos que cualquier película.

No te puedo contar mucho sobre el argumento, pero sí de donde partió. Leí una noticia que decía que en los campamentos de refugiados de la frontera turca con Siria hay 15.000 menores desaparecidos. Es decir, niños que están en esos campamentos y, de repente, desaparecen. A partir de esa realidad hemos hecho una historia y ese es el proyecto. Ese dato real de por sí ya es bastante escalofriante.

¿Cómo te planteas el rodaje de este nuevo cortometraje?

Con las credenciales de NOM tenemos algo más de credibilidad para dirigirnos a particulares o entidades y solicitar algo de financiación. Nos gustaría dar un salto, no estratosférico, pero sí hacia cierto grado de industria. No solo porque quede mejor, puesto que sinceramente, creo que se pueden hacer productos de muchísima calidad trabajando de forma amateur, como hemos hecho hasta ahora.

Con NOM hemos tenido un hándicap enorme que ha sido el tema de estar indocumentados. Nosotros hemos tenido una selección para un festival en Inglaterra (Leeds International Film Festival) que es calificador para el Oscar y el Goya. Conseguimos la selección, nos ponemos muy contentos y nos dirigimos a la Academia de Cine para decirles que podemos optar a que se nos considere para los Goya. Me dicen que les mande el certificado del ICAA y del Ministerio de Cultura con toda la información sobre la película. No tengo nada porque, al no haber rodado con criterios de industria, no tener a la gente dada de alta, no tener productora, etc., no se puede acceder a esa documentación.

Ahora mismo no puedo entrar a consideración para los Goya ni para ningún premio porque básicamente soy un “sin papeles del cine”. Lo que buscamos es que el siguiente proyecto cumpla con los estándares que me permita acceder a la documentación y que si, eventualmente, puedo optar a uno de estos premios se pueda hacer. Es muy triste que te quedes sin hacerlo por papeles.

Es normal que las academias quieran priorizar a la industria, no quieren favorecer el intrusismo. Quieren que se cree industria y en parte es comprensible, pero es verdad que todo el mundo no tiene acceso a esto, sobre todo, en sus primeros trabajos.

Ahora, con Pescador, contamos con el respaldo verbal, por ahora, de la Consejería de Cultura del Ayuntamiento de Gáldar, que tiene su propio festival de cine y está queriendo apostar por este segmento. Por otro lado, también estamos en conversaciones con gestores culturales para ver si encontramos vías de financiación alternativas. No necesitamos un gran presupuesto, pero lo mínimo para dar de alta a la gente y pagarles un sueldo, aunque sea simbólico. Esto nos permitirá poder acceder a la documentación y a una legalidad mínima.

Entrevista a Ángel Hernández sobre el cortometraje Nom

¿Por qué has decidido ahora escribir un largometraje?

Paralelamente estoy escribiendo un largometraje. Aún no tiene ni título, pero sí te puedo decir que es una distopía futurista en la que de nuevo entra en conflicto la gente mayor con la gente joven. Volvemos a jugar con la confrontación entre juventud y senectud.

Sacamos el corto (Pescador) ahora porque en mi experiencia este año en el circuito de festivales todo el mundo me decía que un largo lleva mucho tiempo ponerlo en marcha, entre que tienes la idea y empiezas a rodar pueden pasar dos años. Me aconsejaron que siempre mantuviera un corto en los circuitos para seguir sonando. NOM ya está llegando al final de su recorrido, me comentaron que no estuviera dos años en blanco preparando el largo, sino que tuviera un corto en la recámara para que lo lanzara y lo mantuviera visible mientras avanzo el largo. Esto da la opción de acceder a nuevos festivales y hacer contactos que me ayuden con la pre y producción del largo.

Por tanto, son dos proyectos los que están en marcha. El corto Pescador que ya está casi listo, y estamos en fase de escritura del largometraje, que espero que esté terminado el guion, para poder empezar a moverlo, a mediados de 2021.


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Malu Balado: “Una vez que la cultura entró en mi vida formó parte de mí para siempre”

Malu Balado: “Una vez que la cultura entró en mi vida formó parte de mí para siempre”

Malu Balado estudió Derecho, pero su carrera dio un giro hacia la gestión cultural cuando comenzó a trabajar como administrativa en la Escuela de Música de Oleiros. Ha desarrollado la producción y dirección de multitud espectáculos didácticos, especialmente en música, teatro y danza. Orientados estos, principalmente, a escolares de la región.

Decidió especializarse en gestión cultural cursando el Máster en Dirección y Gestión de Industrias Culturales y Creativas de la Universidad Europea Miguel de Cervantes. Tras esto creó La Malona, una empresa de gestión cultural que sirve de red de contactos y ayuda a los emprendedores a poner en marcha sus proyectos culturales. Su última iniciativa, puesta en marcha con FIBICC, es el programa de emprendimiento para jóvenes bailarines bautizado como Dance4Job.

En esta conversación Malu nos habla de su carrera profesional, su experiencia en el máster, en el que ahora da al menos una clase magistral al año, y la labor que realiza con La Malona.

Habiendo estudiado Derecho, ¿qué te llevó a dedicarte al ámbito artístico-educativo?

La propia vida. Estando cursando un Máster en Asesoría Fiscal y Tributación, pues quería orientar mi carrera profesional a ser abogado tributarista, me ofrecieron, por pura casualidad, un trabajo de auxiliar administrativa en la Escuela Municipal de Música de Oleiros por un período no superior a tres meses. Como era de esperar, tuve que aprender desde lo que era un instrumento de viento metal a lo que era una nómina… Nunca antes había trabajado.

En poco tiempo, me enfrenté a un aprendizaje exhaustivo tanto en gestión empresarial de escuelas municipales de artes escénicas como del mundo de la producción artística. Después de mucho aprendizaje y, en especial, desde que tuve la fortuna de subir al backstage de un escenario, supe que por fin había averiguado a lo que quería focalizar mi vida profesional: a la cultura, en general, y a las artes escénicas en particular.

Desde entonces, y ya voy para 21 años en el sector, nunca más me volví a bajar del carro. Una vez que la cultura entró en mi vida, ya formó parte de mí para siempre.

¿En qué consistía tu labor de gestión y coordinación del Servicio Público de las Escuelas Municipales de Música y Danza en el Ayuntamiento de Oleiros?

Malu BaladoMe encargaba de la gerencia: la coordinación entre lo empresarial y lo pedagógico, entre el arte y la gestión.

Ejercí varios cargos. Como coordinadora académica me encargué de la organización y coordinación -responsable- de las áreas de dirección artística y docente, claustro de profesores, comisión pedagógica, área de administración, secretaría, información y conserjería de las escuelas; asesoramiento técnico; coordinación, seguimiento, dinamización y ejecución del proyecto curricular de centro y del proyecto económico; vigilancia, supervisión y atención de usuarios del servicio; mediación y coordinación empresa-entidad local, titular del servicio, mediante la asistencia a reuniones (periódicas y extraordinarias), elaboración de memorias, informes, dosieres, expedientes, redacción de balances, proyectos, evaluaciones: gestión presupuestaria y cualquier otra actividad derivada del propio servicio.

Como programadora, de la elaboración, redacción, coordinación, seguimiento, dinamización de audiciones, conciertos, espectáculos, aulas culturales, talleres, ferias, intercambios y demás eventos culturales.

Y en el ámbito de la producción y la dirección me ocupé del diseño de proyecto, delimitación de componentes, gestión de ideas y diseño de espectáculos, planificación del evento y valoración presupuestaria, adaptación de guiones, diseño y realización de atrezo y decorados, diseño y creación de vestuario de Espectáculos Didácticos de música, danza y artes escénicas.

¿Qué te llevó a estudiar el Máster en Gestión Cultural?

El querer profesionalizarme en el sector en el cual estaba desarrollando mi carrera profesional desde hacía más de un quindenio. Yo siempre parto de la premisa de “abrir las escuelas y cerrar las cárceles” de Concepción Arenal. Es decir, sabía que a mayor formación mayor dominio; a mayor dominio, mejor gestión.

¿Cómo fue tu experiencia?

¡Estupenda! A mí el estudiar siempre me ha gustado y nunca me ha costado enfrascarme en nuevos retos intelectuales. Estudiar el Máster en Gestión Cultural me dio las herramientas y los recursos para poder afianzar las competencias aprehendidas de manera autónoma, eliminar los vicios adquiridos al haber sido autodidacta en muchas ocasiones y abrir nuevos horizontes y líneas de trabajo. Pues parafraseando a Francis Bacon, siempre hay que buscar más oportunidades de las que se presentan.

¿Cómo terminaste dando clase posteriormente en dicho máster?

Ya venía realizando conferencias, comunicaciones, ponencias e impartiendo clases magistrales, especializadas en emprendimiento y en Licitaciones Públicas. Esto especialmente para la Universidad de Santiago de Compostela, como colaboradora externa del Grupo TeXe, tanto en foros nacionales como internacionales.

Un buen día, acudí a Santiago Arroyo, director del máster, para pedirle consejos en unas cuestiones que se me planteaban. En aquella reunión surgieron empatías y sinergias laborales que me llevaron a colaborar impartiendo docencia en el mismo máster que me abrió el camino en el mundo de la gestión cultural.

Desde aquella primera vez, nunca falto a la cita, como mínimo una vez al año. Imparto unas sesiones sobre Contratación con el Sector Público para aquel alumnado que, como yo, ve en este tipo de contratación un modus vivendi o, por lo menos, una línea empresarial de su futuro profesional.

¿Por qué decidiste crear La Malona? ¿Cómo fue el proceso de creación?

Fue por un momento de reorganización vital. Siempre había trabajado por cuenta ajena, hasta que decidí lanzarme a crear mi propio sello: necesitaba probar si era capaz de conseguir logros empresariales por cuenta propia. Buscaba, al menos, no sentirme condicionada por ninguna esfera superior a la hora de enseñar, formar o producir espectáculos.

Desde el punto de vista logístico, jurídico y financiero crear La Malona no fue un gran trastorno ni lo recuerdo como algo descabellado. Salí de mi círculo de confort y la cultura se me abrió, de par en par, para mostrarme todas sus posibilidades.

¿Qué tipo de proyectos habéis llevado a cabo?

Proyectos propios, en especial, la gestión de escuelas de música y danza para entidades locales o ayuntamientos y asesoramiento de empresas para montar sus propias estructuras para gestionar proyectos propios. A día de hoy gestiono la Escuela Municipal de Música de Oleiros.

En producciones artísticas hemos participado en A Memoria das Árbores, O Soldadiño de chumbo, O Conto de Nadal, O Son da Música, Oliver Twist, Xogo de Pillabáns, Conto de Nadal, A galiña dos ovos de cores, entre otros. Pendientes de estreno para el 2021 tenemos Zeus y los 5 truenos del Cíclope y Pantomimus y el tutú de Falbalá.

En cuanto a conferencias o ponencias hemos hecho “Por qué no cabe el pensamiento del profesional emprendedor en la disciplina musical”, “¿Qué pueden hacer las escuelas municipales de música por la educación de la ciudadanía? La música. Un derecho más”, “Música, investigación e formación: a procura de converxencia dende a educación” o “La contratación con el Sector Público”.

En colaboración con FIBICC hemos participado en proyectos como CULTUP y Creative & Cultural Entrepreneusership y, actualmente, en Dance4Job.

¿Cómo ayuda exactamente La Malona a aquellos que quieren poner un proyecto en marcha?

Por regla general, y después de años de experiencia, podemos decir que, en el 90% de los supuestos que llegan a mí, la ayuda comienza a partir de la idea primigenia del particular que solicita mis servicios. Me presentan un boceto de lo que les gustaría hacer y yo ayudo a desarrollar desde el proyecto, el plan de empresa, el diseño de la imagen, la búsqueda de financiación, entre otras cosas. Es un asesoramiento global que les ayudará a poner la idea en el mercado.

En mi sector, el de las artes escénicas, hay una creatividad desbordante y un ingente talento. Pero falta bastante formación en el campo del emprendimiento. A lo largo de sus carreras, un músico o un bailarín, recibe pocos créditos relacionados con estos temas. Es difícil que un artista sin una formación complementaria pueda llegar a hacer realidad todo lo que lleva en la cabeza.

¿Crees que se deberían implementar una serie de medidas que apoyasen al sector cultural debido a la pandemia?

Es indudable que las medidas de distanciamiento social y la cuarentena han afectado especialmente al sector cultural, resquebrajando toda su cadena de valor y fragilizando la situación de los profesionales de la cultura.

Para poder valorar qué medidas se necesitarían para relanzar y apoyar al sector cultural es fundamental focalizar el impacto económico que ha tenido el coronavirus en la cultura. Esto pasa por valorar la situación de los trabajadores del sector, concretar la capacidad de adaptación al mundo digital y al teletrabajo, definir los principales problemas del sector antes, durante y después de la pandemia, determinar las fuentes de financiación y prestar especial atención a la opinión personal de todos aquellos que integramos el sector.

La situación requiere que los estados cuenten con estimaciones precisas de la magnitud del fenómeno para poder diseñar políticas paliativas efectivas para el sector cultural.

Lo que tengo claro es que la cultura va más allá de su importancia económica: es un vector de resiliencia y desarrollo humano. Si no queremos estancarnos como colectividad, debemos de devolverle a la cultura el apelativo de eje transversal en la vida de una sociedad, con lo cual, en palabras de Huizinga, filósofo e historiador neerlandés, ¡si deseamos preservar la cultura, indudablemente, debemos continuar creándola!, dándole al sector cultural los medios y los recursos para que pueda volver a relanzar su vuelo.


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